7 ojos

“You Only Live Once” (1937)

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un alemán en Hollywood

*** Este comentário puede contener spoilers ***

Este film es de una época en que Fritz Lang aún queria (o pensaba que podria) hacer en los Estados Unidos el tipo de películas que estaba haciendo en Alemania. Temos un tema de preocupaciones sociales, un atque inútil a la moralidad del sistema y preconcepto. Es vazio, y es superficial. Lang era muy bueno en la manipulación de imagenes y en la creación de escenas poderosas que podrian, por si mismas, transmitir un ambiente, normalmente un ambiente opressivo, talvez una antevisión de lo que el nazismo se quedaria, y lo que significaria para la civilización occidental.

Pero aqui él tiene que se submeter a su nuevo ambiente. En este momento de la história del cine, la diferencia que Lang habrá encontrado estaria sobretodo en el controlo efectivo sobre sus películas, que por cierto ha perdido. Esta es una película americana, más que un film de autor, y mirarla implica comprender esto. El resultado, en este caso, es una desgracia, para mi. Hay apenas unas pocas cosa que interesa mirar, pero mismo esas, podremos encontrarlas en contextos muy mejores, en otras películas:

- una de esas cosas pasa cuando sentimos que Lang pudo crear visualmente. Aqui tenemos dos momentos especialmente interesante: uno es cuando Fonda está en la jaula, esperando su ejecución. La jaula esta hecha para que la luz pase por ella y produzca el efecto negro-claro que miramos. Esto es realzado por la posición superior que Lang dá a sua cámara, como le gustaba hacer, para nos dar la sensación de que alguna fuerza exterior/superior controlaba lo que pasaba delante de nosotros. El otro momento es la niebla que miramos con siluetas caminando medio indefinidas en la escena de la escapada de la prisión. Tal como con la jaula, este es un momento de tensión y importante, en esta trama sin importancia. Supongo que Lang, al no poder poner su visión sobre toda la película, al menos intentó mantener estes puntos. Es interesante mirar estes pedazos, pero ya las he visto en contextos mejores.

- la otra cosa que es interesante mirar es Fonda. Antes de Marlon Brando, el es uno de los que mejor comprende lo que es necesário, como actor, para hacer una película funcionar. El es muy contenido, pero se mueve, habla, y expresa de una forma hecha para la cámara, para el film. Es un placer mirarlo, pero una vez más, hay mejores fuentes para comprendermos sus cualidades.

Mi opinión: 1/5

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“The Woman in the Window” (1944)

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imagen floja

*** este comentário tiene spoilers ***

Ultimament he pasado tiempo con Fritz Lang. Buen tiempo. El me gusta. Pero meperturba, por veces. El es, en parte, un maestro incompleto. Mientras trabajaba en Alemania, el estaba conectado con el expresionismo. Eso significa que el se preocupaba con la creación de imagenes, o secuencias tan poderosas que por si mismas pudieran poner el espectador en contacto con su própria consciencia. El hice esto en practicamente todas sus películas en Alemania, raramente con una visión integrada, raramente con una conexión unitária de todos los elementos poderosos que el creaba. Pero siempre ha creado momentos que quedan con nosotros.

Ele tenia una crítica social suportando su visión, y hacia una exploración de personajes, intentando mostrarlos en su profundidad. Y el ponia todo eso sobre un paisaje visual muy poderoso, una visión. Imagenes, basicamente. Aqui tenemos exactamente el opuesto. Aqui tenemos una imagen que genera una história. Eso podria haber sido interesante, y en verdade, como concepto, es muy bonito. Pero no está bien hecho.

