L’homme qui aimait les femmes (1977)

“L’homme qui aimait les femmes” (1977)

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detalles narrativos

Esta es una de las más interesantes concepciones de un hombre que pasó toda su carrera y vida cuestionando la propria concepción de cine y lo que eso significa en cada momento. Después de la aventura de la nueva vaga francesa de los años 60, Truffaut maturó y, para mi, empiezó haciendo sus trabajos más lúcidos. Basicamente creó films que son ensayos sobre cine, asi como demonstraciones autobiográficas de sus pensamientos.

Asi, tenemos un filme sobre un contador de historias. Un mujeriengo que escribe la historia de su vida. Cada mujer en esa vida es, ella misma, una historia. Asi, el placer de estar envolvido con una mujer refleja la voluntad que Truffaut tiene de contar una historia. El hecho de que Morane escribe todas las historias, y de allí saca una estructura más ancha (un libro) que las contiene a todas subraya esto.

La editora tiene un papel importante. Ella es el personaje llave que Truffaut pone sobre Morane, y ella hace anotaciones y comentários a toda la estructura. Sus observaciones al libro y personalidad de Morane pueden ser encaradas como comentários al proprio filme, y su director. Ella es auto-referencia, ella es Truffaut comentandose a si mismo, y asi adicionando algo a la reflexividad de la película. Por eso ella observa que Morane, el escritor, no rechaza los “detalles” que otros no notarian, y ella dice literalmente que él es, basicamente, un contador de historias. Por otro lado, es ella quien nota el facto que el funeral de Morane es el final perfecto para la historia. Yo he visto todo esto como anotaciones reflexivas a la propria estructura del film y, de forma más general, a la propria naturaleza del cine de Truffaut. Toda su vida, él fue un contador de historias, y sobre todos los placeres que sacaba en hacer una película, estaba el placer de narrar. También tenía un interes especial por filmar los detalles, algo que creo haber sacado de Hitchcock. La mano que marca los números de telefono, o que gira las páginas de la agenda, ese tipo de cosas.

El funeral de Morane, que abre y cierra la película, reune todas las mujeres a su redor. Como la editora (la segunda narradora) nota, es una celebración de la vida de Morane, el reconocimiento de sus cualidades, la celebración de su vida (cine).

Este y “La nuit américaine” so, hasta ahora, los filmes de Truffaut mejor construídos que he visto. Muchas veces, pienso que Truffaut (y Godard!) han pasado demasiado tiempo al redor de cosas que no son asi tan importantes, como adolescentes discutindo equipos de fútbol. Pero, en algunos momentos, él hizo contribuiciones importantes para la evolución de la narrativa cinematográfica. Esta es una de ellas.

Mi opinión: 4/5

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Sleuth (2007)

“Sleuth” (2007)

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reviravueltas

Es redutor pensar en este filme como un remake del original. Al invés, es muy más interesante considerarlo como un filme que se adiciona al original. Realmente deberían mirar el antigo primero, para magnificar la experiencia de este. Piensa en el original, luego consideralo como un punto de partida. Despues, abre tu mente para recibir esto. Si haces eso, tendrás una de las mejores experiencias con filmes que tienen que ver con la creación de historias. Yo tuve.

La versión de Schaffer/Mankiewicz tiene que ver con dos personajes que pelean por el control de la historia. Su juego personal de humiliación y venganza está basado en cada uno de ellos crear una historia y representarla de tal forma que el otro la crea. En esa versión, teníamos juguetes y figuras animadas por todo el escenário para realzar esto. Ese era una obra maestra en la escrita para filmes que funcionaba porque las actuaciones lo suportaban. Laurence Olivier estuvo muy bien allí porque él explicaba constantemente la creación de la historia mientras ella se desarrollaba. Ese filme era uno de machos puros, luchas de gallos. La muje por quien ellos pelean, estaba en una pintura.

