The Wrestler (2008)

«The Wrestler» (2008)

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honestidad

Este es un Aronofsky desapontante y una grande actuación de Mickey Rourke.

Lo que tenemos es un film sobre un actor. La lucha libre tiene todo que ver con actuación física, asi como el striptease. Asi tenemos Rourke y Tomei representando actores. Actores que representan actores, estamos en ese nivel.

Sobre Rourke: su personaje espeja su vida personal, probablemente fue por eso que lo elegiran, y seguramente por eso que él quedó tan entusiasmado con el papel, como él próprio admitió. Una antigua estrella, alguién que creó marcas duradoras en las mentes de quien lo vió en sus años dorados, pero que eventualmente queda una estrella desgastada, que actua en espectáculos menores, con una vida personal arruinada. Estes factos probablemente son la llave del sucesso de su actuación. Mickey Rourke no es tan sofisticado como actor como otros y porque pasó gran parte de los años 90 haciendo otras cosas y vivindo una infancia tardia, no progredió encuanto artista como otros actores. Pero mientras tanto, probablemente él vivió cosas tristes y terribles en su vida. Asi, ahora tenemos este. El motivo porque confiamos tanto en su actuación aqui es porque suena tan tristemente honesta. Aqui, él es tripa y corazón, está tan comprometido con su trabajo como el luchador que representa, cuya vida está en el ring. Rourke tiene una mente directa – uno solo tiene que conocer su pensamiento político para saberlo – pero también la tiene el luchador que él representa. Asi, lo que tenemos es un casting perfecto, y comprometimiento verdadero. Una actuación asi tan honesta debe de ser realzada, es raro asistir a esto. Mira la primera escena después de los créditos condensados y llenos de significado, cuando Rourke está sentado solo en una habitación vacía, en el bastidor de una actuación. Es una síntesis perfecta de lo que todo esto trata.

Ahora, esto haría una película simples de un director menor suficientemente buena. Pero esta fue dirigida por el hombre que nos dió «Pi» y «Requiem for a Dream». Asi que no es suficientemente buena. Ok, es un estudio de un personaje, la forma como la cámara sigue constante y ostensivamente el personaje de Rourke subraya eso. Esto debería ser un film sobre Rourke, y llego a admirar Aronofsky por se eclipsar para realzarlo. Pero al final no hay mucho que admirar aqui. Asi, como muchas veces pasa, esto no es una cuestión de lo que Aronofsky hace aqui, sino de lo que podría haber hecho, porque yo he visto sus otras películas. Algunas escenas de wrestling son buenas, porque él denuncia la falsidad de todo el espectáculo, y al mismo tiempo nos pone dentro de las escenas, contribuindo asi para hacerlas reales delante de nuestros ojos.

Mi opinión: 3/5 por Rourke.

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Fantasporto 2009

The Curious Case of Benjamin Button (2008)

«The Curious Case of Benjamin Button» (2008)

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regreso al pasado

David Fincher es una mente interesante. De aventuras anteriores, yo sabia que le interesaba la forma de sus películas, le interesaba crear una estructura, coerente con la narrativa pretendida. Con Seven, Fight Club y Zodíaco, senti que la estructura existia antes que la línea narrativa fuera vertida en ella. Esto es su parque de diversiones, y es interesante porque hay más en sus películas que la estructura que las suporta. Asi tenemos ideas visuales, que contienen emociones.

Aqui él intenta algo nuevo. Bueno, él está aún preocupado con la creación de una estructura sólida done poner la historia. En verdad, esta es su forma más longa, no tanto por la duración de la película, pero por el tipo de desarrollo que tiene. Una película que sigue una vida intera tiene que ser una de las cosas más dificiles de hacer en cine. Porque? Porque ese tipo de historia está totalmente enraizada en la literatura, no en cine. Es difícil comprimir la evolución de las emociones de una persona en toda su vida en imagenes. La literatura tiene la capacidad de crear canales instantaneos para la mente de uno. Intentar hacer eso en film es normalmente un desastre. Por eso es tan difícil encontrar buenos films que hablen de biografias (el llamado biópico).

Dicho esto, creo que este film está bien, porque lida con las disventajas de lo que hablé arriba. Intenta evitar lo predizible, la pereza que hace que se ponga las palavras como subtítulos de imagenes desinteresantes, y que siempre resulta en un fallo. Esta no es una película perfecta y aún está por hacer (o almenos no he visto) el film que cuente la vida de uno y que cambie mi vida.