En este punto, Lang estaba ya completamente inserido en el contexto de producción americano, y más que eso, esto fue hecho en un momento en que el noir ya tenia establecidas la mayoria de sus reglas (el noir que tuve su desarrollo y inspiración visual en el expresionismo alemán de los años 20/30). Esto es importante. Aqui el saca el comentário social (que muchas veces era vacío y solo una excusa para las imagenes). Tenemos, si, alguna exploración de los limites/definiciones de moralidad, pero es secundário. Al revés, el foco está (o intenta estar) en el enredo. Tenemos la mujer, el hombre, el detective y el cadáver. Nos llevantan todo el tipo de cuestiones sobre el crimen, y analisamos, primero con el asesino incompetente y despues con el detective todas las posibilidades, todas las pistas. Pero esto es un fallo. No tenemos ninguna duda sobre las intenciones de ninguno de los personajes. Sabemos lo que pasó, y con la excepción de como todo va terminar, sabemos todo sobre todos los personajes. La mujer no tiene secretos, ella surge misteriosamente asociada a una imagen, pero en verdad ella es quien dice que es. El protagonista es un peón en el juego, pero solo por su incompetencia, no porque haya un juego mayor que el no controla. 3 años despues de ‘the maltese falcon’, este tipo de construcción narrativa estaba más desarrollada de lo que miramos aqui.

Y el imagen de la mujer, en el contexto que la miramos, no es suficientemente poderosa… no nos lleva hasta una nueva dimensión como deberia. No nos hace soñar, como hizo a Robinson…

Mi opinión: 2/5

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“Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull” (2008 )

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memórias queridas

Es interesante mirar este tipo de sequelas, de viejos heroes pasados, de películas clásicas. Es interesante porque podemos mirar las diferencias, lo que era y lo que es, cambios en quien creo las películas, el los espectadores, y en nosotros.

Yo creci mirando repetidas veces algunas películas (y algunos tipos de películas) que inventaran, en mayor o menor grado, el gusto cinematográfico de mi generación, en general. Estas películas incluyen las viejas películas de Indiana Jones. Ellas eran nuevas, habran hecho impresión en las audiencias de esos dias - yo naci en el año de la segunda película asi que no puedo evaluar como las cosas pasaban; en verdad estoy demasiado conectado con esas películas para poder comentarlas, como películas, solo mi memória personal de ellas. Pero mientras eses viejos films tenian nuevas ideas, creadores nuevos que hacian un nuevo modo, nuevo entretenimiento cinematográfico, ahora no tenemos nada de eso, claro. Ahora tenemos el mismo grupo de creadores, pero sin nuevas cosas para darnos. Asi ellos utilizan sus próprias memórias personales de lo que han hecho, y utilizan la conexión entre las audiencias y los films - el público joven de los años 80 aún mira films hoy, más las generaciones nuevas, como la mia.

- asi lo que tenemos aqui es interesante mirar, a pesar de su relativamente poco valor como film o mismo como entretenimiento: el los últimos 20 años pasaron cosas nuevas en cine, nuevos códigos fueran implementados y acceptados por las audiencias regulares. Die Hard, Lethal Weapon, la influencia de las películas de Bruce Lee y su estilo de lucha en las películas de acción occidentales, o más recientemente, las películas Bourne, todas fueron séries que progresivamente cambiaron lo que las audiencias esperan de nuevas películas hechas ahora. Se miras todas las películas Bond, por orden cronológica, encontrarás como esas expectativas cambiaron con el avanze de los años. Esto significa que las películas nuevas de Indiana de los años 80 son clásicos, muy bien hechos, pero nuevas cosas pasaram, y una película ‘nueva’ de indiana jones no podrá nunca ser tan buena para nuevas audiencias como las viejas. Las audiencias cambian.
- las personas que participan aqui también cambiaran. Si, tenemos Spielberg, Lucas y Harrison Ford en la aventura. Tenemos aún Karen Allen, la amante de indy original, que cierra el círculo, y conecta generaciones, y las películas. Pero ellos ya no son jovenes. Por ahora creo que estan sobretodo divertiendose, y dandose la posibilidad para revivir viejos dias, más que intentar hacer la mejor película posible. Por eso tenemos todas las referencias a los viejos films Indy: el almacen inicial, la Arca, Marion Ravenwood, el padre de Indy, Marcus, la escena con la bici en la biblioteca (indy dice exactamente el opuesto de lo que habia dicho en ‘ultima cruzada’ sobre como ser un buen arqueólogo), etc… los fans de Indy podran llenar esta lista con mucho mayor detalle. A parte de estas referencias, tenemos otras, hechas a películas exteriores. Esto es interesante. Spielberg referencia la cabeza de su ET de 82, el cadáver del alien es muy parecido con el otro. Una escena interesante es la conexión con Brando: Mutt Williams es, claro, Brando en ‘wild one’ la primera vez que aparece en la pantalla. Esa película es de 1953, esta se supone que ocurre en 1957. También la escena de lucha en el café trae las facciones que se pelean de ‘the outsiders’ de Coppola, 1984. Asi, al invés de tenermos una pesquisa sobre las ropas de esos dias, etc sacadas de fuentes confiables, tenemos aspectos históricas sacados de otras películas. Se sabe que Indiana Jones siempre se basó en viejas histórias de aventuras, nunca la vida real, sino en fantasia. Me gustó la coerencia.

