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In Bruges (2008)

“In Bruges” (2008)

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Bosch, enanos

*** spoilers ***

Hace casi 2 años, vi y comenté un filme belga, llamado Moscow, Belgium (Aanrijding in Moscou). Me surgió de la nada, en un festival de cine, y me gustó imenso en lo diferente que fue como experiencia cinematografica. De algún modo, es un film afastado de las convenciones, relativamente afastado de las reglas del género donde se inscribe, al menos según las reglas de Hollywood. Pero tenía el apelo de las audiencias, y si hubiera sido hablado en inglés o español, seguramente habría tenido un impacto diferente. Sin pretensiones, fue como nombré a mi comentario. Ahora miro este filme, que produce un efecto similar. Y tiene lugar en Bélgica igualmente. Y porque este es hablado en inglés, y tiene unas cuantas caras bien conocidas, cae en el rincón popular que creo que Moscow podría haber ocupado. Me pregunto si la Bélgica, como sitio, tiene algo que ver con esto.

Pero este es un filme totalmente diferente. Tiene una escrita condensada y muy solida, tan controlada como el ambiente donde todo el filme tiene lugar. Todo tiene lugar dentro de ese contexto, y la primera cosa realmente interesante que encuentro aqui es la forma como, con una (importante) excepción, todos los puntos importantes del enredo que pasan están asociados con los lugares de la ciudad que habíamos conocido antes, cuando los asesinos eran simples turistas. La torre, el hotel, el escenario del filme. Entramos en la ciudad con los personajes, y la vemos por sus ojos. El punto fundamental que nos he contado por flashback es lo que permite a la historia derivar hacía el mundo de film noir donde el filme termina. El asesinato del niño es lo que aprendemos. Lo que ese hecho hace es iniciar todos los eventos que hacen los personajes encontraren el destino que se supone deberían. Por eso, lo está muy bien aqui es la forma como el filme deriva entre géneros. Desde las leyes de la comedia (fucking Bruge) hasta el momento de la cazada final. El cambio dramático es sutil y realmente raro de ver, y aumenta la fuerza del final.

El elemento crucial que permite todo esto es, claro, el filme interno, el filme que están haciendo en Brujas. Este intercepta la narrativa varias veces durante el filme, y tenemos incluso actores de ese filme (el enano) que interactúa con nuestros actores principales. El tema enano es muy hablado. Pasamos por el escenario, Farrell conoce allí a la chica y descubrimos que el filme tiene algo que ver con Bosch. Y claro, al final, el filme exterior, el que estamos mirando se mueve literalmente para el escenario del filme interno, en un momento en que ya no vivimos en el mundo de comedia, y los dos personajes que quedan encuentran su destino en un mundo dramático totalmente diferente, llevando el enano con ellos.

Esto es escrita notable que, sin embargo, solo puede existir bajo una sólida dirección que permite margen de manobra a los actores, bajo un ambiente controlado.

Mi opinión: 4/5

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Angels & Demons (2009)

“Angels & Demons” (2009)

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hercule

No espero mucho de un filme de Ron Howard. Sus películas no tienen vida y son poco atractivas, a pesar de los efectos aplicados. Sus ideas cinematográficas son básicas y poco interesantes, como los efectos que tenemos en sus filmes Dan Brown – cámara que se mueve a través de las paredes como que para enseñarnos la “verdad ocultada” por detrás de lo que es aparente. Aburrido. El peor desastre fue el código da Vinci, porque a ese lo hicieron cuando el libro era increíblemente consensual en todo el mundo, consensual incluso en sus supuestas revelaciones revolucionarias. El filme es tan pobre que no sirve ni para hacer una ilustración del libro como, por ejemplo, los filmes Harry Potter hacen con los libros.