En este filme, empiezamos en la peugada del original. Dos terzos de la película dejan poco espacio para reflexionarmos sobre motivaciones. Si conoces el original, sabes lo que puedes esperar. Esto está encenado de forma magnífica. La muher que provoca el juego ES la casa, que ella decoró. Asi, ella juega el juego, mucho más que lo que teníamos en el original. Branagh tiene que ser reconocido por la maestria de todo esto. La forma como él lida con las cámaras de vigilancia inventa un tercero personaje que está en todo lado, pero que nunca vemos. Al mismo tiempo, la casa es ostensivamente un escenario, concebido no para que alguién viva allí, sino para ser explorado por los nuestros personajes. Pero también ES una casa! Voy marcar este como un caso interesante de un filme que relaciona cine y arquitectura, por la forma como la casa/escenario esta concebida.

**spoilers aqui**

El truco narrativo de maestro viene en los últimos 20 minutos. Es algo especial que funcionará mejor porque ya conocemos el filme original. Es una espécie de reviravuelta sobre lo que esperavamos porque hemos visto la otra película. Aqui sentimos la mano de Harold Pinter. En un cierto momento, cuando nuestros personajes empiezan el último “set” de su juego, quedamos indecididamente entre creer en su sinceridad o intentar comprender quien está haciendo la jugada. El tema gay es introduzido, y el juego avanza para un estado de enorme ambiguidad, solo desvelada en los últimos minutos. Otra vez, la casa (el ascensor) danos un último plano muy fuerte, que termina el filme de forma más conclusiva y eficiente que el original. El personaje de Caine es muy más ambíguo, y tenemos que darle crédito por esos longos momentos de puro silencia en la habitación de invitados, cuando él decide si debe o no ceder a las exigencias de Law. Eses momentos fueron fantásticos.

Jude Law es un actor muy interesante. Para allá de sus cualidades óbvias, me parece que él es especialmente inteligente (o bien orientado) en la forma como elige los filmes donde entra. Sus remakes de antigos papeles de Caine son muy buenos ejemplos de eso.

;Mi opinión: 4/5 este filme es várias performances dentre una performances, que se torna un filme, encuadrado por otro filme. Ustedes querrán mirarlo.

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Batman (1989)

“Batman” (1989)

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la oscuridad que yo recuerdo

Yo he visto esta película cuando era muy joven, y ya no la via hace bastante tiempo, asi que tengo una relación personal con ella. Yo evolui, y el filme conmigo, en mi mente.

Realmente pasó algun tiempo. Y la memória que tenía de ella es bastante más oscura de lo que la película es. Porque? Yo cambié; los filmes han cambiado. Es eso. Se suponia que esto tenía un mundo negro, muchos le llaman gótico. En verdad hay un ambiente negro en algunos puntos, Burton es especialista en produzir ciertos ambientes. Pero ya no funciona como un mundo oscuro con mentes negras, si alguna vez lo hizo. Tiene ahora la atracción de las películas adolescentes: sabemos lo que va a pasar, pero queremos verlo, en todo caso. Y este mundo es muy más brillante que tantos otros filmes que no son especialmente recordados por su “oscuridad”, como este lo es. Supongo que probablemente eso tiene que ver con la forma como la narrativa se construye. Este filme confia en su aspecto visual, y eso es, normalmente, una cuestión de moda. Se va, y cuando lo hace, el filme se soportará, o no, por su contenido cinematográfico. Burton cre que enseñar un mundo nos hará entrar en ello. Bueno, yo si entré, hace 15 años, ahora solo me acuerdo que entré, pero ya no se donde está la puerta. Supongo que Nolan, despues de los desastres de Schumacher, realmente sustituyó con solidez a Burton. Él introdución la instabilidad en la narrativa, en “dark knight” él construyó toda la narrativa sobre la idea de instabilidad. Él comprendió como podía suportar todo un mundo visual consistentemente por adición de camadas de surpresas, haciendo asi todo el filme como una grande supresa.