- por fin, algo más ha cambiado en los últimos 19 años: yo. Yo estaba disponible para No cuestionar determinados aspectos que ahora si cuestiono. Las aventuras de Indiana Jones siempre han sido sobre auto búsqueda, enraizadas en histórias muy irreales, ficcionales, historicamente no suportadas. Eso iba bien. Yo acceptaba eso. Aqui he cuestionado las cosas, creo que he perdido parte de mi inocencia (fé?).

Deberia solo mencionar que una cosa me impresionó muchíssimo: el trabajo de la cámara. Spielber siempre ha sido muy competente en la forma como la mueve y nos hace encontrar/seguir/sentir lo que quiere. Aqui creo que hay momentos brillantes, algunos de ellos aún mejores que las viejas películas. La secuencia de la explosión nuclear fue muy buena, y la secuencia inicial en el almacen también.

Mi opinión: 3/5

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“Mujeres al borde de un ataque de nervios” (1988 )

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Intenciones dubladas

Todos los verdaderos artistas confian, hasta un punto más o menos profundo, en su intuición. Hay aquellos cuya mágica está totalmente sobre las elecciones que hacen basadas en su intuición. Es maravilloso poder confiar en la intuición de alguién (sobretodo cuando nuestra própria intuición también está presente). Despues tenemos aquelles que empiezan sobre una basis racional, y solo despues de crear una rede de seguridad en la que puedan confiar ponen allí algo de sus sentimientos profundos. Creo que este segundo tipo corresponde a la grán mayoria de las mentes creativas. Durante mucho tiempo, pensaba que Almodóvar era parte de el primero tipo de director. despues de mirar esta película, lo pongo definitivamente en el segundo tipo. Para un espectador desinformado, como yo era cuando llegué a el mundo del cine de Almodóvar, el puede suenar como si no hubiera una estructura especialmente reconocible por detrás de lo que miramos. Mis visionamentos recientes de algunos de sus films me convenció del contrário, especialmente este. Esta es una película en que (al contrário de sus otros films) la mecánica de la história tiene que ver con como los factos se desarrollan. Es una comédia, todo bien, y construye un mundo de coincidencias conectadas y factos que siempre quedan importantes, más tarde o más temprano.

