Inglorious Basterds (2009)

«Inglorious Basterds» (2009)

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Funciona, pero NO en el Ojo

He dado a este filme un tiempo de reflexión muy más grande de lo que normalmente doy a cualquier filme antes de comentarlo. Algunas cosas son intrigantes, no tanto por el filme en si mismo, sino por la forma como las personas reaccionan a él.

Este filme tiene cualidades, para mi Tarantino merece crédito por algunas cosas buenas, pero hay otros temas fundamentales que son importantes para mi y seguramente para otros cinéfilos. Lo que pasa es que el cine está basado en imagenes, hubo un tiempo, si buscas hace 8 décadas, en que la imagen era la única coisa en que los directores podiam confiar para contarnos una historia. Eso es narrativa visual pura, es lo Chaplin y Keaton hacian, Méliés, el increíble Pabst, de quien Tarantino habla en este filme. Esto significa que las imagenes, fuera por la forma como estaban secuenciadas, fuera por la forma como surgian, nos contaban algo. Quizás pudieramos resumir todo en unas pocas palabras para alguién que no hubiera visto la película, pero eso no significaria nada, porque «Ver» era lo que importaba. Te acuerdas de la última secuencia de «City Lights»? Se burlan del vagabundo, destrozado, derrotado. La florista que era cega, y que ahora puede ver (con la ayuda del vagabundo) asiste a la escena, se rie al inizio pero luego tiene pena del vagabundo. Ella dale una flor y una moneda, y mientras coge su mano descubre por el tacto que él era el hombre que le había ayudado. Ellos se miran, nosotros lloramos. Estas palavras no significan absolutamente nada si no has visto el filme, porque las imagenes SON el filme. Lo que pasa es que Tarantino sabe esto, él sabe como Mirar filmes, él reclama como suyas referencias algunos de los directores que más me interesan. Muchos son contadores de historias puramente visuales: Leone, Pabst, Hitchcock, Kar Wai. Tarantino lo sabe, y debe doler muchíssimo que ello no sepa hacer lo que ellos hacían. Él se comove (creo) profundamente por la preciosidad del plano Bye bye Babs, o los eternos 15 minutos iniciales de Bueno, Malo y el Feo, que Quentin cita en la primera secuencia de este filme. Pero él no puede hacer nada tan visual (o visual del todo) como esas escenas. Hay un conjunto de herramientas y ladrillos que construyen una secuencia, construyen un filme, que Tarantino simplesmente no domina. Encuadramento, temporización, edición. De un punto de vista puramente visual, Tarantino simplesmente filma, y tiene un talento especial para adecuar canciones a sus escenas. Yo no daría mucha atención a esto, si Tarantino fuera considerado por lo que es, un escritor de diálogos inteligente, con algunas ideas narrativas inteligentes, pero basicamente un director normal. Me parece peligroso que la consciencia cinéfila colectiva considere Tarantino como la grande cosa, el herdero de sus maestros. Él NO hace lo que los maestros hacían, por eso Habla sobre ello, y intenta Convencernos que está haciendo lo que los maestros hacían. Me llevó unas pocas semanas para llegar hasta aqui. Tuve que visitar a Tarkovsky y Kalatozov para que ellos confirmarn lo que yo estaba pensando. Lo han hecho.

Dicho esto, creo que este es el filme convincente de Tarantino desde Pulp Fiction, porque él dedica mucho tiempo a las dos cosas que hace mejor: construir diálogos tensos, y encontrar una estructura narrativa que sirva. En Pulp Fiction él la pide emprestada a Kar Wai, aqui se queda con capítulos episódicos. Los diálogos son fantásticos, construyen tensión y pocas veces he visto esta inteligencia en la forma como las lenguas se alternan. Tarantino saca mucho de sus experiencias anteriores, en la forma como utiliza conversa banal para hacer una escena avanzar, y lo hace bien. Asi, mira en la primera escena, lo que la hace buena no es lo que tu ves, sino lo que se dice. Para mi eso es buena escrita, no bueno cine, y es precisamente el opuesto de la referencia asumida, Sergio Leone. El mismo se puede decir del tiroteo en el bar. Es el diálogo que nos lleva al corto tiroteo final. Es esa mi opinión.