La actuación de Nicholson es tan plástica como su personaje. Está basada en el charme individual, no en una mente perturbada. Su vilán es un joker, pero sin ironia. Ledger realmente empujó el personaje para otros campos, esos donde Brando o Depp actuan.

Este filme es interesante, ya que revela la conexión entre cine, memórias cinematográficas, y nuestras proprias vidas.

Mi opinión: 2/5

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Je vous salue, Sarajevo (1993)

“Je vous salue, Sarajevo” (1993)

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el encuadramiento correcto

Godard es un director curioso y altamente talentoso, pero difícil de comprender, arrogante y autista tantas veces. Esto arruina mucho de lo que él hace, pero aún asi nos deja algunas perlas.

Esta es una de ellas. Un ejercício simples de manipulación visual, minimal en sus recursos y extensión temporal, pero que es magnificado por su poder visual. Este corto son 2 minutos de encuadramientos múltiplos de una única fotografia. Cada encuadramiento nos dará una realidad particular en si, y nos hará comprender mundos diferentes en el mundo que, con el desarollar del corto, comprendemos que es apenas una imagen. Estes 2 minutos en Godard son más analíticos y significativos que muchos de los films de Wenders que intentan directamente comprender lo que significa buscar significados escondidos en las imagenes. Porque no pudo él tenter la cabeza clarificada en los 20 años antes de este filme?

Aqui, como en otros filmes de Godard, quedé tan impresionado en como él me manipuló que olvidé su discurso habitual, politicamente pesado y egotista, disfrazado de puro humanitário. No rechazo sus intenciones, solo su actitud.

Una otra cuestión se levanta, aqui y en el trabajo de Godard en los años 90. Más que testar los limites de cine, aqui él cuestiona sus próprias definiciones. Basado en sus “historias de cine”, creo que aqui él empujó sus próprias definiciones para el campo de la pintura. Aún asi, creo que él es más un manipulador/creador visual. La pintura, en su sentido cinematográfico, tiene dos formas de ser comrpendida: una es por la luz/color/composición, la otra es por la comunicación/manipulación visual. Welles/Toland, Conrad Hall, Gordon Willis. Ellos eran pintores. Aqui Godard intenta ser manipulador y camina por campos no tan explorados en la narrativa cinematográfica.

Mi opinión: 4/5 mira este.

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Mankind Is No Island. (2008)

“Mankind Is No Island” (2008)

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engañador

Esto es material dañado. Todo aqui parece confiable y poderoso, pero un revisionamento cuidado va a revelar el falso que es.

El filme nasce, aparentemente, de una idea visual inteligente, soportada por la edición. Imagenes capturadas en dos ciudades, que se mezclan para darnos un mensaje. Y la edición es la herramienta cinematográfica llave de ese mensaje. Pero el engaño es que para allá de unas pocas imagenes de personas sin casa y de verdadera vida diária urbana, todo el material son en verdad palabras filmadas, editadas para podermos leer frases. Y todo el ritmo está No en las palabras filmadas, sino en la música que las soporta. Asi, aunque uno pueda ser llevado a pensar que esto tiene alguno valor cinematográfico, es en verdad un intento vago, disfrazado de trabajo amador honesto. Me ha llevado vários visionamentos para comprender lo que estaba mal.

Una queja menor es que el mensaje es paternalista, catatónico, aburrido. Te dice lo que ya sabes, y no lo hace con una perspectiva interesante. Está envuelto en una noción estúpida de tratar los espectadores como niños, de una forma que ni los niños (o especialmente los niños) deberian ser tratados. A muchos espectadores les gusta ser tratados asi, y probablemente eso justifica el sucesso de esta película. Bueno, a mi no me gusta.

