“X” (1963)

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caleidoscopio

Me parece que hubo un intento honesto y valorable en este filme, de hacer algo totalmente visual. La historia tiene literalmente y solamente que ver con visión, lo que las personas veen, lo que podrían ver, y como eso afecta su mundo. Asi tenemos el Frankenstein y el monstro en el mismo cuerpo, un medico obsessionado con ver bajo la superficio. La metáfora es bastante clara y basica, todavia es tolerable: él que quiere ver todo al final no consigue ver nada. Toda la luz es equivalente a ninguna.

El problema, todavia, es la distancia enorme entre las ideas de los escritores y la solución visual encontrada por los directores. Se que este es un filme de bajo presupuesto, hecho por el maestro de ello, pero también me parece que el dinero, o la falta de él, no puede ser la excusa para intentos desinteresantes de hacer un filme visual. No es la pobreza de un escenario o la pobre fotografia que desvia los buenos directores de intentar cosas interesantes. Para allá de eso, este filme no es tan barato. Pero lo que pasa es que los planos son concebidos de forma banal, mucho ortodoxos, hechos para cumplir trabajo al invés de intentar ser un poco imaginativos que sea.

Todavia, hay aqui un intento interesante, aunque imperfecto. Supongo que porque esto fue hecho en los años 60, él rock psicadelico era apelativo a la juventud, el alvo más interesante para estos filmes, y por eso hay un intento de poner la visión rayo x de Milland como una ilusión psicadelica. Asi, todos los planos “punto de vista” estan concebidos como una decomposición abstracta de la realidad en colores basicos, que se soman a un effecto caleidoscopio. Los momentos en que estos pedazos estan inseridos estan hechos como pedazos delirantes de Xavier. No me parece que esto sea suficientemente interesante para dar demasiada atención a este filme, pero me gustó el esfuerzo, es lo mejor que tenemos aqui.

Visión y transcendencia. Ciencia y religión. En este caso, no me interesa la conexión, es inutil aqui.

He apreciado nos trozos cómicos aqui, cuando Xavier mira las personas desnudas aqui. Funcionaria de forma eficientemente si pudieran enseñar todo aqui, no simplesmente los trozos inofensivos, pero todo bien.

Mi opinión: 2/5

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“Alfred Hitchcock Presents: Triggers in Leash (#1.3)” (1955)

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tu sacas y yo disparo

Aqui tenemos una versión interesante de la formula de 30 minutos que la serie propone. Creo que las personas envolvidas podían hacer lo que quisieran com el episodio especifico que les era atribuido. Estos eran exercícios que consistian en trabajar una corta medida de tiempo para desarrollar una idea que, para funcionar, tendría que ser clara, limpia, atractiva y eficiente. O no ser ninguno de ellos pero estar hecho de tal forma que ponga la audiencia cuestionarse. Tenía, eso si, que funcionar, En verdad, cuando empiezo a investigar esto, creo que podemos mirar todos los episodios de las series y obtener, al final, un glosario interesante de manipulación narrativa cinematografica. Probablemente no tanto en termos visuales, y eso es comprensible porque: -de los directores que han trabajado en la serie, no muchos tuvieron carreras interesantes; -esto ES televisión, las cosas se filman y se montán con velocidades muy superiores a la de los filmes.

Aqui tenemos una idea interesante. Construir (y mantener!) una tensión basada en nada. Un unico cenario, para prevenir distracciones, y una disputa que nos hará seguir los dos cowboys, y querer saber quien de ellos (o ninguno) va a quebrar y sacar primero. El hecho de que utilizan un único espacio es ya importante, porque denota la intención de ser tenso (y intenso). Y porque esto es un episodio de 25 minutos (más las intervenciones de Hitch) ellos no tienen de establecer ningun plano contextualizador fuera del espacio unico que permita a los espectadores respirar. Nosotros aguantamos 25 minutos en el mismo espacio.

