The King’s Speech (2010)

«The King’s Speech» (2010)

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la voz contra la pared

Esto es más o menos lo que yo esperaba, para bueno y para malo, y eso no es exactamente un elogio muy bueno. Cuando voy a ver un filme, siempre llevo la miente abierta, esperando ser sorprendido.

Esto es un filme sobre y para actores, desde la raíz hasta las hojas. El enredo principal es sobre un hombre poco importante que tiene que aprender a actuar, para conseguir ser convincente delante de una audiencia, y para disfrazar su condición de tartamudo. El truco que utilizan es vulgar en drama: la búsqueda personal de un hombre para superar su debilidad es sobrepuesta a las aspiraciones colectivas de un grupo, en este caso una nación al borde de una guerra. Así, cuando nos enfocamos en el drama personal de un conjunto de personas: el futuro rey, su hermano tartamudo, su mujer, el terapeuta de voz; mientras tenemos pequeñas visiones de lo que iba pasando en el mundo, el conflicto eminente entre Inglaterra y Alemania; tenemos la sensación de que lo que pasará con el mundo depende de si el rey es capaz o no de hablar con claridad a su pueblo. Es un truco normalmente usado en filmes épicos o de guerra. Aquí simplemente no me parece que el «discurso» sea suficientemente fuerte como para credibilizar toda la historia, pero supongo que funciona como truco dramático.

Dentro de ese drama, el enredo principal es la relación entre el terapeuta y el rey. Aquí tenemos un filme sobre la amistad, en si mismo todo un género diferente que ya hemos visto varias veces. Esto es interesante porque los actores son competentes y el guión ayuda. Colin Firth hace las cosas bien, él es un buen actor y sabe mezclarse con la textura del filme y ser una parte de ella. Pero Geoffrey Rush vale la pena ver, independientemente de lo que haga. Él es un actor muy bueno, y es muy interesante ver los múltiplos niveles de actuación que él aplica aquí: él representa un terapeuta vocal muy bueno, que oculta su lado de actor frustrado, permanentemente rechazado en castings de teatro. Él es capaz de corregir los discursos de los otros, pero no de hacer su propio discurso de forma convincente. Él transporta su performance no conseguida para el rey, y proyecta su frustración como actor incapaz de convencer una audiencia para el éxito del rey cuando este incita con seguridad su nación a la resistencia. La radio es el medio elegido, y es perfecto para este enredo porque su magia reside solo en las palabras, y como son pronunciadas.

Hay un escenario que vale la pena mencionar: el despacho de Rush. El ambiente es bueno, la vieja mobília, tecnologia de esos días, el toca discos, el microfone, etc. Pero lo que realmente está bien elegido es la textura de la pared detrás del sofá del paciente. Todos esos puntos multi coloridos, colocados en el ultimo plano de una cara que pelea para superar su debilidad. La pared tiene una grande fuerza visual, y soporta bien el drama. Me gustó.

Mi opinión: 3/5

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The Pink Panther (1963)

«The Pink Panther» (1963)

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fuera del centro

Hay tantas personalidades del mundo de los filmes envolvidas en este filme y que hoy tienen una grande dosis de nostalgia que vale la pena ver el filme solo por eso. Eso si puedes soportar la fuerza de esos días pasados que estas personas pasan. Capucine, Claudia Cardinale, incluso la especie ahora extinta a que pertenecía Niven. Blake Edwards, que murió recientemente y, claro, Peter Sellers, una de las personas genuinamente más graciosas en una pantalla de siempre. Soma a eso los años 60, ya por si mismos un canal de la nostalgia contemporánea occidental, y la pantera, acabada de nacer. Es pesado, probablemente tanto como mirar a Audrey Hepburn y Cary Grant en el Charade de este mismo año. Si inspiras el odor de estos días, y te dejas llevar por como imaginas que esos días habrán sido, esto va a brillar.

El filme, en verdad, es muy fresco como comedia. No porque algo de lo que ves sea remotamente la moda en actuaciones cómicas hoy en día. No lo es. El ritmo es lento, esto se arrastra comparado con lo que hace las audiencias reír hoy en día; sabemos que la comedia es, entre todos los géneros, el que se desactualiza más rapidamente. Esto está desactualizado, pero funciona en su rincón.