Hay una cosa muy interesante en el nivel narrativo. Somos conduzidos en el filme por 3 personajes hasta un palco final, un cine: Lada, Raine y Dreyfuss. Cada uno planea sus proprios filmes, y el filme externo que miramos es una mezcla de todos los otros. En el nivel más bajo tenemos los estúpidos nazis, que piensan que van para el cine ver el filme que han hecho, cuando son en verdad la comida para la sed de sangre de los 3. Al final, Raine se queda en el topo, a pesar de todo, pero claro que la línea que más interesa y impresiona es la de Landa. Está basada en la historia de detectives, con él siempre en el topo, hasta casi el final. La actuación de Christoph Waltz es excelente pero la escrita es muy inteligente, en todos los temas, en todas las reviravueltas. Visualmente, las mejores secuencias son las del cine, y claro que es bueno que todo tenga que ver con filmes, incluso el fuego es empezado, literalmente, por filmes.

La otra cosa formidable es el raro de escuchar David Bowie o temas inspirados en Morricone en la Francia ocupada. Es como la música de Alban Berg, que siempre da la impresión de se tonal y clásica, pero luego nos cambia las vueltas. Ese pastiche hace este filme ir para campos de ambiguidad y de género indeterminado. Muy bueno.

Brad Pitt es un tipo curioso, porque ahora él juega con su imagen pública, mientras nos da algo totalmente diferente de eso. Eso es algo que Clooney ya representa hace algun tiempo (miralos juntos en el proyecto de los Coen).

Me gustó muchíssimo el edifício del cine, el átrio es un espacio claro y bonito, muy bien filmado.

Mi opinión: 4/5

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Murder at 1600 (1997)

«Murder at 1600» (1997)

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casa vacía

Otra mezcla estúpida de escenas de acción desinteresantes con un ambiente de suspense falso asociado al enredo político.

Lo que pasa en estes filmes es que ninguno de los elementos que se supone deberían cojer tu atención es suficientemente interesante para hacer el filme valer el tiempo. Miralo:

– la acción es el olor de acción, como mucho. Unas pocas escenas de tiros, literalmente, el personaje de Lane es especialista en tiro, asi que todas las escenas de acción son aburridas y totalmente basadas en tiroteo;

– la historia es vulgar y inutil. Mira lo estúpido que suena: tiene algo que ver con algunos tios que presionan el presidente de los EEUA, presionando su hijo, al implicarlo en el asesinato de una de sus amantes. De esa forma ellos chantagian al presidente, forzandolo a elegir entre su posición y la reputación de su família. La idea era sustituir el presidente para que los malos pudieran enviar algunos pocos soldados a la Corea del Norte para libertar otros soldados… Ah, y el cerebro malo era un amigo y colaborador próximo al presidente;

– el punto anterior no debería interesar. Puedo contar dozenas de filmes con enredos igualmente estúpidos que valen la pena el tiempo, porque ponen en esas historias vacías elementos que interesan. Pero aqui no hay nada que lo soporte. Lo que Snipes hace solo funciona cuando la historia lo permite (demolition man), la dirección es banal y aburrida, no hay nada para ver aqui;

Diane Lane si, tiene presencia. Ella no es una actriz especialmente interesante, pero posa bien, y tiene una mirada enigmática que atrae. Habría sido una excelente femme fatal, si hubiera trabajado hace 60 años.

Mi opinión: 1/5

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Victory (1981)

«Victory» (1981)

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baile aburrido

Este filme mezcla esporte con ideologia, significando eso que el juego (fútbol en este caso) representa cuestiones morales y humanas. Quien gana el juego prueba la justicia de sus actitudes. Nazis contra Aliados, los nazis hacen trampas. Para allá de alguna ambiguidad en el personaje de von Sydow, no hay concessiones en respecto a la maldad de los nazis. No hay posibilidad de redención entre ellos, ninguno personaje que valga la pena. Asi, por la forma como el filme lida con la perspectiva del público sobre la Alemania nazi (no las hierarquias de topo, pero los otros) este filme está en el mismo nivel de filmes como, por ejemplo, Casablanca. Es una cuestión de orgullo que se sobrepone a la maldad, justicia que se sobrepone a la trampa.