El interesante aqui es seguir los trucos narrativos y modos que ellos han elegido para construir la tensión, o aliviarla cuando necesario, y la inteligencia de la conclusión. Asi, la tensión aumenta dependendo de la posición de los cowboys en el espacio y, más importante, de la posición de Maggie en relación a ellos. Asi, hay un posicionamiento muy espacial de los personajes que a mi me gusta, y que la cámara ayuda. Tememos por Maggie cuando ella esta justo detrás Del, y tememos por ella cuando está en medio de los dos. Comedia; esto es comedia al final, y hay un equilibrio muy curioso entre el tiroteo iminente y el raro que es tener, por ejemplo, dos tíos que no pueden comer bien porque no van a parar de mirarse en los ojos. La comedia existe no porque ellos actuan graciosamente, sino porque la situación lo implica. Es un muy bueno tipo de comedia. Y claro, tenemos el twist final, cuando pensamos que hemos visto algo, nos he dicho que estamos tan equivocados como los dos cowboys.

Las intervenciones de Hitch, especialmente al final, es impagable una vez más, aqui realzada por la reviravuelta nonsense final. El valor de los comentarios es que no son simples anotaciones de lo que hemos visto, sino una continuación de la narrativa, para allá del final del episodio.

Mi opinión: 4/5

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“Alfred Hitchcock Presents: The Gentleman from America (#1.31)” (1956)

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mala opción

Este no es uno de los mejores ejemplos de la serie. En verdad, el fallo de este episódio realza la poca distancia que hay, en este tipo de historia, entre un episodio extraño y curioso, y simplesmente un nonsense inconsequente y caricato.

Lo que noto como aspecto dominante en muchos de estos episodios es que siempre podemos definir el grado de manipulación humana o factos naturales inexplicados que ocurren (o que son explicados). Asi, en este caso, sospechamos que el americano esta siendo manipulado, pero también nos preguntamos si no estaremos nosotros siendo manipulados. El enredo es predizible, pero deja algunos puntos oscuros, que podrían ser suficientes para hacernos dudar. Hay realmente un fantasma? Será que los manipuladores podrian caer en su propria trampa y en el medio de algo que no comprenden? Será que el americano podría ultrapassar sus manipuladores y hacer algo más inteligente que ellos? Aparentemente ellos han elegido la solución más aburrida. El americano hace exactamente lo que los cazadores de dinero quieren, todo va de acuerdo con el libro (no el que él está leyendo, sería bueno que fuera asi). Tenemos una reviravuelta mínima, la de descubrir lo que acontece al americano despues de la noche en la mansión, pero al invés de ironia graciosa, ellos moralizan. Mala opción, para mi.

Asi, este falla en el enredo, y para mi falla en la construcción de la tensión en la casa asombrada. Eso tiene que ver con la dirección, pero también probablemente con el fantasma en si mismo, que es absurdo según los valores de producción actuales, y por eso envejeció mal.

Mi opinión: 1/5

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“Alfred Hitchcock Presents: The Case of Mr. Pelham (#1.10)” (1955)

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género: desconfortable

He vivido de estas pequeñas aventuras. Aunque obviamente ya conocera esta serie, nunca la habia intentado. Hasta ahora he visto una media dozena de episodios, y por casualidad he visto varios dirigidos por Hitchcock. Este es uno de esos. Despues de ver estos episodios, creo que ellos merecen comentarios individuales, aunque me parezca razonable considerarlos parte de una “serie”. A ver, para allá del generico imortal, el dibujo de Hitchcock por Alfred, ello mismo, y la inseparable banda sonora, tenemos un ambiente que cruza cada episodio (al menos los que he visto yo) y que los une. Aún no soy capaz de definir exactamente lo que es, pero aparentemente, en general, cada episodio intenta jugar con las nociones basicas de mistério (la casa cinematográfica de Hitch), mezcladas con el nonsense y el bizarro. No va tan lejos en estos dos últimos puntos como Twilight Zone, pero para mi tienen más interes visual, o no fuera el patrono de esta série AH. En todo caso, los episodios son desiguales, y bastante diferentes en su concepción, diferentes escritories, diferentes directores, diferentes actores. Asi, los miro como cortos, parte de un universo más ancho donde existen juntos.