Aqui tenemos un concepto bellíssimo que hace la película para mi. Esta es una historia de amor, ok. Pero lida con tiempo y espacio como las adversidades que los amantes tienen que enfrentar. Es una cuestión de 2 personas que luchan por su próprio espacio común, las condiciones para estar juntos, sea peleando contra la guerra o la rejección social (el modelo Titanic). Pero aqui, mucho más interesante, ellos luchan por él tiempo cierto. Las líneas de vida con sentidos opuestos (uno que queda más y más joven, otra que queda más y más vieja) permiten esto. Durante algunos años, por un cierto período de tiempo, los amantes pueden compartir su amor. Que idea bonita, que una pareja tenga que vivir en proximidad sin tocarse, sabendo todo el tiempo que están mirando el amor de sus vidas y aún asi tenendo que esperar el momento correcto, y después de ello tener el coraje de separarse otra vez. Esa es la idea destruidora que mueve este Benjamin Button. Fincher nunca había hecho una película asi, tan basada en emociones concentradas, un film construído sobre una estructura clara que podemos, a pesar de todo, descartar porque lo que interesa es su interior. En sus otras películas, la estructura y el contenido eran una sola cosa.

Esta es una historia de amor, notable, sensible, un cuento en un tiempo anti-romántico. Tal vez sea por eso que tiene tanta simpatia del público. Vientos de cambio? Tiempo que invierte su sentido?

Mi opinión: 3/5

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Blindness (2008)

«Blindness» (2008)

Fantasporto
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blanco espacial

En determinados puntos de sus vidas, muchos artistas sienten la necesidade de descer hasta los abismos de la degradación humana, de la ausencia de humanidad (o cambios de valores radicales). Son las catacombas de Piranesi, el infierno de Dante. Creo que el intento básico de este tipo de viajes no es tanto imaginar una realidad posible donde podríamos vivir sino espejar nuestra própria realidad, las partes podridas de nuestras existencias tantas veces ridículas. Exagero es un truco que los artistas varias veces utilizan para realzar lo que quieren decir. Blindness, la novella, fue la descida de Saramago, la pieza más negra de un pesimista negro y irónico (o un optimista de una otra humanidad). Meirelles, que había anteriormente hecho 2 películas negras, utiliza el libro para hacer su descida. Por curiosidad, él admitió que quería adaptar el libro y no lo pudo hacer, y luego dirigió Ciudad de Dios. La mezcla de ideas y mentes creativas es muy poderosa aqui, y el efecto realmente es lo que se pretendia. Esto es una representación bien hecha de un infierno posible, de una realidad posible, o de nuestra própria realidad (?).

Antes de avanzar para la película, debería decir algo. Hay un pequeño documental brasileño, practicamente desconocido. Se llama «Janela da Alma». Tiene que ver con visión, claro, con observación, sobre lo que significa para un conjunto de artistas mirar, ver. Utilizar los ojos para abrazar el mundo, y expresar sentimientos. Entre otras personas interesantes y artistas que colaboran, hablo de 2: uno es Saramago, él escritor de la novella de esta película. El otro es un fotógrafo ciego (me olvidé su nombre) que fotografa por intuición, obviamente sin se preocupar con el resultado final que él no puede ver, pero haciendo fotografias como un médio de llegar hasta el mundo. Es un concepto formidable, se piensas en ello. Recomendo que mires ese documental, antes o despues de este film. Podrás encontrar cosas interesantes en ello. Hay incluso una escena en este film en que el personaje de Ruffalo fotografa, por «intuición de ciego» como él mismo dice.

(posible spoiler)

Los arcos dramáticos aqui son semellantes a lo que tenemos en Irreversible. Aterrisamos directamente en el infierno, tan negro cuanto posible, desde el inizio, y subimos las escaleras en dirección a la luz. Por eso en este film no tenemos un prelúdio de lo que va a pasar. Es un truco poderos porque no nos permite ser racionales, como espectadores sentimonos tan en las oscuras como alguién que de repente pierde su capacidad de ver.