Este era un desastre predecible. Si ellos no habían sido capaces de quebrar una única regla del género con el primero que era ya adorado antes mismo de ser filmado, no seria aquí que lo harían. Este tenía que mantener los espectadores que aún seguían a Langdon después del desastre cinematográfico del código. Por eso este filme utiliza el esqueleto del primero, y pone sobre eso una piel diferente. Ahora ya no tiene que ver con el graal o la sangre de Cristo, sino con un cualquier enredo político en el interior del Vaticano. El código era una historia muy más interesante, en lo que toca al libro, pero ambas las historias son poco cinematográficas para mi, porque solo te entusiasman cuando entras en los detalles que Brown inteligentemente elige para hacer pasar su narrativa. Lo que él te presenta son narrativas, versiones, historias que podrían ser verdad. Esto está hecho por asociación de hechos, no por imágenes. Eso es adecuado para un libro, no tanto para un filme.

El único cambio significativo aquí es que Langdon es aquí más un detective que un investigador. En el código, el entusiasmante era que compreenderas la narrativa que te estaban contando, por la unión de las piezas del puzzle que vas encontrando. Aqui tiene que ver con coger al “infiltrado”, descubrir quien estaba manipulando las cosas. Bajo los hechos históricos densos hay una simples historia de detective, en la tradición Agatha Christie. Y bajo esa tradición hay toda la herencia que el noir americano dejó, para apreciar y explorar. Si Ron Howard y la otra gente que participó aqui lo hubiera comprendido, podrían haber hecho un filme decente. Así, no lo hicieron.

Mi opinión: 1/5

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L’illusionniste (2010)

“L’illusionniste” (2010)

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el truco

Hay algunos fenómenos curiosos que las leyes y peculiaridades del mercado hacen pasar de vez en cuando. Este es un filme que pertenece al rincón de los seguidores de animación, no animación comercial en la tradición de los grandes estudios, sino la animación en la tradición más meditativa de las llamadas bellas artes. Animación como una forma que vale por su propia materialización. Por otras palabras, los dibujos valen la pena solo por existir, podemos apreciar el filme por el sabor de su propio mundo, tanto como podemos apreciar un dibujo de Miguel Ángel independiente de lo que se representa allí. Las características particulares de cada líder creativo llegan casi sin cambio a la pantalla donde vemos el filme. Eso es lo que me hace buscar animación de autor de vez en cuando: los mundos visuales son viscerales y directos, como si el filme estuviera siendo dibujado al mismo tiempo que lo vemos.

Chomet es un director cuyo mundo personal vale la pena visitar. Su abordaje meditativo esta totalmente aliñado con las narrativas que él elige contar. Aqui esa meditación encontró un escenario perfecto en las colinas lluviosas de Edinburgh, una ciudad que nunca he visitado pero que supongo puede llegar a ser más dura de la que tenemos aqui. La narrativa empieza con el mágico vagueando por diferentes lugares, diferentes países, hasta que encuentra la ciudad que encaja en el ambiente que el director quiere pasar.

La auto-referencia es clara aqui: Chomet es el mágico. El sosia de Tati está para la gente que lo rodea como Chomet está para nosotros, espectadores. Piensas que el truco tiene que ver com el conejo y el sombrero? No, el truco tiene que ver con quien lo ejecuta. Piensas que la historia es sobre un guión de Tati? No, la historia es sobre lo que Chomet hace con ella. El toque de maestro de la auto-referencia aqui es, claro, el momento en que nuestro mágico animado entra en un teatro para encontrar una proyección del Mon Oncle de Tati pasando en la pantalla. La distancia, metafórica y visual, entre la animación y la acción real que tenemos en la pantalla comprueba la importancia semiótica de este trozo. El hecho de que se vea el Tati real y animado en el mismo encuadre comprueba la voluntad que Chomet tiene de hacernos comparar ambos.

Mucho se ha dicho sobre la conexión Tati, la forma como trae vida al personaje animado, y como imita Tati en su abordaje. A mi no me importa mucho eso, al menos no en la forma como en general el tema ha sido planteado. Tati seguramente dió forma al personaje, y inspira sus movimientos, pero el manipulador es Chomet, no Tati. Lo que vemos son sus movimientos, no los de Tati. Y el ritmo, y narrativa visual, todo eso pertenece al mundo de Chomet. Pero somos llevados a pensar que vamos a ver Tati salir de su campa. Ese es el truco, esa es la ilusión.