Este Mr Pelham es un ejemplo muy bueno y equilibrado de los diferentes géneros que utilizan. Quizás por eso empiezo aqui. La dirección de Hitch es discreta. Es competente, claro, totalmente afastada de cualquier valor televisivo banal – que hace 50 años quizás aún no estuvieron tan enraizados en las personas como hoy – pero para allá de alguns planos movimiento, perfectamente executados, el trabajo de cámara es normal. Esos planos son, la verdad, notables, asi que miralos, normalmente ellos empiezan una escena, con un cierto encuadramiento, que indica un cierto ambiente, y ese encuadramiento es corregido con el movimiento de la cámara para hacernos encontrar algo que interesa, como cuando Ewell entra por primera vez en el club, y la cámara se cambia para concentrarnos en Ewell, y ponernos en la acción. La sutileza es notable.

Pero el interes esta en la narrativa, la propria historia. Tengo la sensación que la idea era equivocarnos y hacernos creer que estabamos mirando un crímen de usurpación de identidad, solo para luego hacernos caer en la extrañeza del inexplicable. Al final, no sabemos realmente lo que hemos visto, y podemos ser llevados a no confiar en lo que vemos. Quien era el Pelham real? Al final, quien era el Hitch real? Esc omo una especie de “being malkovich” corto.

Funciona, no es fascinante para allá del ambiente que pasa, pero es bueno. Ewell… no se como ha podido él ser el hombre mirando bajo la falda de Monroe. Su estilo de actuar es tan ruidoso y denunciado que duele. Las intervenciones de Hitch son impagables.

Mi opinión: 3/5

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“House M.D.: Broken (#6.1)” (2009)

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sobre el nido de la TV

Este es un desvio curioso del camino linear, bien conocido, y incambiable de las series de tv y su personaje principal. Este es el problema con las series que desarollan los mismos personajes durante un gran numero de episódios: ellos no pueden realmente “desarollar” personajes, tienen que dar la sensación de que los personajes están cambiando, que ellos tienen un arco de evolución, pero no pueden sacarles determinadas características, que en primero lugar hacian las audiencias mirar la serie. Asi este tipo, House, siempre tendrá que ser brillante, amargo, antipático, pero atractivo y con “buen corazón”. A ver, cuantas posibilidades hay con esto? Ellos tienen una fórmula, como la mayoria de las series, algo en plan: en cada episódio sale un caso medico raro, House y su equipo tienen que encontrar la solución, mientras solucionan sus vidas personales y colectivas. Despues de 4 épocas y media, les pareció que seria ya demasiado, asi que empezaron a poner los misterios médicos en el proprio House, eventualmente llevando al colapso donde lo encontramos en el inizio de esta época 6. Asi, este (duplo) episodio es como abrir una ventana y dejar el aire fresco entrar. Tenemos House, y la verdad es que tenemos algun desarollo de personajes (muy) basico. Para hacerlo, nos sacan del contexto habitual de las épocas anteriores. Asi, esto funciona como un telefilme centrado en un personaje que ya conocemos. podemos mirarlo con un grado de autonomia que ningun episodio más tiene. Este episodio (casi) se segura solo. Supongo que se supone eso, y por eso ellos han elegido poner aqui Franka Potente, una actriz de cine real, en un papel principal, para hacer esto creíble como una pieza autónoma. Ellos conceben también unos tantos casos de locos, banales pero creíbles, y asi tienen la formula “volando sobre un nido de cucos”.