El filme empieza con la marcación de un juego de fútbol, y termina con ese juego, asi que todo él es una preparación para el juego. Ese juego es un evento teatralizado, tiene lugar en Paris para que tengamos una audiencia apoyando el lado «correcto». En termos dramáticos, esto tiene el mismo efecto que tendría una performance teatral, o un discurso público (es como si la vitoria final de los aliados en el juego fuera el equivalente al discurso de Chaplin en el Grande Dictador). Asi, porque no resulta esto donde Casablanca y The Great Dictator funcionaban? Bueno, simplesmente porque esto fue hecho en 1981, la guerra había terminado hace mucho, el regimen soviético vivia sus últimos años reales, y el contexto era totalmente diferente. Ya no interesaba tener declaraciones desesperadas de honor contra un regimen que en ese momento era ya pasado. No creo que el tema de filmes sobre la segunda guerra esté muerto, aún hoy los hacen, interesantes y renovados. Pero este tiene una visión simplista y directa que solo se justificaba durante la guerra, cuando el horror nazi aún se ocurría. Este, en su contexto y en la forma como está hecho, es simples y vulgar como un filme de propaganda.

El filme representa fútbol. Creo que es tan difícil representar el fútbol como la danza. Pero el fútbol fue menos utilizado, asi que hay (aún) menos soluciones interesantes para filmarlo. Lo que pasa es que, tanto la danza como el fútbol implican movimiento, los jugadores más elegantes son, ellos mismos, bailarinos, que consideran la pelota, el oponente directo, y la situación general del juego. Para capturar este movimiento de forma interesante, uno tiene que confiar en una cierta fluidez de cámara. Esto puede hacerse de dos formas: -encuadramientos fijos, donde el movimiento de jugador tiene que hacer el plano valer la pena (opción segura y aburrida); -la cámara juega con el jugador, y los otros elementos, y asi entra en la «danza». Sinceramente, no he visto la segunda opción bien hecha con el fútbol nunca. Este filme pierde una oportunidad dorada para hacerlo. Eso porque en él participa uno de los jugadores más elegantes de siempre. Alguién que bailaba como nadie antes o despues de él, no tan fluido como Maradona (o Messi), pero quizás más excitante en los momentos de «uno contra uno». Él hace algunos trucos curiosos para la cámara, pero ninguno es utilizado competentemente, y por eso se soman al aburrimiento general del filme. Me gustaría que esto se hiciera bien algun día.

Esto sería apenas una desilusión menor, pero lo que pasa es que este filme fue dirigido por alguién que antes solía pensar en el cine, para allá de simplesmente dirigir. Huston hizo cosas importantes. Pero la verdad es que sus puntos fuertes estaban en la narrativa, la forma como la historia está hecha, y como es contada. También es sabido que, hacía el final de su carrera, él era simplesmente un operario que trabajaba por un cheque. Pena

Mi opinión: 2/5

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Demolition Man (1993)

«Demolition Man» (1993)

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Elegia a John Rambo y al Pasajero 57

Este filme es muy gracioso. Muy, muy gracioso, si lo pones en su contexto, y si consideras sus protagonistas.

Esto tiene, claro, un princípio orwelliano. Eso es seductor, en general. Es el juego de imaginar una sociedad en un futuro más o menos distante, donde se vive en una situación extrema muy definida – en verdad el modelo original de Orwell para una sociedad asi era el bastante real regimen soviético. Un amigo me ha alertado para el último nombre del personaje de Bullock, seguramente no una coincidencia. Creo que hay dos formas variables para crear estos mundos. Una es cuando, desde el inizio, tu puedes ver el lado maléfico, y la crueldad y injusticia del mundo imaginado, y esa maldad esta normalmente asociada a un regimen (político/militar) cruel. Esas versiones derivan de 1984 («V de Vendetta», por ejemplo). La otra versión es cuando descubres las fragilidades y grandes defectos de un mundo aparentemente positivo, que empieza por seducirte. Este filme es uno de esos. Asi, empiezamos con un mundo perfeccionado, al invés de un dictador tenemos una espécie de demiurgo (que viste como uno, y tiene el nombre de un artista importante, alguién que crea). Descubrir lo que está por detrás de esas «perfecciones» y comprender que un mundo perfecto no es necesariamente un mundo humano es donde esto va. Es predicible, no especialmente bien escrito, pero el mundo es creíble y permite el desarollo de la historia.