Mi opinión: 4/5

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Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1 (2010)

“Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1” (2010)

IMDb

Deslocalizado

Hay que admitirlo; no es asi tan difícil mantener un franchise como este. Los libros son best-sellers, y los adolescentes están entre los fans más resistentes de sean cuales sean los fenómenos pop que elijan apoyar. Los libros llegan a un rincón sensible de las almas contemporáneas: la falta de magica en la forma como nuestras vidas son conducidas, siguiendo una visión del mundo que ha excluido el poder del misticismo, el verdadeiro misticismo, nacido de las conexiones intrahumanas más básicas, y de las relaciones de los hombres con su entorno. Los libros desarrollan trozos de viejas mitologías, y las devuelven bajo un aire apelativo, lleno de elementos visuales y metafóricos que suenan en la nuestra consciencia colectiva occidental. Fénix, varitas, pociones, hechizos…

Pero a mi las historias solo me importan porque se han hecho filmes con ellas, los libros no me interesan, los filmes quizás. Y la principal opción en la construcción de los 8 (que al final serán 9) filmes que traducen los libros es que ellos deberían evolucionar como sus personajes principales, que eran al inizio niños. Así, empezamos con filmes infantiles, evolucionamos para filmes de amores adolescentes de “escuela”, y ahora los filmes se han acercado de un tipo de género híbrido, que oscila entre la historia de detectives, y el filme de acción. Esta octava tentativa cae en esta categoría, tal como la última había caído. Me parece que el filme final será más en plan “return of the king”: épico y visceral.

Para allá de la evolución de los filmes, en algunos de ellos tenemos conceptos cinematográficos explorados, con más o menos éxito. Aquí es donde las cosas quedan interesantes para mi. El tercero filme fue el mejor: tenía que ver con una unión entre espacio y tiempo (que la historia del filme ayudaba) y confiaba inteligentemente en uno de los mejores exploradores de espacio (con la cámara) del cine de hoy para dirigirla. Por eso teníamos los planos más profundos de la serie, la mejor Hogwarts, los ambientes más mágicos de la serie. El Half-blood prince confiaba en principios similares, pero en lugar de explorar espacios, la arquitectura era inteligentemente dramatizada, confiando en el punto de vista, encuadre y mise-en-scéne. Fue bien hecho y es el mejor filme de la era pos-Columbus.

Esto nos trae a este filme, que representa un cambio radical en lo que se hizo antes. Una vez más, la historia trae las pistas para la materialización visual del filme: nuestros personajes son náufragos, vagueando entre múltiplos mundos, múltiplas realidades, todas ellas sin elementos humanos para ancorar la acción: nieve, bosques, rocas. Nos sacan el tapete, y el ritmo relativamente frenético del filme tiene que ver con el hecho de que somos incapaces de conectarnos con los escenarios que No vemos: no vemos Hogwarts. Esa podría incluso ser considerada una decisión arriesgada, pero a estas alturas, los fans solo quieren ver la ilustración en la pantalla de los hechos que saben que van a pasar, así que quien hizo este podría casi literalmente haber hecho fuera lo que fuera.

Una vez más, como con la película anterior, me gustó el tema visual: tiempo lineal, pero escenarios incorpóreos. Pero esos escenarios no son suficientemente interesantes, y su efecto se desvanece con la multiplicación de locales diversos.

Mi opinión: 3/5

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Big Bang Big Boom (2010)

“Big Bang Big Boom” (2010)

Vimeo

parkour cinematografico

El nacimiento de cualquier nuevo medio, un nuevo canal para transmitir las mismas sensaciones de siempre de una nueva y excitante forma siempre es algo que debemos aplaudir. Es algo tan raro que cuando asistimos a ello, no podemos dejar de gozarlo con todos los placeres de una iniciación. En las ultimas décadas hemos asistido a una maduración de culturas urbanas mezcladas en las ciudades del mundo: Nueva York, Londres, Berlín, Paris… aqui en Paris hemos asistido al nacimiento de un nuevo tipo de danza, todo un nuevo conjunto de movimientos creados para establecer una relación entre el cuerpo y el ambiente, el humano y el que es generado por el humano aunque sea descontrolado, o sea, el ambiente urbano. Esto realmente fue un hecho espontáneo y notable del punto de vista cultural, siendo la cultura lo que sea que las personas hacen para conquistar su ambiente. Es ambicioso, es radical, y aprecio bastante el parkour, como lo están llamando.