Para este episodio duplo, ellos han elevado los valores de producción, y han dado cuidado especial a la fotografia y iluminación, y en algunos momentos, el encuadramiento. Esto confirma mi idea. Pero el problema es que Katie Jacobs no es una directora real, ella encuadra y edita todo con la banalidad de las series de TV, que funcionan como líneas de producción, no como arte real. Este “filme” es inútil como filme, a pesar del esfuerzo. Y aunque Hugh Laurie sea credible y tenga ya la simpatia del público, su personaje es un personaje de TV, nacido para la TV. Transpor House para cine es tan curiosamente raro como tener un médico viciado en vicodin y genial en el medio de una institución mental.

Mi opinión: 3/5

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“Frenzy” (1972)

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el ojo de Londres

Hitchcock es uno de los directores más visuales de siempre. Su imaginación estaba totalmente enraizada en el desarollo visual. Como él, asi en conexión con la comprensión visual y interpretación del mundo, solo tenemos unos pocos otros directores. Por visual, quiero decir que él imagina un mundo en que el encuadramiento, el ambiente, todo depende de lo que vemos, y como vemos. Eso es la basis. La historia, enredo, etc, solo surgen más tarde, en exactamente la misma medida necesaria para que el concepto visual pueda vivir.

Asi, cuando miramos cualquier filme de Hitchcock, es importante y verdaderamente fascinante reflexionar y adivinar lo que él estaria pensando exactamente. Mejor aún, Porque ha hecho él cada uno de sus filmes? Aqui en Frenzy, puedo pensar en unos pocos motivos:

-quizás el más importante para Hitch: el sentido (real) de local. Este es su primero filme en que la mayoria de las escenas fueron filmadas en locales reales, todas en Londres, sobretodo al redor del Convent Garden. Este es el filme en que él volvió a Londres. Él queria embeber el filme con Londres, asi que hay relativamente pocos puntos en el enredo que ocurran en escenarios interiores, bastante al contrario del normal en Hitchcock, para quién exteriores eran papeles falsos que servian simplesmente para contextualizar. Aqui tenemos por la primera vez (y única?) en la carrera de Hitch una ciudad pulsando. En verdad era un concepto relativamente nuevo, él de capturar ciudades reales, personas reales, y ponerlas en contexto de ficción. Creo que Hitch hizo un trabajo competente y sobretodo honesto. Él ha elegido el Garden, relacionado con su infancia, antes que se quedara lo que es hoy. Tenemos un sentido genuíno allí. Para allá de los planos múltiplos en el mercado, me gustó la escena inicial, suena como un regreso a casa. El plano aéreo de helicóptero, totalmente contextualizador, donde empezamos a la distancia y bajamos hasta la ciudad, hasta un plano aproximado de un conjunto de personas, donde Hitch hace su aparición habitual. Esta suena cariñosa, es un homenaje a Londres, seguro que Hitch pensó en eso. La música ayuda aqui. En general es competente, pero senti la falta de Herrmann;

-las dos secuencias más celebradas del film son igualmente las más puramente visuales que Hitchcock pensó para este filme. El plano “goodbye Babs” es brillante, un pedazo puro del cine visual que Hitch siempre hizo. Él sabia que queria que la cámara bajara las escaleras, y de espaldas, despues de haberlas subido. Él sabia que eso nos diria mucho más que cualquier escena explícita que él pudiera hacer. Por eso, es brillante, la forma como la secuencia empieza con un plano aproximado de los ojos de Babs, en la puerta de la casa del asesino, sabemos que vemos Babs viva por la ultima vez, bajamos, llegamos a la calle (con un “truco de edición rope”), y eso nos arrasa. Y todo es visual. Lo ves? la secuencia del camión de patatas es menos eficiente y pura para mi, pero aún asi es un ejercício de humor y de McGuffin, humor negro, y ese bello suspense, que no te deja pensar para allá de la visión.