Ahora, para mi esto es accesorio. Lo verdaderamente gracioso en el filme es el lugar que ocupa en el contexto de los filmes americanos de acción. Basicamente, este filme y otros del mismo momento, introducen la idea de auto-conciencia en el contexto de la acción. El filme ríese la acción americana de los años 80, y cuenta con Snipes y Stallone para hacerlo. Eso es muy bueno. Asi es como la escrita del filme saca ventaja de la realidad futura donde dos tios del pasado (1 bueno y 1 malo) son descongelados. Asi, en este nuevo mundo, nadie hace idea sobre los métodos del pasado, y hay que explicarlos, asi que lo hacen todo el rato. Esos métodos son bárbaros, atroces para esta nueva sociedad purificada, asi que las viejas figuras de acción son chocantes, y inicialmente repelentes. Considera que esto fue hecho en 1993, los años 80 habían desaparecido, las audiencias estaban cambiando, y ese cliché Rambo estaba cambiando. Esto significa que las personas en esa altura (y ahora) no estaban ya en línea con la acción de los años 80. Asi, Sandra Bullock y los nerds de su futuro son nuestros representantes en el filme. Ellos miran la destrucción material excesiva y inutil de Stallone con los mismos niveles de incrediblidad que las audiencias. Eso es muy bueno. El mismo año, tuvimos el muy desvalorizado «Last action hero», protagonizado por otro florero de la acción de los años 80. El mismo juego, la misma diversión. Estos filmes fueron importantes en su contexto específico, han cambiado las páginas de un género.

Te acuerdas cuando Richard Crenna hizo broma con su coronel de Rambo en los filmes Hot Shots? Es ese tipo de auto-conciencia de que hablo (pena que Stallone no lo hubiera dejado allí, y ahora vuelva al Rambo).

Hay muchas cosas vulgares en esta película, la verdad, pero mira, no me importa. Me hace reír.

Mi opinión: 4/5

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Tango & Cash (1989)

«Tango & Cash» (1989)

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Arma letal + Die Hard

Esto es vieja escuela por ahora. Es bueno mirarlo, a estas alturas esto ya tiene el polvo que en general hay en lo que llamamos «clásico».

El raro aqui es que si este filme se hiciera hoy, dificilmente podría llamarse acción. Con la excepción de la última secuencia, de «mira como disparo» vulgar, la mayoria de la película está hecha de diálogo gracioso y incisivo. Eso pasa porque el filme está hecho sobre la tradición de Arma Letal. Dos personajes, personalidades opuestas, unidos por su sentido de justicia, separados por sus métodos. Una mujer por el médio, convenientemente colocada (como la hermana de Sly) para agudizar las disputas entre los hombres (la hija de Glover en Arma Letal). La diferencia es que al invés de Gibson/Glover, aqui tenemos Stallone/Russell. La primera pareja era acción vs comodidad, y allí estaba la graciosidad; aqui tenemos dos tíos ya conocidos por su aparencia física, y la fricción existe en la competición, porque cada uno intenta probar que es mejor que el otro. En un otro plano, es curioso mirarla porque tanto Sly como Russell rien de su personaje en el filme, asi que hay un sentido de ironia y relaje con relación a los filmes de acción de los años 80 que a mi me va. Todo el resto sigue esas premisas, planos estilizados, concebidos para fotografiar músculos y el diálogo soporta eso. Una espécie de Rambo mezclado con Mclane.

