Driven (2001)

«Driven» (2001)

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no es f1 sino nascar

Corridas de coches y filmes. Deporte y filmes. Si lo piensas un poco, estas son mezclas poderosas. Deporte tiene que ver con movimiento, es como una danza, y eso es cinematográfico, en verdad es una de las posibilidades cinematográficas más ricas. Tiene emoción viva, y eso signfica que no sabemos lo que esperar, aunque tengamos un equipo. Hay un fuerte sentido de suspense que rodea todos los juegos, todos los deportes, y corridas de coches no es una excepción. Pero luego hay algo malo: nadia (se supone) sabe lo que va pasar. Todo puede pasar en el deporte, vive del momento, más que cualquier performance, viva o grabada, musical teatral o cualquier otra. Esto significa que para mantener las emociones del deporta vivas y verdaderas, uno no puede encenarla. Y no puedes hacer un filme sin encenar practicamente todo. Esa es la diferencia. Danza, musica, teatro, todo es performance, todo tiene que ver con hacer algo que estaba ya definido. El cine hereda esto. Por eso necesitamos mentes interesantes (o intuitivas) para tener arte interesante, mientras el más talentoso de los deportistas puede ser una desgracia intelectual. También por eso creo que es imposible, al menos con los medios que tenemos hoy, crear un filme (no documentario) que junte con sucesso deporte (cualquier uno) y filme. Probablement epor eso los Wachovksy han explorado las corridas de coche confiando en la tecnologia, porque sabian que las herramientas normales no llegarían (no he visto «speed racer» aún). Y si, tenemos Chariots of Fire, pero allí el deporte es solo una casualidad, y funciona como una performance congelada, que la música realza. Filmes puros de deporte, no conozco uno que sea minimamente interesante.

Y es peor aún cuando tenemos la actitud de este filme. Esto es una desgracia, mucho para allá de los problemas de la conexion entre deporte y filme. Asi, tenemos Reynolds, él ex macho heroi de las pistas, que es probablemente el unico papel que ha actuado desde siempre. Tenemos Stallone, él viejo herói de guerra, que vuelve a la acción, salvar el dia cuando necesario. Y tenemos un conjunto de toros personajes clichés, estrellas ascendentes, tipos que luchan para ser ellos mismos, y sentirse libres. En todo caso, mira esto: todos los arcos pseudo dramáticos que se supone estar aqui existen en un mundo de relaciones humanas. Amor versus Sucesso, orgullo, afirmación personal. Aburrido, vulgar, hecho abajo del acceptable. No hay una única tentativa de filmar las corridas de forma interesante. Todo es explosiones y lesiones, monedas en las ruedas, colisiones, nada interesante.

Ah, la escena de salvamento por los dos lideres del campeonato consigue parecer ridícula incluso en el medio de este filme ridiculo.

Mi opinión: 1/5

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Suknickár (2005)

«Suknickár» (2005)
(Skirter)

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tejidos

Este es un filme hecho por un tipo que no es un cineasta asumido. Le gusta probar medios diferentes, que van desde la radio hasta el filme, de la collage hasta la palabra escrita. Asi, uno debería esperar una cierta libertad, o independencia de los códigos cinematograficos normales, que los cineastas normales utilizarian. Eso es algo que me hace querer verlo.

Me gusta lo que han intentado aqui. Una espécie de sensualidad, alcanzada com visiones parciales del cuerpo feminino. Esa es probablemente la propria definición de sensualidad, y fue tomada literalmente aqui. El hecho de que esto es un corto, y no obedece a un guión linear o completo protege esta visión, ya que no hay realmente personajes (femininos) para desarollar. El resultado es que uno puede imaginar lo que uno quiera, y sera siempre más perfecto que la realidad (independiente de lo que fuera) de tener caras para corresponder a esas piernas tan cuidadosamente fotografiadas, medio cobiertas por tejidos también cuidadosamente captados, con diferentes texturas y vistos con diferentes niveles de detalle. Piel es tejido, y queda tejido en muchos momentos.