Este filme es, contodo, menos limpio que otros. La imaginación ya no caye sobre todo el filme, solo pequeños pedazos. Es bueno que Hitch haya abierto las posibilidades de exploración de una ciudad, de un ambiente con locales reales, estes ultimos filmes son dulces, pero ya no son perfectamente concebidos como sus experiencias más profundas.
This film is, however, less focused than others. The visual imagination no longer falls upon the whole film, only

Mi opinión: 4/5

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“Driven” (2001)

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no es f1 sino nascar

Corridas de coches y filmes. Deporte y filmes. Si lo piensas un poco, estas son mezclas poderosas. Deporte tiene que ver con movimiento, es como una danza, y eso es cinematográfico, en verdad es una de las posibilidades cinematográficas más ricas. Tiene emoción viva, y eso signfica que no sabemos lo que esperar, aunque tengamos un equipo. Hay un fuerte sentido de suspense que rodea todos los juegos, todos los deportes, y corridas de coches no es una excepción. Pero luego hay algo malo: nadia (se supone) sabe lo que va pasar. Todo puede pasar en el deporte, vive del momento, más que cualquier performance, viva o grabada, musical teatral o cualquier otra. Esto significa que para mantener las emociones del deporta vivas y verdaderas, uno no puede encenarla. Y no puedes hacer un filme sin encenar practicamente todo. Esa es la diferencia. Danza, musica, teatro, todo es performance, todo tiene que ver con hacer algo que estaba ya definido. El cine hereda esto. Por eso necesitamos mentes interesantes (o intuitivas) para tener arte interesante, mientras el más talentoso de los deportistas puede ser una desgracia intelectual. También por eso creo que es imposible, al menos con los medios que tenemos hoy, crear un filme (no documentario) que junte con sucesso deporte (cualquier uno) y filme. Probablement epor eso los Wachovksy han explorado las corridas de coche confiando en la tecnologia, porque sabian que las herramientas normales no llegarían (no he visto “speed racer” aún). Y si, tenemos Chariots of Fire, pero allí el deporte es solo una casualidad, y funciona como una performance congelada, que la música realza. Filmes puros de deporte, no conozco uno que sea minimamente interesante.

Y es peor aún cuando tenemos la actitud de este filme. Esto es una desgracia, mucho para allá de los problemas de la conexion entre deporte y filme. Asi, tenemos Reynolds, él ex macho heroi de las pistas, que es probablemente el unico papel que ha actuado desde siempre. Tenemos Stallone, él viejo herói de guerra, que vuelve a la acción, salvar el dia cuando necesario. Y tenemos un conjunto de toros personajes clichés, estrellas ascendentes, tipos que luchan para ser ellos mismos, y sentirse libres. En todo caso, mira esto: todos los arcos pseudo dramáticos que se supone estar aqui existen en un mundo de relaciones humanas. Amor versus Sucesso, orgullo, afirmación personal. Aburrido, vulgar, hecho abajo del acceptable. No hay una única tentativa de filmar las corridas de forma interesante. Todo es explosiones y lesiones, monedas en las ruedas, colisiones, nada interesante.

Ah, la escena de salvamento por los dos lideres del campeonato consigue parecer ridícula incluso en el medio de este filme ridiculo.

Mi opinión: 1/5

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“Suknickár” (2005)
(Skirter)

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tejidos

Este es un filme hecho por un tipo que no es un cineasta asumido. Le gusta probar medios diferentes, que van desde la radio hasta el filme, de la collage hasta la palabra escrita. Asi, uno debería esperar una cierta libertad, o independencia de los códigos cinematograficos normales, que los cineastas normales utilizarian. Eso es algo que me hace querer verlo.

Me gusta lo que han intentado aqui. Una espécie de sensualidad, alcanzada com visiones parciales del cuerpo feminino. Esa es probablemente la propria definición de sensualidad, y fue tomada literalmente aqui. El hecho de que esto es un corto, y no obedece a un guión linear o completo protege esta visión, ya que no hay realmente personajes (femininos) para desarollar. El resultado es que uno puede imaginar lo que uno quiera, y sera siempre más perfecto que la realidad (independiente de lo que fuera) de tener caras para corresponder a esas piernas tan cuidadosamente fotografiadas, medio cobiertas por tejidos también cuidadosamente captados, con diferentes texturas y vistos con diferentes niveles de detalle. Piel es tejido, y queda tejido en muchos momentos.