La otra cosa que interesa aqui es el interes de mirar la dirección de un antigo colaborador de Tarkovsky! Un hombre que empezó su carrera compartindo créditos con uno de los mejores directores de siempre, y incluso participó en algunas de sus experiencias realmente importantes. Luego, Konchalovsky fue para los Estados Unidos, y tuvo una carrera con un pie en Hollywood. Eso ya es sorprendente. Luego, que él haya dirigido a Kurt Russell y Stallone hace la película valer la pena, solo por eso. La desilusión es que, aparentemente, lo que uno podría esperar de Konchalovsky y su herencia russa no está aqui. La dirección es firme, pero no especialmente inspirado. Su carrera, sin embargo, es interesante por sus características únicas.

Mi opinión: 3/5

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Public Enemies (2009)

«Public Enemies» (2009)

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sombreros vengadores

Algunos géneros se renuevan permanentemente, porque apelan a partes de nuestra imaginación que nunca se desvanecen, independientemente del contexto político o del momento ideológico en que uno viva. Esos son los casos de los filmes románticos, de miedo, o mistério. Otros géneros desaparecen y reaparecen, y cada regreso depende, cuanto a mi, de lo que el público pida en ese momento específico. Ese es el caso de los filmes western y de gangsters. Eso pasa, creo, porque ambos los géneros lidan con personajes heróicos (o anti-heróis) extremos. Esos personajes siempre representan algo, normalmente altruísta, normalmente encuadrado por un concepto superior o una moral que ultrapasa la «ley», y busca lo que realmente interesa. Ahora mismo estamos vivindo algo a que los media llaman de crisis, y que, aparentemente, tiene algo que ver con incompetencia, corrupción, algo que ver con los que tienen alguno (o mucho) poder lo utilizaren para sacar de las personas ciegas, que ahora mismo luchan para mantener lo poco que tienen, mientras los poderosos se lo pasan tranquilos. Esta es la historia que las personas normales aceptan como el resumen de lo que está pasando ahora mismo. Por eso, es altamente deseable hacer un filme sobre un hombre como Dilinger, alguién que, en otros tiempos, de depressión más profunda, fue el herói de las personas infelizes. Una vez más, hoy como en esos días, las personas se sienten insatisfechas, y necesitan luces, que no vengan de las clases superiores desmerecedoras, pero de la porta al lado. Es en ese punto que tenemos tipos retratados como heróis, y policías como los malos. Hace 20 años, Untouchables apresentabam una visión bastante diferente. El cine refleja la vida, sin ser vida.

Pero hay más en esta película que la simples pertinencia de su historia. Michael Mann es un director interesante, uno que realmente sabe como crear canales con los cuales uno pueda mirar a los mundos que él propone. Él construye sus filmes no sobre los dispositivos narrativos, que son lineales y normalmente predizibles. Al invés él hace una mezcla interesante de personajes, construyendo un ambiente con ellos. En sus filmes los personajes no existen como pedazos del mundo que los contiene. Al invés, ellos crean el tono de ese mundo. Ellos no existen en un mundo, el mundo existe en ellos. Nosotros, como audiencias, estamos envueltos en ese mundo, como si fueramos capturados por una pelota de nieve, que empiezó rolando mucho antes que yo la mirara. Para esto, Mann utiliza el encuadramiento cuidado de los detalles, el distanciamento de los establishing shots, que existen pero no definen el ambiente. Por eso tenemos los detalles de los espejos de los coches, reflejos, y sombreros cuidadosamente fotografiados. Tenemos eso porque John Dilinger nos dice que es allí que vamos a vivir.