Asi tenemos una narrativa de histórias circulares, intersecciones, y coincidencias. Los primeros 5 o 6 minutos de la película (esto incluye los créditos iniciales) son especialmente bien hechos, en la forma como podemos observar esto. Tenemos una montagen pop hecha de pedazos de revistas, pedazos de vidas, caras, pedazos coloridos. Esto nos introduce en el ritmo de la película, que es agitado en el sentido de comédia (esto se nota por el desarrollo de la história, no por la edición). Despues tenemos una introducción a nuestro personaje principal, al redor de quien todo se desarrolla: ella dubla películas, eso significa que empresta su voz a otros cuerpos. Ella fue (conseguimos comprender) la amante de un hombre que hace lo mismo. Y allí tenemos un otro pedazo maravilloso de film, en que seguimos esa voz off dublando, y miramos la película que ella está dublando, ya con la voz traduzida. Ella está sola dublando, la voz masculina está silenciosa. Esto es un trabajo esquisito. Una sequencia fantástica. Entré en el ambiente, pensé. Esto porque esta escena nos engaña. Justo despues de esto, todo queda un ambiente de comédia (que sigue la tradición de las comédias screwball americanas, esto es asumido por Almodóvar).

Las mayores preocupaciones cinematográficas en cada película de Pedro Almodóvar está en trabajar la narrativa de formas que seyan nuevas, seductoras, y visuales. Todas sus películas (especialmente las de los años 80) fuiran experimentos puros, completamente diferentes unos de los otros. Allí, Pedo estaba más conectado con un cierto ambiente, una cierta forma psicadélica de vivir, por cierto relacionada con su experiencia vivindo en la Movida, el underground madrileño de los años 70. A pesar de eso, el estaba ya intentando construir nuevas formas narrativas en cine. Hay algo que ocurre en todas sus películas, a pesar de las diferencias entre ellas: le gusta la idea de tener actores cuyos personajes actuan. Actrices que representan actrices, personajes que pretenden ser algo más. Su modo narrativo tiene mucho que ver con esto. El es muy inteligente aqui en la forma como pone esto. La primera escena de que hablé denuncia todo esto; la madre loca que intenta pasar por sana para cumplir su locura lo hace, y la película tiene el punto máximo en una escena en que todos están “actuando” y mentindo para la policía. Cerca al final, la mujer loca (que piensa vivir 20 años antes de su tiempo) dice a su padre: “Que bien mentes, papa! Por eso me gustas”. Almodóvar escribió el guión…

El fallo aqui tiene que ver con todo ser mecánico. Este desarrollo según coincidencias circulares, y un enredo escondido que se revela y nos dice la verdad no está muy en línea con los mejores esfuerzos visuales de Almodóvar. Creo que el sabe eso, el ha dicho que este guión fue muy más fácil de escribir que el de, por ejemplo, Kika (muy más implícito en su contenido narrativo). Asi, narrativamente hablando, esto ES Almodóvar, pero no su mejor. Pero tiene momentos geniales, intenciones subliminadas, y llevaré aquellos primeros minutos comigo para donde vá.

Mi opinión: 4/5

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“What goes around comes around” (2008 )

Esta no es una entrada normal. No estoy comentando una película que he mirado, estoy mostrando una película que hice, en conjunto con otros. El último més de Abril (de 7 a 18 ) pasó en FAUP (Facultad de Arquitectura de la Universidad de Oporto) un workshop dedicado a explorar las conexiones entre el cine y arquitectura, hacerlo en un contexto internacional, y experimentar con la práctica esas conexiones, es decir, hacer películas.

De las 3 experiencias en que participé, esta fue aquella cuyo resultado final más me agradó, y la única que creo que puede interesar mirar aqui. En la producción de esta película, entraran directamente 6 personas. Los créditos estan incluídos en la película, pero la poca cualidad de esta versión no permite leerlos. Mi participación pasó por la cinematografia (trabajo de cámara, sobretodo) y la creación/ejecución de la banda sonora. Intentaré actualizar este post con el resto de los créditos. Mientras eso, si alguién quiere saber algo más, agradezco que pregunte, por mail seria mejor.