Pero hay algo raro y bizarro que mata una parte de esta experiencia. El filme está fuera de su centro hoy, y supongo que salió de ese centro luego que salió. Eso es porque esto fue concebido para tener Niven como la estrella, y Cardinale como el sex symbol exótico. Ella incluso representa una reina de un país exótico lejano. Capucine y Sellers deberían ser los asteroides rodeando las estrellas principales. Pero Sellers confunde las cosas, y desequilibra este universo aparentemente bien construido. Eso pasa porque él es la estrella más brillante de este firmamento. Aparentemente su papel debería haber sido representado por Ustinov, pero Sellers se quedó con él, y el resto lo sabemos todos, y lo mucho que todos ganamos con ello. Él es un muy bueno performer, porque de algún modo hace todas sus habilidades sin actuar abiertamente para ser gracioso. Y su timing es, en general, perfecto.

Así, lo raro aquí es que tenemos un actor brillante robando el filme de los verdaderos ladrones (él incluso va parar a la cárcel en vez de ellos al final). Lo fantástico es que teníamos a Peter Sellers.

Mi opinión: 3/5

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The Hangover (2009)

«The Hangover» (2009)

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puzzle

La comedia es un género difícil. Es raro encontrar actores cómicos con talento que te hagan reír sin que te sientas vacío cuando lo haces. Estoy hablando de esas risas que vienen de una situación falsa arreglada donde solo te ríes de lo raro que la escena es. La comedia verdadera está más cerca del drama verdadero que de cualquier otra cosa. Eso es lo que yo creo. Pero de vez en cuando, uno encuentra una comedia decente, con buenas actuaciones. Más raro es ver algo que haga algo interesante en un nivel narrativo. Este es el caso.

Las actuaciones son la rutina en lo que toca a la actuación física y fraseado hoy en día. Esto es parte de lo que queda fuera de moda en poco tiempo, así que supongo que en 15 años ya no nos vamos a reír con el fraseado, el timing, o incluso los chistes en si. Zach Galifianakis es la excepción. Él actúa de forma realmente graciosa porque es el único personaje que no intenta ser gracioso. Él no impone su actuación cómica a las audiencias. Al contrario, él queda fuera del humor del filme, literalmente, ya que su personaje es un alien que imponen a un grupo ya bien formado. Así, él simplemente está allí, y allí está la graciosidad de la actuación.

Lo bueno aquí está en la estructura narrativa del filme. La historia tiene que ver con un grupo de tipos que no se acuerdan de lo que pasó en la última noche (drogas, bebida, etc.). Tienen sin embargo pistas (el bebé, el tigre, el coche de policía) que son las conexiones con esos eventos de que no se acuerdan ya. Siguiendo esas pistas, en una especie de mecánica de historia de detective retorcida, ellos podrán contar esos eventos de que no se acuerdan. Así, la estructura narrativa pone estos personajes contando una historia que ya pasó, con Ellos! Esto es un concepto gracioso, y un truco narrativo inteligente. Y es realmente raro encontrar estructuras inteligentes aplicadas a la comedia.

Bueno, la revelación de las piezas del puzzle que faltan no es tan buena como podría ser. El episodio Mike Tyson es forzado en la narrativa, probablemente para incluir a Tyson y así vender algunas entradas más, pero suena fuera de lugar, una escena de otro filme.

Mi opinión: 3/5

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Biutiful (2010)

«Biutiful» (2010)

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Caras

*** este comentario puede contener spoilers ***

Es siempre una noche especial cuando uno se mueve para ver el nuevo filme de uno de los mejores directores trabajando en el momento. No solo veremos algo que nunca hemos visto, hecho por alguién cuyo trabajo afecta nuestra alma, pero también vamos a ver algo que puede ser la mas reciente inovación en la tradición aún joven del cine, como la arte de la narrativa visual. Iñarritu produz ese efecto en mi. Algún de su trabajo anterior me ha cambiado de formas que no puedo comprender. Siempre querré ver lo que él tiene para mi.