Dos escenas poderosas a notar. Una es cuando Dilinger entra en el departamento de la policía que lo investiga. Claramente suena como un pedazo inventado inserido en una línea narrativa real, y por eso la escena no trae nada en el desarollo narrativo. Pero es un gran trozo de adecuación visual/sonora. La otra escena es la secuencia final, que empieza en el cine y va hasta el final. Dilinger entra, acompañado por dos prostitutas que sabemos que lo estan traicionando. Ellos miran un filme de gangsters, con Clark Gable. De allí en delante, alternamos entre escenas de ese filme, con Depp mirandolo con mirada premonitória, y la policía fuera del teatro, que se prepara para lo coger. Todo esto está encuadrado por la música. Hay un juego de tener el filme de Gable, proyectado sobre los sentimientos de Dilinger en ese momento, y hay la policía, liderada por lo personaje de Bale, proyectado sobre nosotros, espectadores, que miramos Dilinger sabendo lo que le va a pasar, mientras él nos devuelve la mirada, anunciando que también él adivina lo que va acontecer, ya que la película que está mirando le «dice». Este juego simples de correspondencia, soportada competentemente por la música llena la tensión. Muy bueno. El final, sin música, y la secura directa con que el policía cuenta a la amante de Dilinger que él ha muerto es contrastante y devastadora. Esta secuencia final es preciosa.

Tengo sin embargo una queja importante. Mann filma en HD, y está explorando el médio. Pero porque el HD captura tanto detalle en cada imagen, es más difícil iludir el espectador, cada pequeño fallo en edición, cámara o actores es realzada hasta una proporción enorme con relación al filme o dv. Este filme está lleno de momentos que simplesmente parecen mal editados. Creo que esto solo se nota cuando lo miras en la gran pantalla, asi que el filme probablemente ganará algo con la transición para los formatos caseros. En todo caso, esto distrae.

Mi opinión: 4/5

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Up (2009)

«Up» (2009)

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quebrar la pantalla

Tenía algunas expectativas con relación a este filme. No creía que podría ser tan meditativo como Wall.E, pero esperaba para ver lo que Pixar podría hacer. Ellos son líderes en la animación digital, y cas todos sus filmes han traído algo nuevo, en relación a sus experiencias anteriores. Aqui, no esperaba que el filme, en su todo, pudiera ser tan atractivo como los últimos 2, pero realmente esperaba ser sorprendido por el 3D. El enredo me agradaba: esta era su primera película en 3d y el enredo básico parecia anunciar el desafio que iban a coger: una casa voladora, que viaja una buena porción del globo, que vuela sobre ciudades, y aterrissa en una enorme y profunda catarata. La descripción ya es espacial. Ya que habíamos tenido Ratatouille hace solo 2 años, yo pensaba y esperaba que el abordaje pudiera ser espacial, subrayado por las posibilidades del 3D. Bueno, me equivoqué. Al final este filmes es lo más plano de todos los filmes Pixar de los últimos 6 años, aún más que Nemo (que yo creo que tenía posibilidades similares y no lo conseguió por motivos similares). El 3D es solamente un subrayar de escenas planas, composiciones mundanas, y trabajo de cámara que no impresionaria ni si fuera acción real. Pueda que yo haya puesto mis expectativas donde el estúdio no las tenía, pero realmente queria que hubieran hecho más con esto. A ver, en el cine donde la he mirado, vi un anúncio en 3d de Vodafone, jugando con ese logo esférico que ellos tienen. En un cierto momento, tenemos muchas esferas en la pantalla, y el 3d las hace «saltar» fuera, y parecer que me van a pegar. Esos 10 segundos son más lo que yo esperaba que el 3d pudiera hacer que todo el filme.

Bueno, hay cosas atractivas aqui, el corto inicial es, como normalmente, bastante significativo, en este caso tiene algo que ver con el acto de creación, como sinónimo para un nascimiento. Tenemos nubes, que crean, y cigueñas, que distribuyen. Una nube especificamente crea lo que ninguna otra crea, siempre seres peligrosos, y la cigueña sufre fisicamente con eso. Interpreta como quieras pero yo creo que es significativo si consideras los artistas (creadores) y la relación con una audiencia y la respuesta a las expectativas de esa audiencia.

El filme es bonito, visualmente, no texturado en la forma sublime como Wall.E lo hace, pero bastante ambicioso en el uso de los colores. Aún pienso que Dreamworks está un poco adelantado en lo que toca a la modelación de caras, pero estos personajes están cada vez más vivos.

Creo que lo encontrarás gracioso, si es lo que buscas. Yo queria alguna de la ambición de otros filmes.

Mi opinión: 3/5

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