Con relación al parkour, hay gente entusiasmada con las cualidades físicas necesarias para ejecutarlo, otros con la suavidad de los movimientos de danza. Yo los noto los dos, pero lo que más me impresiona es la forma como el conjunto de movimientos de los practicantes les permite contornar cualquier contexto: escaleras urbanas de hormigón, muros altos, tejados. Es el contexto que sugiere los movimientos que tenemos.

Eso es lo que tenemos en este filme. Uno puede maravillarse con el hecho de que lo hayan hecho. Imagina la logística increíble que permitió que estos tipos pintar y fotografiar cada uno de los imágenes necesarios para producir este efecto stop motion. Considera la cualidad individual de los dibujos. Considera incluso la cualidad y imaginación que esta en cada una de las narrativas desarrolladas. Yo lo hago y me quedo con la sensación que es una muy buena experiencia. Pero luego considero todo eso contra la muy inteligente manipulación y utilización de los numerosos espacios urbanos utilizados. Muros que se pintan, pintas que se mueven por tubos, cangrejos que empiezan como dibujos en el suelo hasta que llegan a la arena, y allí se quedan dibujos en la playa. Y una escena con una versión de la evolución del hombre, que rodea un cilindro oxidado y viejo.

Considera las posibilidades, considera este filme. Es una increíble experiencia.

Mi opinión: 4/5

Piercing 1 (2009)

“Piercing 1” (2009)

Cinanima 2010

Flagey

Hacer preguntas

Es sabido o predizible que en un futuro no muy lejos todos tendremos que mirar hacía la China tal como lo hacíamos hasta hace poco con los Estados Unidos: sus estornudos definen las enfermedades del mundo. Por eso, es importante saber cuales son las narrativas que la China está dispuesta a oferecer al mundo. Obviamente tenemos una versión oficial, tal como con cualquier gobierno de cualquier país del mundo. La narrativa americana actual, que a estas alturas ya no se soporta, dice que aunque los americanos hagan obviamente cosas inhumanas, incluso ilegales según sus propias leyes y censurables según sus propios principios, ellos deberán hacerlas en nombre de un determinado concepto de mundo libre que implica todos los que tienen poder real para contestar esas opciones. Alianzas económicas y otros tipos de interés mantuvieron la historia creíble aunque atropellando limites que la gran mayoría de los elementos pensantes de las sociedades occidentales no están dispuestos a tolerar. El caso del fundador de la wikileaks es el último capítulo de esta negra narrativa, en que de repente un caso de acoso sexual parece suficiente para sacar la discusión del tema fundamental, el de la fuga de información y lo que eso conlleva. La China ofrece una versión menos sutil, más bruta y probablemente menos inteligente de la misma actitud. Las censuras están allí, la manipulación también, pero es más asumida, más autoritaria. Preveo que la actitud china va a aproximarse en los próximos años de la que ha funcionado tan bien durante décadas con los Estados Unidos. Las presiones van a aumentar, cesiones tendrán que hacerse. Pero para eso, los oprimidos tendrán que protestar, levantar cuestiones, eventualmente morir. El “otro lado”, el occidente, contribuye para esa presión, a su manera. Por eso el Nobel de la paz de este año es quién sabemos. Me pregunto si Assange lo ganaría, si el Nobel fuera chino…

Una de las mejores formas de ver que tipo de narrativas conducen determinado colectivo es por el cine que allí se produce. El cine es aún el más poderoso creador de historias, donde todos los dramas que se viven surgen bajo la ficción. Este filme es un producto interesante. No se exactamente el contexto de esta historia en China. Si fue hecho desde el exterior, o si fue tolerado por el sistema chino. Pero es un filme interesante sobre como el contexto condiciona quien vive allí. Vidas amputadas por un totalitarismo castrador. Supervivencia. Este es un producto alejado de las grandes masas por sus propias características: la animación de autor no es uno de los tipos de filme que más se miran. Pero creo que tendremos una grande cantidad de filmes chinos con temas parecidos en un futuro próximo.