Si quieres un pedazo de edición donde las imagenes son la llave de la emoción y la música es solo un suporte adicional, mira este anúncio:

Quitale el sonido y miralo una segunda vez para comprender como la edición aguanta sola. Ahora hazlo con este “mankind…” y mira como el filme muere. El IMDb no hace listas de anúncios comerciales, pero comparando la película que estoy comentando con el ejemplo que estoy dando, quizás deberían.

My opinion: 1/5

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Great Expectations (1998)

“Great Expectations” (1998)

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narrativa espacial

Este film fue dirigido por una de las mentes visuales más interesantes que tenemos hoy. Cuarón sabe como trabajar el espacio, sabe moverse en ello, sabe como encontrar y/o crear espacios que pueda explorar, por el movimiento y por los puntos de vista. En este tema, él probablemente hereda las investigaciones de Orson Welles de los días en que él dominó la exploración espacial y el encuadramiento de la arquitectura. Es allí que la mente de Cuarón está centrada, creo. Mientras Wenders explora las imagenes bidimensionales de una forma pura y Kubrick molda sus películas al redor de la construcción narrativa, Cuarón lo hace con espacio.

Dicho esto, esta película específica no es donde esa exploración es más visible. No he mirado esta película cuando salió, y ahora que la veo, ya he mirado a Children of Men y el tercero Harry Potter. Aqui probablemente él estaba más limitado y tenía menos libertad para trabajar sus características. Pero hay momentos, conectados a espacios, que so puras perlas visuales. Asi, piensa en las escenas en la casa del Paraíso Perdido. Mira como el espacio existe para ser explorado, como los grandes salones estan allí para que la cámara baile con los personajes. Mira como las escaleras que bajan hasta el fuente del primero beso está allí para permitir a la cámara seguir los personajes para explorar el espacio. Estes momentos son especialmente wellesianos. El otro espacio explorado con interés es el estúdio de Hawke en Nueva Iorque. El espacio es claro en la forma como lo comprendemos. Por otras palabras, lo captamos en una única imagen, es abierto, y su composición perfectamente legible. Pero es interesante por la luz y la escala, y Cuarón lo utiliza perfectamente bien. Supongo que este espacio es real, mientras el Paraíso Perdido es un escenário.

Estes momentos, que claramente fueron los más impresionantes en el film, para mi, se suportan en una historia. Basada en Dickens, la historia tiene que ver con la historia en si misma. Los personajes existen como manipuladores o manipulados (o ambos, en el caso de Paltrow). Es una historia sobre quien está contando la historia. En la construcción cinematográfica (no la del libro) los personajes existen para servir la construcción narrativa, y personalmente creo que es más eficiente en cine que eso sea asi. Por eso tenemos dos narradores principales, aunque solo sepamos de uno, asi como Hawke solo sabe de uno. Ese es el truco, es inteligente y seguramente eficiente.

No me gusta Ethan Hawke, lo admito. Creo que él no tiene talento y, pero, es arrogante en sus actuaciones. Esto significa que él hace nada, pero realmente cre que nos está dando algo eterno. Bueno, normalmente ese tipo de actuaciones no me van (en la línea de Freeman, Redford, el Cruise más reciente…) pero aqui, considerando la situación de su personaje, como uno duplamente manipulado, tengo que admitir que fue una elección perfecta. Tal como el actor, el personaje cree que controla la acción, pero es utilizado. Gwynet Paltrow es concentrada, inteligente, y me parece que trabaja mucho para integrar sus personajes, pero que ese trabajo es invisible en el producto final. Y eso es muy bueno…

Mi opinión: 4/5

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2 años

Hace ahora 2 años que empiezé la idea de este blog. Hace un año, remarqué el hecho de que no pensaba que podría llevar esta experiencia por tanto tiempo, sobretodo con la propuesta de 3 idiomas. He conseguido hacerlo por ahora, y eso me hace feliz.

Tengo en este momento 180 filmes comentados (99 en el último año). No es el número de filmes que establece la eventual cualidade que esto tenga, pero me deja también feliz que haya podido aumentar el número de comentários en este segundo año.