Aqui teníamos algo importante que considerar. Él se separó de su colaborador de mucho tiempo, Arriaga. Aparentemente, su colaboración anterior destruyó su relación personal. Imagino que la dureza y el dolor de sacar esas narrativas ricas y densas como las de la triologia que vino antes de este filme fue agotador y vació su relación. La ausencia de Arriaga se hace notar aqui. Somos menos conscientes de la estructura, menos entusiasmados por la forma como el filme se desarrolla. No hay, aparentemente, una estructura más ancha que encuadre las vidas que seguimos. Arriaga daba a los filmes un sentido noir de destino, donde todos los personajes se sentaban. Bueno, supongo que lo encontramos aquí también, pero de una forma más bruta, menos asumida. Nadie duda que cada personaje en este filme (incluso los patrones chinos) viven en un mundo cuyas reglas ellos no comprenden y aún menos controlan. Eso es la primera cosa interesante aquí. Tenemos la ciudad como el tablero definido donde el juego se juega. El sentido de colocación (urbana) dinos  que el juego se está jugando, pero nunca vemos nadie más alto que un simples peón. Me parece que cuando consideras la historia como la vemos, podemos comparar este filme con Blindness, por el pesimismo, por la visión sin esperanza del mundo. La ciudad, Barcelona, surge con una suciedad y oscuridad que en verdad no existe en su face aparente, aunque algunas escenas (como los negros huyendo de la policía con bolsos falsificados) sean realmente una parte de su rutina. Pero nada de lo que vemos está contado en un nivel superficial de observación, por eso no tenemos la ciudad de Gaudí aquí, tenemos la ciudad de los oprimidos, manipulados por un opresor desconocido.

(**spoilers aquí**) Este mundo es complejo y engañador. Uxbal parece controlar los jefes chinos, pero sabemos que él es manipulado por su amante, que por su vez no es aceptado por la família del primero por su homosexualidad. La Marambra ahoga las rechazas de Uxbal en la cama de su hermano, mientras su locura progresiva la afasta cada vez más de sus hijos. Pero Uxbal va a morir y lo sabe, además sabe lo que está «en el otro lado». Él está tan ahogado en su destino inevitable como los trabajadores chinos que él piensa que ayuda (hasta que los mata!). También lo está Ige, que sabe de algún modo que no podrá salir de Barcelona y tener un futuro; está ahogada en su destino, y el dinero no lo puede cambiar. Y también los hijos de Uxbal, cuyo destino depende de la suerte y de la voluntad de los que, en cada momento, son responsables por su educación: su padre morirá, su madre no es confiable, y apenas tenemos la sugestión que Ige será su figura materna.

Pero todo es es solo secundário, comparado con el motivo real por lo cual creo que deberías mirar este filme: las caras. Toda la oscuridad, todo el pus que sale con angustia de las heridas de esta gente solo importa porque está espejada en las caras «biutiful» de absolutamente todos los personajes. Eso es lo que la increíble primera escena: el encuentro entre dos caras, la de Bardem (en que actor se convirtió él!) y él que al final descubriremos que su fallecido padre. Mira como los primeros planos de las caras son la llave para cada respuesta emocional que das a este filme. Mira como son la sonrisa rompida de Mateo, o las miradas impotentes de Marambra que te rompen el corazón. Mira como esas caras son encuadradas por Iñarritu (y su director de fotografia increíble!), siempre de forma diferente, de acuerdo con la cara de cada actor. Bardem normalmente a tres cuartos. Pero la cara que siempre voy a recordar es la de Ana. Según el IMDb esta fue su primera película, y si es su último, aún tendré motivo para acordarme de ella. Apuesto que ella fue elegida por su sonrisa, esa de inocencia desilusionada, de infancia rota. Tan bonito, tan triste. Tanto dolor, en un mundo tan caótico y noir. Esto es escrita increíble, cine increíble. Me pregunto como esto va a encajar en mis sueños.

Mi opinión: 4/5

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The Tourist (2010)

«The Tourist» (2010)

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estrellas

*** este comentario puede contener spoilers ***

Esto es una buena experiencia, un tipo de filme muy raro hoy en día, y que aparentemente fue apenas permitido por las incidencias de la pre-producción.