Y hay cine aquí, con un dominio interesante, aunque no transcendente del ritmo y edición. Vale la pena.

Mi opinión: 4/5

 

Pivot (2009)

“Pivot” (2009)

Sítio oficial

seguir desde atrás

Este es un filme interesante. Hay filmes que importan porque nos afectan, porque trabajan temas importantes. Y hay otros que nos cogen, que nos entusiasman, y nos transportan seguindo un hilo conductor decidido por los creadores/manipuladores. Este filme caye en esta segunda característica. Cada elemento de la historia es un pretexto para acompañar quien hizo el filme y visitar cada propuesta visual que nos hacen. Y cada uno de esos elementos es totalmente visual, o sea, las propuestas que debemos seguir existen todas en el mundo visual que el filme inventa. Ese mundo vive de iluminación y de hacernos perder conscientemente en el laberinto urbano y abstracto que nos proponen. La luz virtual importa aqui, sobretodo en la forma como las esquinas de los edificios dibujan trapezios en el suelo. La narrativa cíclica, que termina donde empieza es un truco natural y eficiente para garantizar un cierre coerente para una historia que no tiene otro pretexto para existir que no el de soportarse a si misma, asi como garantizar la unidad espacial y coerencia de una realidad sin muchos puntos de apoyo.

Es tan intencional esta idea de guiarnos por la visión que el objecto que causa todas las perseguiciones es una cámara fotográfica. Significa esto que los directores soman a la historia un comentario sobre la propria historia. Este filme es auto-referencia tanto como visual.

Mi opinión: 3/5

 

Teclópolis (2009)

“Teclópolis” (2009)

IMDb

imagen vs filme

Para mi, ni siempre compensa ver cortos de animación. Lo que me importa a mi es la narrativa, soportada por imagenes, o el contrario, imagenes que soportan una narrativa, que pueden ser (y en verdad lo son muchas veces) simplesmente una excusa para construir un entusiasmo por los imagenes. Esto último es lo que Hitchcock llama de “cine puro”. Entusiasma.

Con cortos de acción real, normalmente el contexto de los creadores esta en el cine, asi que tenemos todo el tipo de experimentos hechos sobre la forma, no simplesmente sobre imagenes como metáforas, o dulces visuales. Pero los cortos de animación son un campo donde muchos contextos convergen.

Este filme tiene una narrativa, pero es utilizada simplesmente como excusa para desarollar las imagenes, no como “cine visual puro” como Hitchcock lo definiria, al invés como un artista plástico lo haría. El foco está en la forma como la combinación de objectos de la era de los ordenaores y objectos pre-digital funcionan como un todo visual. Claro que hay una historia, sobre una vieja cámara 8mm que intenta sobrevivir en un mundo de (ya obsoletos) objectos de la era digital, que controla y construye un nuevo y lleno mundo. Claro que la historia soporta una metáfora de tiempos modernos vs viejos días. Pero lo que ellos querían, lo que les hizo perder el sueño, fue la forma del mundo.

Todo bien por mi, y me parece que este filme tiene su propria fuerza y interés visual. Pero yo estoy concentrado en el cine, y tengo algunos problemas en registrar esta buena animación bajo esa clasificación.

Mi opinión: 3/5

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Stanley Pickle (2010)

“Stanley Pickle” (2010)

CINANIMA 2010

IMDb

reflexividad animada

El stop motion es una muy buena técnica. Es un compromiso entre el movimiento contínuo, 24fps o incluso menos, y la estabilidad de un imagén parado. Me parece que este equilíbrio entre ambas las formas de representación hace una diferencia en lo que toca a la narrativa. Baja tu capacidad para focarte en lo que los imagenes “cuentan” y al contrario te obliga a comprender lo que los imagenes “son”.