Asi, la idea basica era buena. Pero ya la he visto mejor hecha, por este mismo director. «prilepek», que yo he visto hace 2 años en la gran pantalla fue mucho más eficiente, y creo que eso tiene que ver con dos cosas: -la historia general era más cariñosa en prilepek porque allí él centró las cosas en un tío, que por casualidad busca el amor en las piernas de las mujeres que pasan. De esa foram, él alivia la obsessión con las piernas y eso realza la sensualidad. -aqui el filme vive de acción real, pequeños planos, por veces abstractos, pero acción real. En prilepek, lo que tenemos es stop motion. Escenas reales filmadas con una cámara fotográfica. No tenemos 24fps, al invés tenemos trozos de realidad que nos dan aún menos para ver, y más para imaginar. Es un truco eficiente, que no tenemos en este, y eso quebra el efecto para mi.

Mi opinión: 3/5

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Being John Malkovich (1999)

«Being John Malkovich» (1999)

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viaje a tu (otro) Yo

Algunos filmes definen lo que tus sueños serán. Otros te ayudan a comprender la matéria de que tus sueños están hechos. Quizás estas dos ideas esten más cerca una de la otra de lo que yo creo. En todo caso, este filme pertenece al segundo tipo. Al menos para mi. Yo soy un romantico, incurable. Lloro delante del amor, no correspondido, verdadero. Además, los últimos meses han sido un período difícil para mi, tiempo de cambios, indecisiones, no con relación al amor, pero todo el resto. Asi, imediatamente me siento el personaje de Cusack, alguién a quien no dejan manipular sus marionetas. Por todo esto, este filme ya sería especial para mi.

Pero esto es cine, y es eso lo que lo hace importante para mi. Asi, en lo que toca al cine, lo que tenemos aqui es una mezcla entre un director inspirado y competente, dos de los mejores actores trabajando estos días (Cusack y Keener), una mente realmente interesante, que en verdad se deja para ser el palco del filme, literalmente (Malkovich), y uno de los mejores argumentistas de siempre.

La escrita de Kaufman esta, hasta un cierto punto, cerca de la de Medem. Ambos conceben el mundo como un cielo negro lleno de puntos brillantes, estrellas. Luego, sobre ese cielo, cogen un lápiz, y unen puntos, hasta que hayan dibujado sus constelaciones personales, hasta que hayan dibujado sus almas sobre el cielo. Si estás dispuesto a comprender lo que ellos han querido hacer con cada punto que han elegido tornar suyos, sabrás que estás en un mundo diferente, no separado de lo nuestro, porque lo intersecta, pero estarás verdaderamente «dentro» de la mente de alguién. No la controlarás, no la manipularás, pero serás un privilegiado. Sin embargo, la diferencia entre Medem y Kaufman, es que el primero siempre dirige las películas que escribe. Asi siempre tenemos una visión coordenada, que toca todos los pedazos de lo que vemos. Kaufman colabora, y en el proceso gana lo que los directores tengan para dar, pero corre el riesgo de ser mal comprendido. En este filme, todas las compensaciones y interpretaciones personales de los principales intervenientes me parecen perfectamente equilibradas. Esta es una experiencia dulce, algo que no olvidarás.

Spike Jonze tiene una carrera como director de videoclips, y eso se nota, él lleva la representación visual de las dramatizaciones con marionetas de Cusack hacía un nível alto, y eso es una pieza fundamental de la metáfora. Marionetas, la ilusión de una vida creada en palco, llevada para vidas encenadas en el mundo real. La forma como Schwartz tiene que tornarse otra persona para poder ser él proprio, para poder expresarse libremente. Para poder tener la ilusión de amor verdadero! Que drama profundo este. La forma como Maxine controla los controladores, engaña a los engañadores, manipula todos, incluso los que se supone que son manipuladores; solo para descubrir que no debería haberlo hecho. La forma como Lotte es la verdadera manipulada, y por eso la única que no es corrompida. La forma como Malkovich, en última análisis, no existe. La forma como Lester es lo más cerca de un Dios que tenemos en este filme.

Indecisiones, a medio camino entre lugares, medios pisos. Canales entre personas, personas como recipientes que pueden contener multiplas personalidades. Literalmente crear tu propria realidad, al confundir las definiciones de la personalidad. Esto tiene tanto que ver con amor como con el proceso de vivir ese amor. Tanto que ver con la verdad como con lo que la verdad significa. Tanto que ver con una historia como con la forma como se cuenta historias. Esto es tanto un filme como es un ensayo sobre filmes, sobre cine. Esto es una obra prima de auto-referencia.