What goes around, comes around:

Vuestra opinión: X

CinemArchitecture

“Yo puta” (2004)

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Yo, nada

Esto fue un completo desperdício de ideas potencialmente interesantes. Me gusta cuando un director intenta quebrar las reglas estereotipadas de narrativa. Hoy en dia, los mejores ensaios cinematográficos que podemos encontrar son sobre la reformulación de dispositivos narrativos y narrativa, y en un segundo plano, renovación de ideas visuales. Si el ojo está de acuerdo con las opciones narrativas, entonces tendremos una gran experiencia.

Aqui tenemos un trabajo de alguién que, con gran probabilidad, concorda con lo que yo he dicho pero, almenos este intento (el segundo, según IMDb) salió completamente inutil, terrible. Esto es un film muy malo, pretendia mucho, intentaba solucionar las cosas de una forma imaginativa, pero el resultado final es un desastre, originado, creo, en la falta de sensibilidad de quien lo hizo.

Asi, tenemos una narrativa ficcional, por camadas. Esto significa que tenemos un gran número de líneas para seguir (aqui asociadas con diferentes prostitutas). El dispositivo utilizado es el falso documental. En el médio de esa falsidad asumida, tenemos una línea de ficción, con Richards, Hannah y Almeida. El problema es la rigidez con que esta construcción está hecha, y la poca imaginatividad en su desarrollo. Lo que quiero decir es, los personajes, prostitutas (creo que todas eran actrizes, solo dudé en una o dos) son un cliché enorme, alguién se sentó y pensó “cuantos tipos de prostitutas, motivaciones para la prostituición, y condiciones sociales para prostitutas diferentes puedo imaginar?”. Y punto. Tenemos la ninfomaníaca negra africana, la brasileña con cara de disponibilidad sexual, la latinoamericana descendente de índios, la acompañante de clase alta (que es francesa!) y el hombre prostituto. Tenemos las que les gusta lo que hacen, las que lo hacen por dinero, y las que no tienen opción. Tan inutil, tan superficial, tan aburrido, una gran pierda de tiempo. Hay tan buenos ejemplos de falsos documentales, sobre realidades medio verdaderas (’F for Fake’ está por encima de esta lista) que es terrible que alguién pudiera hacer algo como lo que tenemos aqui. Cual es el objectivo de representar personas que parecen prostitutas, hablan como los estereótipos de prostitutas hablarian, actuan como prostitutas, viven como prostitutas, pero en verdad son actores? La cuestión es: porque no poner prostitutas reales y hacer un documental real, si no hay cualquier tipo de intención por detrás de la opción de hacer un falso documental?

Despues, para concluir, tenemos una história ficcionada. Una estudiante de antropologia, virgen, que está estudando la prostituición. Su vecina es una prostituta y debido a problemas financeros, ella se queda una también. Cual es el objectivo? Al final, esto se desarrolla como uno de esos documentales vulgares hechos para los canales televisivos, História, Biography, Odisea, etc. Con una diferencia: con esos documentales uno puede almenos sacar factos interesantes, si no los conocemos, y se os gusta la distracción (a mi no) podran siempre confiar en los terribles pedazos ficcionales.

La resolución visual de todo esto está de acuerdo con la inutilidad de las opciones narrativas. La mayor parte del tiempo tenemos mujeres destacadas del ambiente donde estaban hablando, y coladas sobre fotografias de hoteles baratos donde la prostituición ocurre. Otras vezes tenemos trucos visuales inutiles, de imagenes que se deforman, y colores muy saturados.

Mi opinión: 1/5 evita esto.