Sobretodo he utilizado, como siempre he dicho, el pretexto de comentar películas para aprender con ellas, para aprender sobre cine y, consequentemente, aprender algo sobre mi. Es una aventura poder explorar realmente, sin miedos, los filmes, sin el miedo que la mayoria de los espectadores tienen. Es una aventura porque entrar en un filme, bueno o malo, es siempre una experiencia donde encontramos lo que llevamos con nosotros, lo que somos. Hay filmes que cambian mi vida cuando los miro, y son esos que busco siempre, incluso cuando no los encuentro.

Las estatísticas del wordpress (que cuenta infelizmente solo las visitas “on site”) registran en este momento:

7Olhares:___ 27 827 visitas (14 290 este último año)

7Eyes: ________6 700 visitas ( 3 989 este último año)

7Ojos: _________8 596 visitas ( 4 422 este último año)

________43 123 visitas (22 701 este último año)
Ser visitado dame fuerzas para seguir, en 3 idiomas. Agradezco siempre las sugerencias, en el sítio, o por email, como recibo de cuando en vez. Sobretodo creo en la posibilidad que la internet da de aproximar opiniones, conocimientos, personas.

Lisboa de Hoje e de Amanhã (1948)

“Lisboa de Hoje e de Amanhã” (1948)

y ahora?

Este es un documental terriblemente significativo para todos los portugueses, seguramente más ahora que cuando se hizo. Puesto en el contexto correcto, y con la información cierta para lo soportar, podrá hacernos sacar conclusiones asustadoras y terribles. Creo que mirarlo ahora y reflexionar al mismo tiempo sobre los últimos 35 años en Portugal podrá clarificar mucho más que cualquier filme, documental, libro, o algo hecho después del 25 Abril que trate el tema.

Aqui tenemos un ejemplo de propaganda. Esto significa que vamos a mirar puntos de vista totalmente parciales, y todo el tiempo favorables al regimen de esos días. En este caso, asistimos a todo el tipo de elogios a las políticas urbanas de Lisboa, hace 60 años. Basicamente este plan es el trabajo de un hombre notable, Duarte Pacheco, que no era un visionário, porque no hizo nada que no hubiera ya sido hecho en otros lugares, pero que tuvo el mérito de actualizar las políticas urbanas de Lisboa – que este caso significa basicamente que creó una política urbana. Este plan es notable, a pesar de desactualizado hoy, especialmente en lo que toca a las ideas de habitación en contextos urbanos, hablando de tipologia (habitaciones geminadas o singulares en contextos muy urbanos no es una buena idea hoy) y agrupamiento social (habitación de bajo coste, que agrupa todos los desfavorecidos, también políticas ultrapasadas hoy). Claro que el sucesso y eficiencia del plano dependia de Pachecho (que morió 5 años antes de que se hiciera este documental) tener poder absoluto para construir y destruir, sin negociar con las poblaciones envolvidas. Más interesante que todo es la idea de un “pulmón urbano”, materializado en el enorme Monsanto. Algunos proyectos de barrios son muy interesantes, como el de Alvalade. Y, claro, los anillos que circundan la ciudad, eso es algo contemporáneo y planeado en una escala visionária (si, aqui fue un visionário), a pesar de que (creo) no se haya cumplido todo el plano.

El documental tiene una grande cualidad. Realmente explica el plano, la idea, en el local, con plantas, con modelos. No depiende de demonstraciones conceptuales totalmente inutiles, porque las personas en esos días no dependian tanto de las imagenes icónicas como nosotros hoy. Pero mucho de lo que vemos y, especialmente, mucho de lo que escuchamos, es perfectamente ridículo, y ya lo era en esos días para quien pensara. La idea de hacer “monumental” para que nadia tuviera “verguenza” de la capital es ridícula, asi como lo es el orgullo en agrupar personas pobres como gado en las partes más desinteresantes de la ciudad, mientras “bellas viviendas” se hacen delante del água. Bueno, quizás deberíamos apreciar estes comentários, son ingénuos y por eso menos hipócritas que los que escuchamos hoy.