Mi opinión: 5/5 probablemente «eternal sunshine..» ultrapasa este, pero el filme será parte de ti, si lo dejas.

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America’s Sweethearts (2001)

«America’s Sweethearts» (2001)

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vidas falsas falsificadas

Hay un cliché comun en comentarios a filmes, normalmente por espectadores medianos, la audiencia alvo para filmes como este, que es este: es bueno mirarlo porque te permite no pensar y olvidar el mundo real. Algo asi. Esto es engañador, claro. Nadie que piense va a parar de pensar delante de algun pedazo desinteresante de entretenimiento como este filme, y los que normalmente no se cuestionan tampoco lo harán, independientemente del filme que le pongan delante. Pero comprendo el significado del concepto de «no pensar», y este filme tiene un lugar de oro en el (enorme) almacen de filmes concebidos para no ser interesantes, simplesmente entretenimiento. Eso pasa porque sus creadores no han colocado pistas interesantes para seguir, no hay nada aqui.

Bueno, incluso en los pántanos crescen flores, asi que hay dos cosas que realzo aqui:

Una es John Cusack. Él es bueno, y trae algo renovado incluso a personajes desgastados como este. Él tiene una forma rara de ponerse entre la narrativa del filme y nosotros, espectadores. No es ni una persona real (como nosotros, espectadores) ni un personaje totalmente integrado en el filme. Al invés, parece que es una espécie de David Attenborough del cine, alguién que está en la escena de acción, pero confortablemente protegido por alguna vegetación, mientras comenta la cena peligrosa de los leones. Él es muy bueno.

Partindo de esta situación de Cusack, creo que tenemos en corazón de este filme. Tenemos 2+2 personajes, que oscilan todo el tiempo entre dos realidades distinctas en el filme: la de las estrellas, y la de la «vida real» en el filme. Absolutamente todo, todas las bromas, todos los trozos de romance, todas las discussiones, todos los puntos en el enredo giran al redor de la idea que actores famosos como los personajes de Cusack y Zeta Jones tienen dos faces, dos vidas; una que enseñan a todo el mundo, brillante y polida, y la realidad aburrida, infeliz, y desintegrada. Al final, Zeta Jones quedase con la realidad falsa de la fama, y por eso también se queda con el personaje igualmente falso que es el español; y Cusack quedase con el personaje de Julia Roberts, alguién que vivió toda su vida en la sombra de las estrellas, mirando y vivindo ambientes de estrella, sin ser parte de ellos. Hay un palco público donde todas las constataciones (por parte del público del filme y los personajes) tienen lugar. Esa es una regla de oro de los filmes de romance.

Asi, según mi opinión, tenemos esto: la vida «real» de los personajes de Jones y Cusack está para su perfil de estrellas, en el filme, como el filme está para las ideas cinematográficas realmente interesantes. Aburrido, muerto, vacío, pero intentando parecer brillante, polido, y atractivo. Pero bueno, entretiene, aunque no saques mucho de ello mismo si lo piensas. Supongo que por eso cumple sus objectivos.

Mi opinión: 1/5

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La noche del terror ciego (1971)

«La noche del terror ciego» (1971)

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Pega la mujer, y deja que te muerdan

En ninguno tipo de filme como la série b tenemos la pasión original de los creadores tan directamente transpuesta para las audiencias. Está todo aqui. Por el hecho de que hay pocos intermediarios en la producción de estes filmes, ellos son la cara de sus creadores, mirarlos es como estar allí cuando fueron hechos.

Otra cosa muy buena en estes filmes es la casi total libertad de sus creadores, con relación a las audiencias. Lo que quiero decir es que para cada género, terror en este caso, las personas que lo siguen esperan un cierto número de elementos. Pero una vez asegurados esos elementos (normalmente visuales), los directores pueden hacer lo que quieran. Claro que tenemos que aguantar los bajos valores de producción, pero eso es parte del viaje. Es la pasión que interesa, el hecho de que el filme está hecho es lo que cuenta. Y claro, especialmente despues de tantos años, todas las falsidades de la producción, desde las voces hasta la caracterización es adorable, un trabajo dulce de personas que adoran lo que hacen.