Asi, la idea basica era buena. Pero ya la he visto mejor hecha, por este mismo director. “prilepek”, que yo he visto hace 2 años en la gran pantalla fue mucho más eficiente, y creo que eso tiene que ver con dos cosas: -la historia general era más cariñosa en prilepek porque allí él centró las cosas en un tío, que por casualidad busca el amor en las piernas de las mujeres que pasan. De esa foram, él alivia la obsessión con las piernas y eso realza la sensualidad. -aqui el filme vive de acción real, pequeños planos, por veces abstractos, pero acción real. En prilepek, lo que tenemos es stop motion. Escenas reales filmadas con una cámara fotográfica. No tenemos 24fps, al invés tenemos trozos de realidad que nos dan aún menos para ver, y más para imaginar. Es un truco eficiente, que no tenemos en este, y eso quebra el efecto para mi.

Mi opinión: 3/5

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“Being John Malkovich” (1999)

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viaje a tu (otro) Yo

Algunos filmes definen lo que tus sueños serán. Otros te ayudan a comprender la matéria de que tus sueños están hechos. Quizás estas dos ideas esten más cerca una de la otra de lo que yo creo. En todo caso, este filme pertenece al segundo tipo. Al menos para mi. Yo soy un romantico, incurable. Lloro delante del amor, no correspondido, verdadero. Además, los últimos meses han sido un período difícil para mi, tiempo de cambios, indecisiones, no con relación al amor, pero todo el resto. Asi, imediatamente me siento el personaje de Cusack, alguién a quien no dejan manipular sus marionetas. Por todo esto, este filme ya sería especial para mi.

Pero esto es cine, y es eso lo que lo hace importante para mi. Asi, en lo que toca al cine, lo que tenemos aqui es una mezcla entre un director inspirado y competente, dos de los mejores actores trabajando estos días (Cusack y Keener), una mente realmente interesante, que en verdad se deja para ser el palco del filme, literalmente (Malkovich), y uno de los mejores argumentistas de siempre.

La escrita de Kaufman esta, hasta un cierto punto, cerca de la de Medem. Ambos conceben el mundo como un cielo negro lleno de puntos brillantes, estrellas. Luego, sobre ese cielo, cogen un lápiz, y unen puntos, hasta que hayan dibujado sus constelaciones personales, hasta que hayan dibujado sus almas sobre el cielo. Si estás dispuesto a comprender lo que ellos han querido hacer con cada punto que han elegido tornar suyos, sabrás que estás en un mundo diferente, no separado de lo nuestro, porque lo intersecta, pero estarás verdaderamente “dentro” de la mente de alguién. No la controlarás, no la manipularás, pero serás un privilegiado. Sin embargo, la diferencia entre Medem y Kaufman, es que el primero siempre dirige las películas que escribe. Asi siempre tenemos una visión coordenada, que toca todos los pedazos de lo que vemos. Kaufman colabora, y en el proceso gana lo que los directores tengan para dar, pero corre el riesgo de ser mal comprendido. En este filme, todas las compensaciones y interpretaciones personales de los principales intervenientes me parecen perfectamente equilibradas. Esta es una experiencia dulce, algo que no olvidarás.

Spike Jonze tiene una carrera como director de videoclips, y eso se nota, él lleva la representación visual de las dramatizaciones con marionetas de Cusack hacía un nível alto, y eso es una pieza fundamental de la metáfora. Marionetas, la ilusión de una vida creada en palco, llevada para vidas encenadas en el mundo real. La forma como Schwartz tiene que tornarse otra persona para poder ser él proprio, para poder expresarse libremente. Para poder tener la ilusión de amor verdadero! Que drama profundo este. La forma como Maxine controla los controladores, engaña a los engañadores, manipula todos, incluso los que se supone que son manipuladores; solo para descubrir que no debería haberlo hecho. La forma como Lotte es la verdadera manipulada, y por eso la única que no es corrompida. La forma como Malkovich, en última análisis, no existe. La forma como Lester es lo más cerca de un Dios que tenemos en este filme.