Una cosa muy más triste es pensar que el documental está totalmente centrado en una ciudad sub desarrollada de un país en esos días terriblemente subdesarrollado, y que los trabajos a que asistimos para modernizar el local fueron insuficientes para hacer la ciudad tener las condiciones de otras ciudades europeas y, pero que eso, fueron los únicos hechos con esta escala en todo el país. Asi, tenemos ese princípio fascista terrible que consiste en hacer una única iniciativa representar todo un país, que moría lentamente mientras tanto.

Pero la cosa verdaderamente triste es esta: estes tipos, hace 60 años, tenían el mismo discurso que los inutiles que hoy van governando el país. Ellos tenían el discurso de “todo esto estaba mal, y ahora estamos limpiando el país”. Basicamente, desviavan la responsabilidad por su incapacidad y falta de ambición para los errores que “alguién” había hecho en el pasado. Asim, si ellos actualizaron lo que venía detrás de ellos, y en los últimos 35 años hemos solamente actualizado lo que esos tipos nos dejaron, quien va actualizar lo que nosotros No estamos haciendo ahora? Comprendes lo triste de todo esto? Cuando empiezaremos a hacer algo bueno, al invés de simplesmente “compensar” lo que otros han hecho? Que ciclo vicioso.

Mi opinión: 4/5

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Die Gebrüder Skladanowsky (1995)

“Die Gebrüder Skladanowsky” (1995)

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movimiento abstracto

Wenders juega, y en el proceso reflexiona sobre algunos principios generales del cine como arte. Por varias veces él ha hecho filmes interesantes que son, ellos mismos, objectos cinematográficos y reflexiones sobre la naturaleza del objecto cinematográfico. Su preocupación primária son las imagenes. Siempre que él aprofundiza la complexidad de sus narrativas, lo que intenta es realzar las imagenes. Ese es el caso del muy reciente Palermo Shooting y de lo notable Amigo Americano: imagenes que ilustran una historia sobre imagenes. Cuando él saca esa narrativa, directamente sensible al médio, nos deja meditaciones puramente basadas en imagenes. Por veces funcionan, otras se arrastran.

Aqui médio funciona porque el proyecto, intencionalmente, no tiene una forma más grande para allá de la entrevista que la vieja Skladanowsky nos da. Todos los trozos negro y blanco estan hechos como episódios y dentro de esos episódios encontramos otros episódios (las películas originales Skladanowsky). Por lo que parece, esto comienzó como un proyecto académico, y eso explicaria la falta de una forma más grande, asi como el fallo de algunos trozos cortos. Eso no explica el final casi insuportable.

Pero algo me interesó aqui. Wenders recupera algo abandonado casi al inizio del cine. Imagenes como movimiento abstracto, sin narrativa. Eso es algo que vale la pena explorar algun tiempo, y obviamente también Wenders lo pensó. Asi, entre los viejos remakes de las viejas películas pioneras, me interesó el trozo de la danza. Curiosamente, es el pedazo que recibe más atención incluso en la historia infantil de los flashbacks negro y blanco. Es la películo que tuvo que ser rehecha. La ropa de la bailarina ayuda al efecto. Es notable como funciona en el ojo. He pasado tiempo mirando experiencias asi. Para allá de ello, hay poco más que ver aqui. Y para mi fue totalmente mal utilizado el contraste entre el negro y blanco y el color de la entrevista, que tiene un aspecto desconfortable de vídeo que me afastó. El negro y blanco ya tenia un aspecto granulado y viejo, no era necesario ese contraste para comprender la idea.