Asi, considera el género terror, estes filmes van desde el filme asustador «salto en el oscuro» hasta la exploración de un ambiente. Eso es lo que tenemos aqui. El filme invierte todo en dar una aura de misterio al viejo pueblo abandonado, que en verdad es simplesmente un convento, no un pueblo. Cada escena fuera de ese lugar habla del proprio lugar, la forma como todos parecen asustados con la simples mención del nombre del pueblo inventado te hace querer descobrir sus misterios. Asi tenemos paisajes rurales guapas, personajes que circulan allí por motivos aparentemente sin sentido, un pasado basura que rodea las dos personajes femininos principales, que implica lesbianismo, seguramente para motivar la presencia del flashback (aqui están las apariciones del sexo que las audiencias piden). Sexo, viejos mitos, cuentos esotéricos, viejas momias caminando por allí.

Y el convento. Aqui es donde las cosas empiezan a desiludirme. Eso porque ellos han elegido un excelente tema, templarios, pero no consiguen llevar la exploración visual hasta el nivel de la promesa. Los templarios tienen una longa tradición de esoterismo, del oculto, y eso se refleja en varias camadas, y para nuestros ojos contemporaneos, la face más visible de ese esoterismo es su arquitectura, lo que sobra de ella. Si no lo sabes, en un cierto momento los templarios fueron perseguidos y muertos y oficialmente extinctos, y rechazados por todos los países en Europa, con la excepción de Escócia y de Portugal. Con diferentes nombres, ellos continuaron su actividad en Portugal, y fueron piezas anónimas fundamentales de lo que se seguió, las empresas marítimas y el inizio de la globalización moderna, en el siglo XV. Lo que hicieron fue enorme. Asi, más que otro sítio cualquiera, Portugal tiene una grande concentración de lugares mágicos, locales esotericos, arquitectura de influencia templária. Confia en mi, yo he estado en muchos de esos sítios, y los he vivido de forma lúcida, son fabulosos. Pero en este filme, Ossorio elige filmar todo en Portugal, menos el único sítio que importa, el viejo convento, que él encuentra en España, y que no tiene ninguna relación con los templários. Que pena… Esta es mi queja, la localización del convento. Excepto por los viejos arcos de una iglesia que aún existen, el local no tiene interes, son viejas piedras, y viejos pedazos de paredes, sin significado aparente. En Portugal, él grabó cerca de algunos locales impresionantes, como pudo No utilizarlos? Eso si seria algo de «culto». Pero no, no tenemos nada de los percursos circulares ritualisticos de la arquitectura templária. Imagina esas momias ciegas, haciendo los rituales de los jinetes originales. eso seria asustador, independiente de la falsidad de las voces, o de las marionetas.

El machismo es gritante, y seria cómico si no expresara la realidad de la sociedad española (y portuguesa!) de hace 40 años. Cada hombre existe para dominar las mujeres que lo rodean. Tenemos el tipo bruto, bigote, pega a las mujeres, las viola, y aún es desado por ellas. Y tenemos el playboy retro que seduz dos a la vez. Las mujeres son objectos aqui, los jerseys son destruídos para que las tetas se puedan ver. Bueno, esto es exploitation básico, pero el machismo no lo es. Realmente las cosas eran asi.

Mi opinión: 2/5

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The Dancer Upstairs (2002)

«The Dancer Upstairs» (2002)

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conocer una alma

Por la forma como me afectan, para mi los filmes están en una de 3 categrías: -los que me hacen indiferente, incapaz de presionar cualquiera de los butones que estimulan mi mente y emociones, este es el peor tipo; -otros simplesmente son socos en el estomago, simplesmente te chocan, te forzan a encarar situaciones sin realmente escavar hasta su ámago; -el mejor tipo de filme mueve todo dentro de ti, te hace descubrir partes de tu alma que no sabías que existian. Te seguran donde interesa, y te llevan hasta territorios desconocidos.