Indecisiones, a medio camino entre lugares, medios pisos. Canales entre personas, personas como recipientes que pueden contener multiplas personalidades. Literalmente crear tu propria realidad, al confundir las definiciones de la personalidad. Esto tiene tanto que ver con amor como con el proceso de vivir ese amor. Tanto que ver con la verdad como con lo que la verdad significa. Tanto que ver con una historia como con la forma como se cuenta historias. Esto es tanto un filme como es un ensayo sobre filmes, sobre cine. Esto es una obra prima de auto-referencia.

Mi opinión: 5/5 probablemente “eternal sunshine..” ultrapasa este, pero el filme será parte de ti, si lo dejas.

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“America’s Sweethearts” (2001)

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vidas falsas falsificadas

Hay un cliché comun en comentarios a filmes, normalmente por espectadores medianos, la audiencia alvo para filmes como este, que es este: es bueno mirarlo porque te permite no pensar y olvidar el mundo real. Algo asi. Esto es engañador, claro. Nadie que piense va a parar de pensar delante de algun pedazo desinteresante de entretenimiento como este filme, y los que normalmente no se cuestionan tampoco lo harán, independientemente del filme que le pongan delante. Pero comprendo el significado del concepto de “no pensar”, y este filme tiene un lugar de oro en el (enorme) almacen de filmes concebidos para no ser interesantes, simplesmente entretenimiento. Eso pasa porque sus creadores no han colocado pistas interesantes para seguir, no hay nada aqui.

Bueno, incluso en los pántanos crescen flores, asi que hay dos cosas que realzo aqui:

Una es John Cusack. Él es bueno, y trae algo renovado incluso a personajes desgastados como este. Él tiene una forma rara de ponerse entre la narrativa del filme y nosotros, espectadores. No es ni una persona real (como nosotros, espectadores) ni un personaje totalmente integrado en el filme. Al invés, parece que es una espécie de David Attenborough del cine, alguién que está en la escena de acción, pero confortablemente protegido por alguna vegetación, mientras comenta la cena peligrosa de los leones. Él es muy bueno.

Partindo de esta situación de Cusack, creo que tenemos en corazón de este filme. Tenemos 2+2 personajes, que oscilan todo el tiempo entre dos realidades distinctas en el filme: la de las estrellas, y la de la “vida real” en el filme. Absolutamente todo, todas las bromas, todos los trozos de romance, todas las discussiones, todos los puntos en el enredo giran al redor de la idea que actores famosos como los personajes de Cusack y Zeta Jones tienen dos faces, dos vidas; una que enseñan a todo el mundo, brillante y polida, y la realidad aburrida, infeliz, y desintegrada. Al final, Zeta Jones quedase con la realidad falsa de la fama, y por eso también se queda con el personaje igualmente falso que es el español; y Cusack quedase con el personaje de Julia Roberts, alguién que vivió toda su vida en la sombra de las estrellas, mirando y vivindo ambientes de estrella, sin ser parte de ellos. Hay un palco público donde todas las constataciones (por parte del público del filme y los personajes) tienen lugar. Esa es una regla de oro de los filmes de romance.

Asi, según mi opinión, tenemos esto: la vida “real” de los personajes de Jones y Cusack está para su perfil de estrellas, en el filme, como el filme está para las ideas cinematográficas realmente interesantes. Aburrido, muerto, vacío, pero intentando parecer brillante, polido, y atractivo. Pero bueno, entretiene, aunque no saques mucho de ello mismo si lo piensas. Supongo que por eso cumple sus objectivos.

Mi opinión: 1/5

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