Fresa y chocolate (1994)

«Fresa y chocolate» (1994)

Directores: Tomás Gutiérrez Alea; Juan Carlos Tabío
Guionista: Senel Paz

Género: Drama / Comédia

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Salir a la calle

El cine es, en si mismo, una arte, y no una soma de artes. Eso pasa porque tiene aspectos especificos que no pueden ser repetidos por otras artes. Ahora, lo que hace cine una arte en su próprio derecho es discutible pero siempre tendrá algo que ver con imagenes en movimiento (o la dinámica de imagenes estáticas):

. contar una historia
. un modo, ambiente, atmosfera
. factos

Todos los 3 merecen exploración. En Fresa y Chocolate, el problema es que hay una aparente mezcla de los tres, que puede existir, pero no como hecho aqui. El truco fue claro y aparentemente eficiente: una historia simples dentro de la Historia. Olvida la historia simples, es lo menos importante. La Historia es todo el contexto de Cuba. Vete al general, realza un episódio (que puede o no contar factos) y con eso hace la atmosfera, el ambiente. Ese último paso fue lo que no resultó aqui. Y eso fue por unaindefinición del «ojo» de la cámara. Todos los ingredientes, todas las señas para ese mundo contenido (una isla) y su contexto específico, deberia ser dado. Yo estuve en Cuba, no hube mucho faltando para mi, conozco lo que no miré en la película, pero eso proyecto perdió mucho con el enfoque excesivo en el diálogo (que podria por su conteúdo surgir integrado con la atmosfera), asi como por no haber un ojo para las calles, para las personas, para la ciudad. Tenía todo para ser una película sobre una ciudad. Historia integrada con el espacio, ya que la historia que nos cuentan es típica, una entre muchas. Podrán haber existido problemas políticos, y asi tiene mucha importáncia que esa pudiera haber sido hecha, tratando asuntos locales tan pesados. Pero esta es mi mayor crítica, Gutiérrez Alea tenia un ojo excelente para el retrato, y para poner historias en un contexto, pero le faltaba el sentido de lugar, hablando de sentidos (la atmosfera de que hablé antes).

A pesar de eso, es un bon documento, podrá justificar su tiempo de duración, los personajes se desarrollan de forma excelente, y las actuaciones son también excelentes. La casa de Diego (y los diálogos que aparecen junto con ella) tienen excelentes pensamientos implícitos, los diálogos están llenos de mensajes (no he leído la historia original), de una forma a veces no muy sutil. También dejo una excelente nota para el uso del color (muy cubano)

Mi puntuación: 3/5

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Lisboetas (2004)

«Lisboetas» (2004)

Director: Sérgio Tréfaut

Género: Documental

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Binoculares

Lisboa es una ciudad construida sobre colinas. Caminando junto al rio, defronte de lo casco historico iluminista de Pombal, construido sobre los destrozos del terremoto de 1755, podremos ver a todo el centro historico, protegido por el castillo. Grán vista. Subimos, alcanzamos ese castillo, y miramos abajo, la vista opuesta, abrazada por el rio, también magnifica, también bonita. La luz es especial, todos los amantes de cinema deberian conocerla, Wenders la conoce (Lisbon Story). Los colores son ocre, amarillo pálido, rosa acuarela, y tejados rojos de arcilla. Cuando llegarmos al castillo, cogemos un par de binoculares, miramos a toda la ciudad, al otro lado del rio, y atentamente las partes viejas. El amarillo se queda azul vivo, tendremos negro y blanco, grandes contrastes, y una ciudad que no viene en los postales. A través de eses binoculares, podremos mirar a esa película.