Yo no podría adivinar que este filme estaría en esta tercera categoría. Pero está, a pesar de los fallos que no son pocos. Por su trabajo como actor siempre he creído que Malkovich es una persona interesante. Hay una espécie de lucidez perturbada que hace sombra incluso en sus interpretaciones más comerciales. También se miras sus opciones, él es uno de esos actores que participan en filmes basura para ganar la vida, mientras buscar tiempo para trabajar en lo que lo motiva. Por eso tenemos 3 participaciones suyas en películas de Oliveira. Aqui él intenta dirigir.

A la superfície, la historia fue una mala elección. Lo que pasa, y como pasa, es desinteresante, predizible y incluso incoerente. Pero hay algo muy bueno: somos llevados a pensar que vamos a mirar un thriller político, altas conspiraciones que afectan las vidas de las personas normales. El herói solitário que hará la cosa correcta. Ya que no he leído el libro, creo que aponta para allí. El inizio del filme danos es impresión de igual forma. Pero luego, Malkovich nos engaña, y empujanos sutilmente para un nivel más profundo de emociones personales, de desarollo de personajes a través de las relaciones entre personas. Al final, esta es una historia sobre un personaje interesante, aprisionado en un mundo corrupto y vacío, que intenta vivir una vida honesta, «looking for a more honest way to practice the law». Un poco como la carrera de Malkovich. Tenemos ese personaje muy bien representado por un Bardem muy concentrado, un actor método muy interesante. Su personaje vive polarizado por 3 mujeres: su mujer fútil, la hija a quien le gusta la danza, y la profesora de danza perturbada. La forma como él oscila entre las 3 es de lo que va esto. Por la forma como el contexto político intersecta la vida emocional de Bardem, creo que la historia ayuda, pero me pareció un fallo enorme que Malkovich no fuera capaz de hacernos comprender cuando deberíamos desistir de seguir el al final inutil thriller y concentrarnos en lo que seguramente él querría hacer, que era ponernos en la posición del personaje de Bardem. Se que Malkovich querría mejor, pero también este fue solo su primero intento.

La dirección es desigual. Tenemos diálogos mal editados que prejudican los actores y la fluidez de la historia, y algunas malas opciones en la sequencia de las escenas, que perturban la comprensión del enredo. Errores básicos. Peor que eso, por veces Malkovich pierde el controle y dejanos, espectadores, preguntandonos donde ir allí. Un filme tenso y concentrado como este requiere una dirección firme que Malkovich no siempre consigue darnos. Pero también tenemos pedazos honestos de cine puro y bello, que incluye performances. Entre estas tenemos una clase de danza, alternada con la muerte de 3 personaas en una performance de teatro, en que las audiencias de esa performances creen que las ejecuciones son parte de la performance. Y tenemos la escena final, una performance de la niña, con Bardem apresandose para llegar hasta allí. Esos y otros pedazos son poderosos, sinceros y tocantes. Si tuvieramos esta consistencia en todo el filme, tendríamos algo realmente poderoso.

Hay algo especialmente bien hecho: las localizaciones. Se sabe que Malkovich pasa tiempo en Portugal, asi que imagino que ha elegido personalmente algunos de los locales. En todo caso, ellos siempre traen algo nuevo, son un personaje permanente que encuadra lo que se supone que deberíamos ver. En este punto específico, él filme es consistente todo el tiempo. Creo que han pasado bastante tiempo elegindo los locales.

Mi opinión: 4/5 hay una alma verdadera detrás de esto, a pesar de sus fallos como filme.

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Death and the Maiden (1994)

«Death and the Maiden» (1994)

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rodear una idea

Esta es una de las casas cinematograficas para este director. Él nada confortablemente en estas aguas. Polanski pide muy pocos elementos para introduzir grande tensión en sus filmes. Por eso ha buscado enredos como este varias veces en su carrera.

Esto es muy bueno, la capacidad de cojer muy pocos elementos de escenario, en este caso una pequeña casa, y el paisaje que la rodea, y poner una narrativa allí. Es lo que tenemos aqui. La historia es suficientemente simples para no produzir distracciones, y el paisaje es ancho y suficientemente deserto para hacer el mismo. Lo que tenemos es todo un contexto que rodea una idea de verdad incierta, realidad provisional (para nuestros ojos). Por eso nunca paramos de pensar si Weaver está correcta o errada, si Kingsley es un violador o una victima. También Stuart Wilson lo hace, tiene las mismas dudas que nosostros, spectadores, y eso lo hace nuestro representante en el filme. Somos los juizes de nuestros veredictos. Toda la crueldad de un regimen inventado de un supuesto país de América del sur existe para credibilizar el mundo del filme. No tiene que ver con denunciar crimenes ni discutir política, como ha sido dicho. Igualmente, mucho se ha dicho sobre si el monólogo final revela o no la verdad; para mi mantiene todas las posibilidades abiertas, aunque parezca sincero.