La Angelina estuvo en el barco todo el tiempo, de acuerdo con el IMDb. Pero el protagonista principal pasó por varias posibilidades, incluyendo Sam Worthington. El hecho de que ellos hayan podido garantizar a Johnny fue una suerte de casting, que permitió que el filme funcione de la forma como ahora mismo funciona. Superficialmente, esta es una historia sobre twists, personajes dobles, gente que finge ser alguien, solo para que uno comprenda que al final, es otra persona. Mientras tanto, quedamos ofuscados con el estatuto de estrellas que ambos los personajes demuestran todo el tiempo. El mundo gira en torno de ellos, para bien y para malo. Aquí, incluso la historia ayuda: la Angelina empieza el filme siendo literalmente observada desde cada ángulo, con todos interesados en saber lo que ella está haciendo. La escena en que ella entra en el tren y liga con el tipo está hecha con ella como centro luminoso del sistema. Sus movimientos agitan su contexto, es así que la ponen, como estrella, en la historia. Procurada y deseada. Depp completa y contribuye para la forma como ella surge, y al hacerlo, él construye su propio rincón como la personalidad pública que le conocemos: el tipo casual, involuntario, y aún así atractivo.  La estrella renuente, permanentemente destruyendo su propia imagen como sex symbol, y permanentemente arrastrado para el centro de las atenciones; (spoiler) el tipo que aparentemente no sabe, o no comprende nada de lo que le pasa, chapucero intentando evitar el foco de atenciones, solo para que uno descubra que él es el más grande manipulador de todos, que manipula incluso la estrella más brillante de la constelación, la que se supone estar sobre el juego.

Este juego actor/personaje requiere inevitablemente que los actores que lo interpretan poseen un estatuto de estrella fuera del filme. Depp y Jolie obviamente lo tienen, de hecho serán las 2 estrellas más grandes que tenemos hoy, en ese sentido clásico de estrella, en la tradición Grant, Peck, Hepburn, Dietrich o Garbo. Solo con eso me bastaría. Pero para allá de eso, Johnny Depp es un actor real, que sabe interpretar bien el juego de la actuación en varios niveles: él representa su propia persona pública, sobre eso representa el chapucero inconsciente, y sobre todo eso representa el más grande manipulador del juego. Esperaba que solo su actuación haría el filme valer la pena, y lo hizo. Pero Jolie fue una sorpresa, en la forma como se presentó aquí. Ahora tenemos más que su personalidad, tenemos una actriz.

Este director cambió mi vida con su primero filme. Aquí él entra en un mundo diferente. El tema no importa tanto como «las vidas de los otros» importaba, pero él hace bien las cosas, espero que siga trabajando así.

Este es un filme enraizado en un mundo de los filmes. Por eso somos literalmente llevados para Venecia, después de empezar en Paris, 2 de los escenarios urbanos más bien establecidos del mundo de los filmes, de lo tiempo en que el cine americano confiaba totalmente en sus estrellas.

Mi opinión: 4/5

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Shrek Forever After (2010)

«Shrek Forever After» (2010)

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reciclar

Han tenido que recuar unos pasos para poder hacer una 4ª versión de esto. La primera sonaba nueva en la forma como reutilizaba cosmologias populares sacadas del rincón seductor de las historias para niños. El segundo flotaba sobre eso y hacía un juego interesante de auto-referencias retorcidas. Fue el mejor. La comedia estaba en las referencias exteriores y la forma como los directores se dirigían a ellas. La forma en si era graciosa, más que los personajes o chistes.
Ahora esta 4ª versión necesita de crear una historia sobre como el romance entre el ogro y la princesa tiene que pasar otra vez. Así, la historia vuelve literalmente al inicio, antes que el Shrek conociera a la Fiona, o el burro, o antes que el gato existiera como personaje.

Admito que el truco funciona como para revivir la frescura del primero filme, después del desastre del tercero. Si entras en el juego y quieres sentirte nostalgico con ese filme, hecho hace 10 años, supongo que podrás reírte un poco. El truco es listo y te permite hacerlo. Pero no hay mucho más que ver aqui.

Los personajes están tan desgastados ahora como el pobre Shrek cuando se pega un puñetazo en la mesa, al inicio
The characters are as tired by now as poor Shrek at the beginning of the film when he punches the table.

Mi opinión: 2/5

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