Lisboa, multi-cultural, ciudad de superposiciones. Muchos idiomas, muchas culturas, muchas diferencias. Estoy feliz porque mire a esa solo unos dias despues de mirar a Alice. El mundo expuesto aqui es el mundo que hace Alice posible. Ese hace la forma del mundo de Alice. El tema de la imigración es, al mismo tiempo, un de los fenómenos más naturales de nuestro tiempo global y un de los más explorados por todo el sistema. Eso danos un bueno retrato, desenmascara vanidades, sentimientos de progreso y futuros felizes. Claro que no es constante, la peli. Tiene planos muy bonitos que combinan con sencillez música, sonidos de rotina, narración «off voice» y planos de la vida real. Pero también tiene escenas sin qualidad cinemática, utiles pero sin arte, o escenas filmadas en una forma casi amadora. Claro… Pero tiene un lugar especial por lo que mostra y por los problemas que trata.

Esta construido con cuadros, discontinuidad de personajes, discontinuidad racial, discontinuidad de idioma, discontinuidad de color, discontinuidad de ambiente. Como las grandes ciudades hoy.

Eso esta hecho con arte, y Tréfaut sabe lo que hace. Mirala y pone Alice a tu lado, para vuelos cinemáticos más altos.

Mi puntuación: 4/5

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Alice (2005)

«Alice» (2005)

Director: Marco Martins

Guionista: Marco Martins

Género: Drama

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Chaqueta azul

Hay mucho para decir sobre ese. Es fantástico poder apreciar una peli asi, vivier el momento en que eso finalmente pasó. No conozco mucho a Marco Martins, no habia escuchado de el antes de ese (y praticamente nadie lo conocia). También no se que va hacer de seguida. Pero pongo ese junto con un número muy pequeño de primeras tentativas «dificil-de-hacer-mejor» por caulquer director (una lista que inclui pelis como «a bout de souffle» o «citizen kane»).

La ciudad es el tema. Olvida la historia. Esta alli. Punto. Cumple el objetivo de llegar a una ciudad dificilmente conocida en la pantalla antes de ese. Punto final. Es todo que hay para decir sobre la historia.
Asi, ese logró sucesso donde «Ossos» y «O fantasma» fallaran completamente; en filmar Lisbona sin clichés, sin imagenes preconcebidas y «aquecidas». El tiempo evolui, el cine tiene que evoluir junto. Esa película es acertar cuentas con el tiempo.

La ciudad viene a «zero», aqui. Las pantallas (cuantas vemos durante la película?) que pertencen a el personaje de Lopes son el lienzo donde las acciones se dibujan a si mismas, en azul. La cámara (que es, en mi punto de vista, un joven director visionário) intenta fijalas, hacerles eternas, todas las escenas, por todo lado. Lopes (el actor, en la peli y vida real) intenta llegar a esas escenas, el participa, aunque puede aparecer, pero nunca controlarlas. Asi, tenemos el actor como un peón, siempre expuesto, nunca controlando. Eso es cine, y Mário (Lopes) lo comprende en el momento en que mira 10 veces a sua rosto en las pantallas de una tienda. El aunque representa a una pieza, una comédia, dientro de la pieza que es la película. Doble manipulación. Grán material! El es un actor, manipulado para aparecer como ese director visionário quiera, y el representa otro actor, que es obligado a representar algo en lo que no esta minimamente interesado, para poder continuar con sus otras actividades, que el piensa que controla, pero no controla.
La cámara puede ser «dios», un personaje, o puede coger un personaje y seguirlo. La cámara puede ser el espectador, nuestra curiosidad en movimiento. Aqui, la cámara es un ambiente, un paisaje espiritual, como la música. Es un punto en el infinito, asi que no interesa si enfoca o desenfoca, o que enfoca, el primer o segundo plano, coches pasando, personas extrañas a las escenas (casi todas las personas son extrañas aqui). Los enquadramientos «libres», el caos aparente, la cámara aunque aparentemente sin control. Eso es Lisbona.

A pesar de todo, no miro eso con el optimiso (ni el escepticismo) del apreciador de cine medio portugués. No veyo ese como «un nuevo camino que podrá cambiar el cine portugués para mejor definitivamente». Una película, en especial con esa base de «cine de autor» no podrá nunca cambiar toda una indústria (inexistente) de cine. Pero creo si que, de un punto de vista cinemático; esa tiene mucho valor, y un lugar especial en mi estante.