Lo más interesante en este filme es una especie de reinvención de la forma como normalmente este tipo de stop motion es utilizado: todos los elementos son reales, de nuestro mundo real, no son modelos de plastilina, ni escenarios construydos a una cierta escala. Normalmente en este tipo de animación, los objectos de ese mundo real tienen una vida propria. las botellas se mueven solas, las mesas bailan con las sillas, etc. Los humanos pueden estar en el filme, pero no interferen, pero hay interacción con el ambiente. Svankmajer tiene un conjunto increíble de experiencias basadas en esta noción.

Pero aqui tenemos una mezcla. Tenemos un mundo animado que pertenece totalmente al otro mundo de los objectos animados, pero también tenemos el animador en la pantalla. Stanley Pickle crea y mantiene todos los objectos que lo rodean a él en su vida diaria, desde sus padres (que son objectos aqui) hasta sus juegos. Más tarde en el filme vemos su laboratorio, debajo de su cama.

Esto se destruye todo cuando él hace su magia delante de una chica fuera de su mundo animado confinado. No funciona porque él puede simplesmente fingir la vida del pájaro, no recrearla. Y eso mata la animación, para el proprio Pickle.

La chica tiene una cara interesante, y me gustó la auto-referencialidad y la forma como se mezcla con el producto final y la narrativa. Simplesmente no me pareció que él filme fuera visualmente interesante.

Mi opinión: 2/5

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Hard Target (1993)

“Hard Target” (1993)

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Mad cowboy

Esto cae perfectamente en su proprio genero, con todos los elementos. La historia esta hecha para encajar en las características vendables del actor, y tenemos todos los elementos que normalmente rodean este sub género de la acción, el de la acción al redor de una figura de acción, en la tradición Stallone (pero con movimientos diferentes aqui). De igual modo, nunca me gustó demasiado el abordaje estilístico de Woo. Es el proprio estilo que me aburre. Asi, esto naturalmente debería haber sido algo para pasar tiempo, una experiencia olvidable. Algo que podríamos mirar en una noche bien pasada con unos tíos de 26 años ya nostálgicos que crescieron con estas cosas.
En mi último comentario, hablé de un filme que estaba preparado para odiar pero que al final me gustó. Esto motivó un protesto de un lector habitual, que es mi amigo, y que normalmente confía en mi opinión, pero que basado en ese comentario empieza a perder su fé. Supongo que solo voy a empeorar las cosas con este comentario, pero la verdad es que me gustaran muchas cosas en este filme. Esos aspectos positivos tienen que ver con dos cosas: cinematografia y escenarios.

La primera cosa muy buena aqui es la forma como entramos en el filme, los primeros planos, una noche de lluvia en una Nueva Orleanes encenada, donde un hombre es cazado. Los planos de las calles vacías, desde el punto de vista de ese hombre, son unas puertas excelentes hacía el filme. Tenemos en esta primera secuencia todas las referencias: Nueva Orleanes, el jazz de ambiente, el ambiente western Leone/Eastwood (el personaje de Vosloo se llama incluso Van Cleef!). Estos 3 elementos encuentran un mundo Mad Max con sus reglas proprias, sin ley, terreno fértil para los bandidos y los justiceros aventureros. Somos transportados para este mundo en estos primeiros minutos, y eso es muy bueno, y me parece que deberíamos creditar Woo por como esto funciona.

Luego, claro, Van Damme entra en escena, y esto pasa a ser necesariamente uno más de sus filmes típicos. Aún asi, hay muy buenos usos de las calles de la ciudad, y 2 otros escenarios que voy a recordar: uno es la casa de Douvee, y su aspecto a la vez frágil y robusto, en medio del Louisiana. El otro es el palco final donde las peleas finales ocurren. Este último escenario es una pieza fundamental en estos filmes Buenos-Malos. Normalmente es un escenario muy bien pensado, pero no necesariamente interesante. Este lo es, con todos los elementos, todos los colores, el ambiente Nueva Orleanes transportado para un escenario de filme. Bastante bien hecho.

Las escenas de acción en si son vulgares y aburridas, incluso de acuerdo con lo que se hacía en esos días.

Mi opinión: 4/5

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Destaques

Una de las películas que mas espero; sobre un libro de Saramago, dirigido por Meirelles, con Julianne Moore. Mira Diário de Blindness, mantenido por Meirelles (en portugués)