Basicamente, la película es un estudio de como la civilización seria sin uno de sus pilares básicos, la visión. «que pasaría si…?». Es simples y eficiente y, porque lida con visión, y el juego de sacarla, es puramente cinematográfica, literalmente visual. Meirelles obviamente lo comprendió, y por eso quizo adaptarlo desde el inizio. Todo lo que pasa es la consequencia de no ver. Várias cosas pueden sacarse de aqui: después de el choque inicial de la pierda de visión, las personas se adaptan, y crean conflictos, hierarquias, nuevos conflictos y nuevas hierarquias, pero se supone que nos identificamos con lo que vemos (y si tienes consciencia lo harás). Nuevos grupos son formados, nuevas amistades, nuevas «famílias».

Meirelles es un director muy bisual. Aqui, él es muy más alguién que «encuadra» que en sus películas anteriores, donde sus capacidades estaban más en el ritmo (edición). Bueno, aqui tenemos trozos muy buenos de edición, luego desde el inizio. Pero es muy más arquitectónico en su abordaje. Al final, el tema de pierda de visión y relación consequente con el mundo es puramente espacial. Es una cuestión de relacionarnos con un mundo hecho para verlo. Sendo un arquitecto ello mismo, ciertamente Meirells lo aprecia más y mejor que otros directores.

Asi, el juego visual que el juega es espacio, y colores (n&b). La fotografia es muy depurada, contrastando cuando tiene que contrastar, pero sobretodo desarrollada al redor de imagenes super expuestas, casi blancas, y la oscuridad total, que realmente tenemos durante unos 30 segundos en una escena específica, cuando Julianne Moore busca comida en un sótano.

Las actuaciones son buenas, Julianne Moore está en el topo del juego en la forma como es intensa sin explodir demasiado, y en como nos enseña una superfície mientre sugere que hay otras faces en su personaje. Asi, ella lidera, literalmente en la história, ya que es la única que puede ver. Todos los otros juegan el juego, excepto McKellen, que suena simplesmente arrogante como actor, el tipo que cree que el film (y todos los films) son sobre actores. Extraño, ya que él también fue un argumentista en esta película. El personaje de Glover fue interpretado por Meirelles como un alter-ego de Saramago. Su actuación es muy buena, a pesar de limitada en tiempo, y la voz off tiene el tono cierto. Una curiosidad interesante es que cuando lo vemos por primera vez, él escucha un rádio, y lo que escucha es portugués europeu. La voz off de Glover y ese radio son los detalles que Meirelles utiliza para decirnos quien es su narrador designado, la presencia de Saramago en la pantalla.

Meirelles dice que versiones anteriores de la película tenian un efecto más repulsivo, más negro y chocante, pero por influencia del estudo, él suavizó la versión final. Creo que podría haber sido más duro en ese punto. La história toda tenía también que ver con eso.

Mi opinión: 4/5 esto no cambió mi vida, pero ciertamente creó una marca en ella que durará.

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Revolutionary Road (2008)

«Revolutionary Road» (2008)

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llenando de vacío

En mi opinión, Sam Mendes hace poca cosa mal. Él tiene una visión cinematográfica de las cosas, e siempre es capaz de proponer un ambiente, y transcribirlo para el film. Asi, sus películas siempre son sobre un modo, y lo que él intenta hacer es algo que valorizo mucho: basicamente el film, como médio, deberá reflectir el film, como contenido. El film pasa las urgencias, expectativas, disilusiones de sus personajes para el espectador.

Eso es lo que tenemos aqui: un vacío. La película es sobre personajes pálidos, vidas ridiculamente hipócrtias, personas infelizes, sin el valor para enfrentar esa infelicidad («no one ever forgets the truth, you only learn to lie better»). La história no tiene significado por los factos en si mismos (puede que la novela tuviera un impacto social en sus dias), lo que la hace valer la pena es el ambiente que sugere, y que el film completa.

Asi, el esquema es sencillo. Mediocridad, estilos de vida de la clase média ridículos. Falta de ambición asumida y aceptada. Paris como sinónimo de auto-superación («it didn’t have to be Paris»). El personaje de Kate comprende sus frustraciones, y eso hace todo el drama desarollarse. Ahora, mira esta simplicidad transcrita para termos visuales: -muy pocos escenarios; la casa, el bosque, el local de trabajo, y pocos más con poco tiempo de pantalla. -la estupidez y palidez subrayada en cada diálogo, excepto por las líneas de Winslet y de Shannon. -la simplicidad en las opciones de cinematografia. El resultado es muy muy eficiente. Mira la película, y verifica lo que te queda solo unas horas despues… nada, solo una sensación de desconforto, de inquietud, de frustración por algo que parece faltar a la película. Tal como se siente el personaje de Kate. Comprendes? Kate Winslet es una de las mejores actrizes de estos dias, su papel era una lucha entre personalidad y submisión, voluntad de transcenderse y rotina. Ella lo comprendió tan bien.