Los diálogos son sutiles, correctos, rigorosos. La música puede bien ser la única aparición de la desaparecida Alice. Fotos, flyers, Alice ella misma al final no cuentan. Esa es una de las mejores bandas sonoras minimalistas de siempre. Glasse haria todo diferente con Koyaanisqatsi si pudiera haber mirado a esa antes. Pero ya que hablo, eso es tan mejor que el cuento moribundo sobre industrialización de Reggio…

La ciudad es azul, como la chaqueta de Alice; el siempre persegue el azul… y siempre el azul se le esquiva. Piensa en eso. Se deberia mirar a ese junto con «Lisboetas». Este en primer lugar.

Mi puntuación: 5/5 un ensayo cinemático fantástico.

P.S. – Solo siento que mirando a los extras pienso que todo eso fue suerte, y que nadie envolvido tuve un único pensamiento sobre lo que he dicho. Deseaba que el material extra pudiera ser mas util que solo curioso (podria ser los dos).

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Teresa, el cuerpo de Cristo (2007)

«Teresa, el cuerpo de Cristo» (2007)

Director: Ray Loriga

Guionista: Ray Loriga

Género: Drama

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Lucía con un manto

Trabajo perfeccionista, pero inutiles las ideas pasadas.

Esa película tiene algunos elementos interesantes, a pesar de sus (varios) fallos. Quien la hice conocia el efecto que Paz Vega puede tener, y la pone aqui con su personaje en «Lucía y el Sexo» en la cabeza (por eso, en un cierto sentido, esa pelí solo podría hacerse con ella en el personaje principal). Lucía fue (junto con las tensiones sexuales que también ayuda a crear) un de los principales agentes en la creación de toda la pelí en la cabeza del escritor. Un personaje en parte secundario, pero esencial en el enredo. Aqui, ella surge en el centro de ese enredo, las mismas tensiones sexuales son mantenidas, y lo que es generado es la evolución de su lucha interior y la forma como el mundo fuera de Teresa avalia esas evoluciones. Ese mundo aunque inclui a nosotros, espectadores, ya que ponemos nuestros eventuales (pre)conceptos religiosos (o no) al juzgarla, igual a los personajes en la pelí. Algunos aspectos de la cinematografia revelan igual alguna relación con la película de Medem (algunas paisajes demasiado «quemadas» por la luz, parecen un sueño, ambiente de creación de ideas…).

Eso esta construído por episodios, casi cuadros, frescos biográficos. Los factos de biografia no son interpretados, eso se deja para la lucha interior. Todo bien por mi, es una opción (bastante contemporánea en cinema, por sinal). También hay (en mi punto de vista) un grande convencionalismo religioso que, sin embargo, procura llegarnos como algo revolucionário y nuevo. El fenómeno «Código daVinci» llevó a una audiencia masificada la idea de «humanización» de personajes religiosos, otrora intocables en sus biografias sagradas. El código lo hice con Cristo (no era nuevo ya, pero por otro lado, nadie lo sabia) y su supuesto envolvimiento romántico con Madalena. Aqui, tenemos algo flagrante, al asumir el acto de «ser poseída» por Cristo como algo sexualmente conotado (Teresa representando Madalena en la escena de la Pietà revela lo que digo). Pero también aqui no me aburre, no me llega más como un nuevo concepto, pero es una opción más.