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“Uncovered” (1994)

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Kate y Barcelona

Esta es una experiencia que compensa, a pesar de los muchos fallos de la película. Es un trabajo débil en casi todas las características que se puedan pensar, relacionados con técnica cinematográfica, y expresión:

Las actuaciones son infantiles, esto aplicase a practicamente todos los participantes, con la excepción de Beckinsale, ella se mueve de una forma ingénua y algo masculina, pero desprende sensualidad, ella concientra atenciones, sin tener excesiva consciencia de eso. Ella lo hace bien. El resto es muy flojo. La edición tampoco ayuda. Lo necesário para la montagen en una película como esta no es muy difícil de conseguir. Solo tienen que contar acciones físicas, lineares y comunes. A pesar de eso hay transiciones, problemas de continuidade básicos que no son bien resueltos, expresiones de cara que cambian, y por allí. La música tampoco está bien colocada, es una mala banda sonora en su próprio valor musical, pero sobretodo en el ambiente que transcurre. Las referencias tribales no eran necesárias, y con este tipo de história, de influencia noir, estaria bien una música que pudiera conectar los escenários y las evoluciones de la história.

Pero hay 3 cosas que hacen merecer la experiencia. Una es la estructura narrativa, como la história se desarrolla. El film está basado en un libro de Pérez-Reverte, el hombre que escribió Ninth Gate. Asi tenemos una fusión de arte y vida, la história delante de nosotros fue “escrita” o determinada muchos años antes, por un artista, aqui un pintor. La primera escena es de maestro en la forma como transmite esto, realmente fue una de las primeras escenas más significantes y económicas que ya he visto. Basicamente empieza con un gran plano de una mano en una pintura (la mano como sinónimo de poder, capacidade para hacer cosas), y allí la cámara recua (se mueve, no es un zoom out) y obtenemos la sensación de la borda de la pintura, mezclada completamente con el ambiente “real” que la rodea. Esta ilusión de mezcla perfecta funciona por algunos momentos, despues de los cuales entramos en el ambiente y olvidamos por momentos la pintura. Esto funciona muy bien.

Otra cosa que va bien es el uso de la casa Batlló, de Gaudi. Es interesante como la cámara (y la edición) menten con relación al edifício, para realzar sus cualidades. No es una utilización especialmente brillante del espacio, pero es muy competente: lo que pasa es, tenemos Beckinsale subindo las escaleras que llevan al primero piso, y se queda delante de esa puerta del primero piso. Estas escaleras son muy bonitas, curvan como la espalda de un animal, tenemos una sensación de elevación, al invés de subir unas escaleras. Despues esto es editado, y el espacio interior que obtenemos es del interior del ático, que está construído con arcos que recuerdan las costillas de un animal. Más adelante en el film, tenemos un plano que denuncia la casa por el exterior, y desde el exterior la cámara nos conduce hasta el ático. Aqui se asume que el personaje vive en el ático, no en el primero piso. Esto fue interesante y demonstró un interese específico en jugar con la casa. Una nota paralela es que la película es una buena oportunidad para mirarmos el piso de entrada de la casa, que hoy está contaminado con los hierros que conduzen los turistas, y con los turistas que también llenan el pasillo al redor. Pena… Tengo la teoria que el turismo excesivo está matando y sugando la vida de nuestros mejores sítios del mundo, pero esto es otra discusión.

De cualquer forma, la mirada turística también puede ser observada en los planos que utilizan la ciudad. Aqui también tenemos mentiras, normalmente relacionadas con la intención de obtener planos que denuncien. Esto está mal hecho, creo. No era necesário mirarmos todos los sítios conocidos todo el tiempo. Hay sítios fantásticos y relativamente escondidos en la ciudad que muestran su modo de vida muy mejor que los monumentos. Uno de eses sítios es en verdad utilizado, el mercado St.Antoni (la protagonista vive delante de el). Ese sítio tiene vida, y es bien utilizado en algunas escenas. Pero despues ellos menten sobre la ciudad, asi que tenemos la protagonista caminando desde Batló, hasta la Rambla, la Sagrada Família, el mercado, como si fueran suficientemente cerca unos de los otros para se ir caminando, por la secuencia que he dicho. Es una mentira, y no tengo nada contra eso, pero si tengo contra hacer un postal turístico de la ciudad sin sacar nada útil de eso. Un bueno uso de arquitectura comun es lo que es hecho con la casa de Beckinsale, sus escaleras centrales, y ascensor. El uso del Parque Guëll no es especialmente interesante, excepto por algunos movimientos entre colunas, pero solo eso. Y en ese movimiento, están algunas parejas enrollados, y que estan actuando. Muy pobre, muy artificial, no era necesário, el parque tiene una vida interesante en si mismo.