Mi opinión: 3/5

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Contrato (2009)

“Contrato” (2009)

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la Ética y la Estética

Es difícil uno sentirse más triste con un filme de lo que yo me sinto con este. Queria tanto que esto fuera al menos tolerable, pero realmente deseaba que pudiera llegar a la dimensión de la literatura que lo soporta. Este filme es terriblemente ciego y no lo olvidaré por los peores motivos.

Dinis Machado era un hombre notable. Un hombre que vivió y, incidentalmente, escribió. Él era inteligente y sus escritos, para allá de Molero, siempre llenaron el agujero que tenían que llenar. Él sabía que las historias de detectives, y los filmes noir, tienen que ver con el Como se construye una historia, no con la historia en si. No deberíamos preocuparnos (y no lo hacemos) con los personajes de un filme noir para allá de su papel en la narrativa. Ellos son seres abstractos, están allí por un motivo, que ultrapasa su existencia como personajes. Que feliz me quedo cuando leo Machado, que bien y irónico era él en la forma como comprendia que era indiferente escribir McShade o el Pato Donald. Que bien él distinguia los huesos de la carne.

Ahora, si cualquier otra persona estuviera envolvida en este proyecto terrible, no me importaría mucho. Estoy acostumbrado a la inabilidad para transportar la profundidad de ciertos escritores para el médio del cine, en verdad es un hecho notable cuando eso está bien hecho. Pero me da verguenza ver el notable Nicolau Breyner fallar totalmente en esta tarefa. Él es un hombre que comprende la actuación en cine como solo un pequeño grupo de personas lo hacen. Obviamente, él no comprende la dirección, claramente no controla el grande arco de la narrativa, y la prueba de eso es que los muy pocos momentos tolerables estan centrados en pequeños pedazos de buenas actuaciones (lideradas por su propria). Él construye un lugar para su personaje aparecer como la mente rechazada, un hombre que tuvo que vivir de la estética para secretamente apreciar su propria ética. Que parecido eso es a la vida de algunos buenos actores portugueses. A pesar de esto, ni todo es un desperdício, y me gustó que Cláudia Vieira hubiera quedado simpática aqui, sin que sea una actriz. Ella podría quedar bien en un bueno proyecto.

El film está basado en una historia basada en Don Quijote. Este libro es un monumento, Dinis Machado lo sabía, asi como muchas generaciones de escritores que basaron su escrita en lo que Cervantes materializó. Borges seguramente lo hizo, asi como Cortázar – a pesar de Machado ser con frecuencia más conectado al primero, creo que él es bien más parecido con el segundo. De todas formas, las ideas de Borges sobre escribir sobre la escrita (llevado a proporciones infinitas), historias sobre contar historias son las águas donde Machado se movió, con sucesso. Es allí que las memorias de este hitman deberían entrar, esa es la importancia simbólica de la antiguidad en este filme. No es solo sobre una historia, es sobre las historias sobre las cuales esto tiene que ver. Piensa en eso. No es solo una cuestion de la estética de la historia. Fundamentalmente, esto tiene que ver con la ética y los significados de contar historias. Georgios Thanatos habla de eso, es uno de los pocos pedazos de diálogo que realmente tiene algo que ver con lo que interesa, en esta confusión de memorias enfermas de guerra, desperdizio de piel, y muertes inutiles. Como pudo Nicolau Breyner no lo ver?

Cualquier espectador portugués medio va rechazar este comentário como inutil, pseudo intelectual, y soportará su posición basado en el facto de que estoy avaliando un pedazo de entretenimiento como si fuera cine “sério”. Bueno, antes que voten “no” en IMDb, tengo a decir que para mi no hay buen entretenimiento sin pensamiento sério por detrás. Ahora vota no.

Por casualidad, el último Octobre estaba fuera del país asi que no supe que Dinis Machado morió en ese més. Solo lo descubri al leer sobre esta película, Dupla tristeza. Él estaba entre nosotros, ahora no está. Este es un día triste en mi vida de filmes.

Mi opinión: 1/5

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