Como idea, esto es tan simples como parece, y como todas las ideas simples, es muy difícil de alcanzar, mantenendola simples. Es allí que las cosas se tornan interesantes, cuando empiezamos a analisar los trucos cinematograficos que rodean y colaboran con la simplicidad de una duda simples que es lo que el enredo cinematografico denuncia.

Primero, tenemos el núcleo de la historia encuadrado, al inizio y al final por la música central, un cuarteto que da el nombre al filme, y que aumenta la consistencia del drama del personaje de Sigourney.

Tenemos la manipulación del paisaje ancho, con su faro. Este sentido de isolamiento verde, la poética del local, que cresce en nosotros ya que no los dan en pequeños trozos, hasta que se queda el palco final del drama real.

La casa. Esta parte interesa, ya que este es un filme de un director que realmente sabe como utilizar el espacio y incluirlo en el drama. Esto vale para un cuarto de hotel, un barco o una pequeña casa. Esto es lo que él ha hecho en toda su vida, en «knife in the water», su triologia de los apartamentos, bitter moon y este. Es algo que admiro, la capacidad para incluir el espacio que rodea los personajes en sus dramas y discusiones. Es una de las formas más profundas de incluir el espacio (arquitectónico) en cine. Orson Welles, Hitchcock (por veces), Polanski… todos ellos confian en su cámara para hacerlo.

Tenemos la actuación en el centro del sucesso del filme. Cada uno de los 3 actores envolvidos está en su mejor aqui, cada uno sabe donde ponerse y interpreta perfectamente lo que se le pide para que las cosas funcionen. Ambiguidad, para Ben Kingsley, una mente perturbada para Sigourney Weaver, inacción y indecisión para Stuart Wilson.

Esto es menos conseguido que otros esfuerzos, pero Roman nunca pára de darnos su mirada especial, y eso siempre vale la pena ver.

Mi opinión: 4/5

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Bitter Moon (1992)

«Bitter Moon» (1992)

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Exorcismo

El inizio de mi vida séria como espectador de filmes fue un momento especial. Ingénuo y probablemente no deliberado. Los filmes que he visto en esos primeros años me han quedado grabados, como una cicatriz que no saldrá nunca. Son especiales para mi porque en todos ellos puedo rever perfectamente las sensaciones que sentia cuando por primera vez los vi. Por veces, las ironias de mi vida llegan a mezclarse con las historias de las historias de los filmes, de forma rara y irresistible. Algunos filmes, de Medem, Almodóvar, Wilder y incluso Turturro, y este Polanski han definido en gran medida el percurso de mis sueños desde que los he visto. Y esta última década correspondió a un determinado ciclo en mi vida, ahora definitivamente encerrado. Ahora este filme, sobre lo cual una vez ya he escrito, de forma ingénua, vuelve a tener un papel importante para mi. Por eso lo volví a ver ayer.

Lo volví a ver practicamente una semana después de la detención de Roman. Este aspecto representa seguramente un cierre de ciclo para Polanski, y no es irrelevante que yo haya buscado el filme que inizió, en cine, ese ciclo. También para mi empeza una nueva fase de mi vida, y ya que esta que ahora termina empezó comigo mirando, entre otros, este filme, me parece que reverla sería un exorcismo adecuado al momento conturbado y de cambio que ahora vivo.