Lo que me aburre si, es la manipulación sutil pretendida. A ver: tenemos un personaje historica que se transformó, en su tiempo, en un de los más sólidos símbolos de la contrarreforma (la película hace referencia a el apoyo obtenido por los jesuitas, fundados por el español Loyola, ellos mismos uno de los agentes más poderosos en esa reforma, sobretodo en la península Ibérica). Ese personaje, hasta ahora un símbolo de sanctidad, rigor y regreso a tradiciones entonces esquecidas, surge aqui transformado en un personaje de pensamiento libre, revolucionário que, contra tudo y todos, lucharia por libertades nunca soñadas antes (emancipación de la mujer…). Lo que me aburre no es la reinterpretación, pero la incoherencia con que ella es posicionada en su mundo especifico. Sin embargo, interesante verificar como cada momento en el tiempo reescribe la Historia antes de introducirla, completamente cristalizada, en las cabezas de las generaciones de ese momento.
Lo que también me ocurrió mientras miraba a la pelí en una sala de cine con 8 personas fue cuan abstracto era el pensamiento medieval (eso pasa después del medievo pero las mentalidades en general siempre llevan su tiempo para evoluir). La muerte era decidia con base en interpretaciones de acontecimientos completamente abstractos, invisibles, imateriales. Desde entonces, la arte fue conquistada por el pensamiento abstracto, pero las mentes comunes siempre hán necesitado más y más objectos concretos para su orientación.

El otro elemento muy interesante que hay aqui tiene que ver con el «manto». Uno de eses dias estaba leyendo la sección «I need to know» en IMDb, y alli sr. Ted Goranson preuntaba por ayuda para descubrir a películas que utilizan el manto como un elemento cinemático. Bueno, ese deberá servir sus intereses. La historia y la evolución mental de Teresa, como su estado de espírito nos llegan con grán precisión con la evolución de su manto (me recuerdo del rojo intenso que la envolve cuando representa Madalena junto a Cristo, el manto barroco al inizio y la textura de su manto de sobriedad al final).

Después, otras incoherencias menos importantes (practicamente todas las películas están llenas de eso) como filmar episódios de la vida de un símbolo religioso español del siglo XVI utilizando un convento portugués de várias fechas (incluso el siglo XVII). Ese convento es el cientro espiritual de las (fuertes) tradiciones templarias portuguesas, los mismos templarios que fuiran rechazados por el mismo tipo de pensamiento religioso de la iglesia contra lo qual Teresa lucha. Coincidencia? Con grán probabilidad, si.
La cinematografia tiene una calidad barroca refinada, siempre realzando a través de luz y sombra los puntos más importantes en cada composición. Eso es muy bien hecho (como toda la producción en general), siempre recuerdo la línea del perfil de las caras, trabajada como una línea de luz en el fondo negro. Muy bonito.

Mi puntuación: 3/5 visionamento recomendado por los elementos referidos, a pesar de su no tan bueno ritmo.

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Rope (1948)

«Rope» (1948)

Director: Alfred Hitchcock

Guionistas: Patrick Hamilton, Hume Cronyn, Arthur Laurents, Ben Hecht

Género: Crime/Drama/Thriller

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El nacimiento de un «ojo»

Tengo ese en mi lista de películas que todos deberían mirar. Eso para poder comprender algunas cuestiones esenciales de la produción cinematográfica de los últimos 50 años.

Lo que menos me interesa aqui son los hechos técnicos. Eses representan hoy una curiosidad, un facto de museo, que merece recuerdo y reconocimiento a quien trabajó en ello, pero solo eso.

Aunque no estoy interesado en las cuestiones de entre-líneas, como aquellas que dicen respecto a el tema de la homosexualidad. Con relación a eso, llego a pensar que toda la construción de la pelí, del casting hasta la escrita de las escenas quitaron muchas cosas. Me quedare aún más polémico. Estoy convencido que Hitchcock despreció todos esos mensajes (los escritores estaban preocupados para en explorarlas, no Hitchcock), el no buscaba significados escondidos o controversias, el procuraba algo muy más ingenioso y influyente. Hablo de la «mirada» de su cámara.

Antes de ese, todo el trabajo de Hitch estaba entre una construcción clásica y alguna exploración de la cámara como reflejo de una emoción/sentimiento/sensación de un personaje (y de la audiencia) . La escena de la biblioteca en «Shadow of a doubt», por ejemplo, ilustra perfectamente lo que hablo. A pesar de eso, ya se notaba la voluntad de hitch de hacer mover la cámara, contornando personajes, escenarios, y revelar lo que un personaje (o «dios») tenia para revelar.