Mi opinión: 3/5

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Hace un año, dia 25 de Mayo de 2007, publiqué mi primero texto en ese blogue, una nota introductória y de intenciones. El dia seguinte publiqué mi primero comentário sobre una película. No me imaginaba allí que esta aventura en 3 idiomas pudiera durar tanto, almenos seguindo las direcciones que decidi en el inicio. Pero ha durado, tuve ya muchas alegrias, y bastante trabajo hasta ahora.

Un año despues, he comentado 81 películas, tuve una cuantidad razonable de contestaciones, preguntas, invitaciones, simples comentários para que continue, directamente en el blog pero sobretodo por email. 81 films en un año significa aproximadamente 1,5 por semana. No imaginaba poder escribir tanto. Pero escribi. Espero poder continuar, y invito todos los que por aqui pasan y que leen a escribir con sugestiones o simples comentários siempre que lo deseen. Es una gran alegria para mi leer las opiniones de personas que se interesan por lo que digo.

El WordPress registró estas estatísticas para el último año:

7Olhares: 13 537 visitas

7Ojos: 4 174 visitas

7Eyes: 2 711 visitas

Total: 20 422 visitas (visitas “on site”, excluindo “syndicated views”)

Me quedé satisfecho, no me esperaba tener tantas visitas. Espero que sigan leyendo, comenten aqui, y miren muchas películas.

Rui Resende

ruiresende84@gmail.com

“Angel-A” (2005)

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Besson más tranquilo

El film es dulce, es azúcar. Es emocional, y me ha tocado. Siempre soy movido por lo que Besson hace. El tiene algunas cualidades que no reconozco en ningun otro director francés: el confia en su intuición, y no es pretensioso. Creo que la segunda característica es una consequencia de la primera.

El no desarrolla sus películas al redor de construcciones narrativas o histórias especialmente complejas o inteligentes. Pero el hace todo en el ojo, el es puramente visual en su narrativa y en el ambiente que crea para sus películas, y eso es lo que realmente aprecio en el. El tiene ideas visuales para hacer vivir las histórias inutiles que cuenta. Pero esas histórias, a pesar de superficiales y mundanas casi siempre, lo ayudan a construir su ambiente cinematográfico, en la misma forma que la história ayudaba a Hitchcock. Una buena forma de probar lo que estoy diciendo será mirar las películas que Besson escribió sin dirigirlas. Normalmente tendremos películas de acción, sin inteligencia, inutiles. Lo que el escribe solo tiene sentido cuando el lo dirige. Por eso hay escenas de acción en sus películas (no en esta). El no es exactamente un director de acción, no en mi diccionário. Pero el siempre es mal interpretado y muchas veces desprezado como si fuera un director “de acción”.

Aqui el intenta hacer algo que aún no habia hecho (el siempre intenta cosas nuevas). El no utiliza tanto el trabajo de cámara para construir un ambiente (en algunos momentos llegué a pensar que el no estaba por detrás de la construcción de los planos). Al invés el utiliza la ciudad y la fotografia, para hacer eso.

El primero plano es claro, y dilo todo. Tenemos un personaje que miente sobre si mismo, y imediatamente despues sufre fisicamente con esa mentira. Un hombre que intenta ser el mismo. El tendrá una ayudante feminina para lo acompañar, y tener el envolvimiento romantico que todos esperamos. Es todo. Es superficial, y saqué el interes de la história justo en el início. Tenemos que focarnos en los colores. Esto no es blanco y negro, es un color dessaturado, con una predominancia en el azul. Es sutil, como lo son normalmente los movimientos de cámara con Besson. Pero me hice falta eses movimientos profundos, que exploram espacio como si la ciudad fuera ese mundo submarino tan querido de Besson, que el ha ya filmado. Esta película es dulce, pero no mucho más que eso. Necesitaba más de la relación Reno-Portman en Léon.