Lo que a mi me parece es que con Polanski, cada filme nuevo es (o era) una pelea personal para extraer las ansiedades de su vida en ese momento específico. Cada nueva tragedia, o cada nuevo acontecimiento en su vida corresponde a una nueva obra, que él hace con más o menos imperfecciones, pero que siempre está totalmente en línea con lo que él es. Curiosamente, mucho se ha dicho acerca de lo autobiográficos que son sus 2 últimos filmes, pero a mi lo que me parece es que su verdadera vida está reflejada, de forma sutil, pura y real, en sus filmes más antigos. Este cuenta. Este está en la fase inicial de un período que imagino feliz en su vida. Este filme, con muchos elementos que lo densifican, tiene que ver con Seigner, la entonces joven mujer de Polanski. 4 personajes, en un escenario perfectamente contido, idea que me encanta, y que va alternando con una historia pasada. 3 de esos personajes están obcesionados con la cuarta, la nuestra amante para la duración del filme. Claro que hay un sentido de humor muy característico, que probablemente Roman heredó de su ascendencia polaca. Ese humor se refleja en las fantasias sexuales, que o son estupidamente ridículas y cómicas, o están en una frontera desconfortable en que no sabemos si debemos encararlas por lo que pretenden ser, o por la ironia divertida que Polanski parece ponerles. Pero el humor también está en los insoportables pedazos de narración off, en que Oscar prueba su mediocridad como escritor. En todo caso, en el centro de esta historia tenemos una femme, incontornablemente parecida con Sharon Tate, un exorcismo de tragedias pasadas, un recuperar de vidas que él perdió, o dejó incompletas. Esto no es muy más biográfico que filmes que tratan temas dramáticos que el también soportó? Muy más significativo que «El pianista» o «Oliver Twist». Veremos lo que Polanski hará cuando toda esta historia terminar.

Para mi, la vida era diferente cuando vi este la primera vez. Todo era posible, todo era soñado. Yo era Oscar llegado a Paris, para quién todo seria tan natural como soñar, para quién la idealización de una vida coincidia con su materialización, y la pasaje de uno al otro sería apenas un paso inevitable. Ahora hay una persona, y me gustaría a mi empezar mi nueva fase divagando sobre ella, con tanta variedad y imaginación como todos los cuadros que Polanski imagina para su amante en este filme. Todas las posibilidades, todas las escenas. La danza, el sexo, la pose. Estos dos han sido seguramente felizes. Y es por eso que, por lo menos hasta 1 semana, Polanski ya no precisaba utilizar los filmes como exorcismos. Ahora solo tiene que hablar de los dramas, sin sentirse parte de ellos. Es este Polanski, que filma una mujer porque la ama que yo aprecio. Es esta sensibilidad y capacidad de nos dar belleza verdadera, esa que nasce de la sinceridad de los sentimientos profundos, vividos por quien tiene el coraje para eso.

En 12 de Agosto de 2003 escribí este comentario. La frescura ingénua en él comoveme ahora. No quiero apagarlo:

Deep and subject of analysis

I found this film extremely well done for several reasons I will nominate.

It debates some moral issues, how far is it acceptable for a society still full of consevative people, such as the one performed by Hugh Grant, to acept a relationship such as that of the main characters? It is totally at the border of normality (meaning normality not necessarily what’s good but what’s common). The film also touches strongly the theme of hipocrisie (probably wrong spelled, this word.) once more in the character of Hugh Grant who, despite showing all the time disgut and repugnace for the story he is being told, is always secretly desiring and wanting something equivalent to happen to him (this hipocratic attitude may be the result of growing up in a world and a society where this kind of sexual liberties and practices are repressed and in here once more we are taken to atrong moral issues which take us to rethink the whole thing…).

Apart from this questions this film makes me also think about the relationships between men and women… Is there an everlasting love? or at least an everlasting relationship?… Suddendly I recalled Schopenhauer who claimed that no man could be happy with only one woman… maybe this film is showing that he was right… the pace of the relationship between Mimi and the writer was so high that they just emptied all there possibilities very soon, but if we put that at the scale of a normal marriage, aren’t all the possibilities also tried at the end of 10 20 or 30 years? Can a marriage last happy for both till «death tears them apart» ?…

Besides this few topics of discussion (to which I could add some more if I just remembered them right now) I found this film very well directed with some beautiful scenes… also some strongs scenes that stay with us… Excelent performances for the three leading roles… Kristin Scott Thomas is also good in here but not so as in other films also because her somewhat small part in this one didn’t allow her to show more than she did. This film proves once more Roman Polansky as one of the greatest directors of our times, since he shows he is totally in control of every detail of direction (I enjoyed the increase of the speed together with the increase of intensity of the relationship among the couple). Good dialogues but specially excelent speeches of the writer whenever he becomes the narrator which is often… Also an excelent note for the soundtrack by Vangelis and other well known songs which appear along. A must see.