Dos cosas interesantes:

Kate y Sam: pareja actriz/director. Ambos son interesantes como artistas. Hay amor. Podemos mirarlo en cada frame. Ted Goranson siempre realza los directores que dirigen a sus mujeres, y yo lo comprendo. Es un tipo de motivación extra. Para allá de las necesidades y intenciones artísticas que causaran en el director la necessidad de crear la película, tenemos uma camada de pasión porque él quiere conectar su arte a su amor. Es un concepto bonito, verdaderamente.

Aqui no tenemos Conrad Hall. Senti su falta. Ok, la intención era hacer una película altamente simplificada, asi imagenes fuertes y icónicas no eran tanto el tipo de juego que Mendes queria jugar aqui. Pero me hace falta la poesia de la luz, la poesia de los cuerpos, y el posicionamento de los cuerpos e la comprensión de las faces que Hall tenía. Él nos dejó mucho que apreciar, pero él y Mendes estaban tan perfectamente conectados en los dos films que hicieron juntos que me deja la sensación que algunas páginas no fueron escritas, y deberían haber sido. Pena. Roger Deakins hizo un trabajo muy competente aqui, mi referencia a C.Hall no es una depreciación del trabajo de cinematografia en este film.

Mi opinión: 4/5

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The Ice Harvest (2005)

«The Ice Harvest» (2005)

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Calor hielado

Justo ahora he comentado una película notable, ‘Caramel’. El motivo porque lo menciono es porque creo que ese film bellíssimo funciona exactamente de forma opuesta a este. Allí teníamos un ambiente, la película en si tenía su própria «personalidad», como si se tratara de un organismo vivo, y todos los personajes (que buscaban un ambiente semellante en sus vidas) estaban inseridos en ese contexto. Aqui tenemos personajes que intentan construir el ambiente de la película, con sus acciones. La película, en si misma, es un compartimento vacío, que los personajes deberán supuestamente llenar con lo que son como personajes, si, pero sobretodo como actores. El sucesso de esta abordaje está, claro, en la elección de los actores. Aqui tenemos Cusack, que es un valor acrescentado, desde luego. Admiro lo que él hace. Él tiene menos amplitud de recursos que otros buenos actores, como Depp, pero es muy flexible dentro de su tipo de actuación. Su mayor cualidad es la forma como comprende previamente lo que es necesário de él para que todo funcione y la forma como se insere como parte de los mecanismos del film. Él se mira como una pieza del juego. Connie Nielsen también es muy interesante, y curiosamente está mejor aqui que en ‘Devil’s Advocate’. Todos los otros actores simplesmente hacen sus hablas sin comprender muy bien la máquina exterior a ellos, con excepción de Billy Bob, que en verdad piensa que esto tiene que ver con personajes, y como él actua, y como él aparece, y como él, él, él…

Estos temas aparte, creo que hay una idea muy interesante aqui. Nada no tentado antes, pero aún asi interesante. No tiene una construcción narrativa especialmente interesante, en verdad es bastante predizible excepto por una pequeña sorpresa al final, pero consigue ultrapassar eses aspectos al tocar la tecla que más interesa a Ramis: la comédia. Aqui, tenemos comédia cuando sentimos que los personajes se desvian del tema principal, y ese es el aspecto interesante. El film es, aparentemente, sobre un robo, pero despues Cusack pasa la mayoria del tiempo en temas paralelos, el policía no hace idea de lo que pasa y aún intenta parecer bien delante de Cusack, para marcar puntos con la máfia local, que realmente son los que son robados. Los temas de família también entran en este campo. Asi, lo que tenemos aqui es una questión de establecer un tema principal, y luego focarse en los temas envolventes «menores».

Lo que suena mal es la sensación de que todo podría en verdad ser muy más poderoso de lo que es. Como si hubiera parado mientras caminaba para algo realmente bueno.

Mi opinión: 2/5

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