Mi opinión: 3/5

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“Novo” (2002)

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lo que miramos es lo que pasa

Creo que esto es una confusión. Intenta ser demasiadas cosas, y no consigue ser ninguna con sucesso.

La película queria ser una história de amor con una perspectiva diferente. Queria jugar con la memória como creadora de realidad, o algo que pueda definir una cierta realidad. Queria establecer la ambiguedad sobre las motivaciones de los personajes y sobre quien controla lo que miramos, quien submete la realidad de lo que miramos a su visión específica. Queria utilizar el sexo, y personajes motivados por el sexo (sobretodo los femininos) como una cola cinematográfica para todo lo que hablé. Puedo pensar en várias películas, para cada cosa que esta queria ser, que resolven mejor las cuestiones específicas que intentan trabajar do que este. No conozco ninguna película que haga todo al mismo tiempo. Y si conocer alguna en el futuro, lo dudo que seya hecha por los autores de esta. Al menos por lo que he mirado aqui.

‘Memento’ jugaba con la idea y los efectos de la memória de corta duración, y la perda de memória con muy más profundidad. Aqui, tenemos las perdas de memória como un dispositivo que permite a nuestro personaje quedarse el muñeco de vários otros, y hacer lo que los otros quieren. Asi aparece instable, y crea algunas dudas sobre quien es el, o lo que quiere. Noriega hacia el personaje similar de ‘Abre los ojos’, que era muy más inteligente. Creo que en sus próprios motivos, ‘Clean Slate’ fue una exploración muy más eficiente de esto!… Aqui tenemos conexiones que nos permiten comprender nuestro amnésico, las artes marciales, las sessiones de fotos, los registros escritos. Pero nada de esto es utilizado. El final surge como una situación romantica comun de encuentro y decisión sobre que mujer el protagonista escoje (algo que adivinamos desde el inizio).

Asi, termina como la história de amor que también queria ser. La parte de la ‘mujer que ama el hombre y que lo acepta por lo que el es’. Es vulgar, pero tiene una nueva ropa, para parecer nuevo. Pero si paramos y pensamos, no hay absolutamente nada en esto que necesite ser hablado. Si quieres una forma nueva y excitante de mezclar un ambiente de amor con la creación de realidades alternativas, intenta Medem. Con ‘Los amantes…’, con ‘Lucia y el sexo’, con ‘Lar ardilla roja’. El puede hacer eso. Por coincidencia (o no), tenemos aqui la Lucia de Medem (Paz Vega) representando la mujer del protagonista enfermo que, en sus momentos de recuperación, empieza hablando castellano…

Despues tenemos las tentativas para jugar con las fuerzas que controlan lo que miramos. Nosotros sabemos casi siempre tanto como el personaje principal. Y practicamente todos los personajes (con la excepción del chico y de la mujer enamorada) tienen intenciones ambíguas (y llevamos nuestro tiempo para comprender donde todo va, eso es bueno). Nos dan una sucesión de factos que no podemos juzgar correctamente. Pero en un cerot punto comprendemos que la película no va para ningun lado, y lo que miramos es lo que pasa. No hay quebras, ni revelaciones, lo que parece que acontece es lo que de verdad está pasando. No es que tuvieramos que ser engañados, pero deberia haber alguna intención para allá de la idea de poner ambiguedad en todos los cantos de la história. Mira ‘Oldboy’, si quieres trabajo de maestro que utiliza estes conceptos.

Mi opinión: 2/5 esto es una confusión, pero hay conceptos interesantes, se empiezas pensando lo que esto podria ser.

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