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Mi opinión: 4/5

Letyat zhuravli (1957)

«Letyat zhuravli» (1957)

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las ansiedades del mundo, y el espacio que las rodea

Cuando llevas en serio tu vida como cinéfilo, empiezas a decidir que cosas especiales te gusta mirar en los filmes. Esas cosas pueden ser tan sencillas como querer ver filmes sobre determinado tema (me parece superficial), o observar como ciertas cosas son tratadas. En mi caso, y porque soy antes de más un arquitecto, me interesa como se trata el tema en el cine. No tiene tanto que ver con la forma como nos enseñan el mundo construido (arquitectura), como inicialmente yo pensaba, sino con la forma como el espacio es tratado. No me interesa el cine ilustrativo, como las imagenes banales de la mayoria de los documentales de arquitectura. Me gustan las interpretaciones del espacio, formas de ponernos en esos espacios, submetidos a las intenciones de quien los filma. Dentro de ese rincón específico de las posibilidades que los filmes ofrecen, Kalatozov es uno de los directores más interesantes de siempre. Él trata el espacio. Al hacerlo, trabaja simultaneamente con encuadramiento, edición y especialmente movimiento de cámara. En estas experiencias, creo que deberíamos creditarlo junto con el genial Urusevsky, dos visiones locas que se complementan. Su trabajo maestro, sin duda, es Soy Cuba, que tiene que ser una de las visiones más perfectas del trabajo de una vida. Ese es un filme perfecto en practicamente todo lo que tu «ves». Este, para mi, prepara el otro, pero aún asi es una experiencia poderosa por si mismo.

Mira lo que tenemos aqui: -justo en el inizio, la geometria de la composición que incluye la piedra lateral de unas escaleras, la sombra de esa piedra, y el movimiento de los personajes en ese encuadramiento; -aún en el inizio, la escena de las escaleras. Todos los juegos que incluyen la edición, y esos movimientos bellos en que la cámara sube las escaleras en espiral, asi como los encuadramientos perfectos del pozo de las escaleras. Estas escaleras son una metáfora fundamental de la historia, y volvemos a verlas, medio destruidas, más tarde. Desde el punto de vista de la adecuación entre espacio/arquitectura/cámara, este es el momento más poderoso del film, que quedará hasta mucho después de mirarlo; -todas las secuencias en médio de la multitud. Estas tienen un pretexto, siempre el mismo, Veronika buscando a Boris, en el inizio para despedirse, y al final, aún esperando encontrarlo. Estas secuencias son poderosas porque nos sufocan, nos hacen sentir uno entre muchos. Son momentos espaciales fuertes que, a pesar de eso, utilizan muy pocos elementos construídos del ambiente. Al invés tienen que ver con personas y como nosotros/cámara y Veronika paseamos entre o a través de ellas. Esta es la verdadera naturaleza del ojo de Kalatozov. Poderoso.

Para allá de estas escenas, que me interesan especialmente, tenemos dos pedazos brillantes de edición, que probablemente deberían ser creditadas sobretodo a Urusevsky: -la violación implícita, donde sombra/luz, explosiones de bombas y una banda sonora con piano son la propria definición del drama de Veronika que seguimos. Edición perfecta, trabajo de cámara sutil, primeros planos perfectos (la face de Samoilova era preciosa); -la muerte de Boris. Para mi este es muy menos poderoso que el otro, pero aún asi funciona, y no es superficial.

Asi, en lo que toca a preocupaciones espaciales: tenemos encuadramientos geométricos; tenemos un movimiento de cámara y edición que se relacionan con el espacio arquitectónico; y tenemos una cámara espacial descorporizada que se mueve sin referencias construidas. Que glosario visual! Que podemos pedir más? Esto ya sería suficientemente bueno, pero Kalatozov/Urusevsky han decidido expandir aún más nuestras mentes, y nos han dado Soy Cuba. Que vidas extraordinarias, las suyas.

Mi opinión: 4/5

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