Aqui, el tema de la película es ese. Un escenario, muy pocos personajes, una historia clara como agua (que el hace aún más clara cuando no pone dudas en lo que sucede con el chico asesinado). Los temas sexuales también surgen con menor importancia. El apartamento es al mismo tiempo suficientemente simples para resolver las dificuldades técnicas de filmarlo, y suficientemente ancho y dividido para permitir a la cámar explorarlo, procurando elementos, diálogos y acciones. La câmara tiene curiosidad, es casi un personaje, un personaje llamado espectador. Años más tarde, de una forma diferente, Hitch pondría Stewart por detrás de la cámara, y la asumiria como un personaje fijo del enredo (Rear Window). Aqui, lo que obtenemos es una cámara que se mueve según los deseos del director. La siempre curiosa cámara que de Palma iba a reinventar y Polanski a dominar hace aqui su primera aparición.

Creo que el trabajo de de Palma, de cierta forma Polanski, Chabrol y aunque Godard (Le mépris es un ejemplo) todo deriva más o menos de lo que pasó aqui. Hitchcock iba a hacer lo mejor de esta exploración con Rear Window, pero aqui es donde se hace un inventor.

Mi puntuación: 5/5 uno de los manifiestos cinematográficos.

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Blood Diamond (2006)

«Blood Diamond» (2006)

Director: Edward Zwick

Guionistas: Charles Leavitt, C. Gaby Mitchell

Género: Aventura/Drama/Thriller

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Abrindo la ventana

Pienso que no es perder tiempo mirar a esa porque algo nuevo pasó aqui. No relacionada con la creación de películas, estructura narrativa o otro de eses asuntos cinemáticos, pero por causa de la luz y de la «capturación» de Africa, algo que los manuales llaman de fotografia.

Cinematografia:.

Estoy intentando obtener lo máximo de trabajo posible por Eduardo Serra. Creo que estamos en la presencia de uno de los más competentes y sorprendentes directores de fotografia de nuestro tiempo. Y aqui él excedió mis expectativas, para una película filmada fundamentalmente en Africa: ese continente siempre representó un desafio para los artistas, sobretodo por las cuestiones de luz, color(es) y paisaje, únicas alli. En lo que dice respecto al cine, «Out of Africa» fue muy valiente en la forma como abordó ese tema, pero al final demasiado «lavada» y vacia de emoción. Riefenstahl, ella misma un maestro del cine, reflexionó sobre eso en parte de su trabajo como fotógrafa. Ninguna de esas aproximaciones fue, en mi opinión, suficientemente interesante, comparada con lo que Africa puede ofrecer. Hace poco tiempo, «The constant gardener» subió la parada y se aproximó, pero exageró (el director de fotografia era sudamericano, creo que ha mezclado los dos continentes). Al final, suena muy artificial. Bueno, toda la fotografia para cine (y no solo) es, por definición, falsa, pero deberá acercar al espectador como se fuera realidad.

Serra es portugués. Portugal estuve por toda Africa y America Latina en determinado momento en la historia y, con el primero, hasta muy poco tiempo (1975). Tal vez eso pueda dar a un fotografo portugués el equilibrio y distancia necesarios. Hace muy poco tiempo, en una entrevista, preguntaron a Serra, hablandose de «Girl with a Pearl Earring», como fuera posible obtener aquella luz, tan natural, tan genuina. Él respondió simplemente: «abri la ventana.» Eso fue lo que hizo aqui. Comprendió la luz en Africa y utilizó todos sus medios artificiales para cojer esa luz, tan intocada cuanto posible, para el cine. Por eso, el gran mérito de esa pelí es de abrir la ventana de Africa. No es perfecto, pero es lo mejor que tenemos por ahora. Hasta que algo mejor venga, eso es Africa.

Mi puntuación: 4/5 – solo por la fotografia (y Conelly, gran presencia, hace sus escenas llena y, en adición, es muy bonita), para todo el resto eso es una experiencia común, mismo vulgar, de cine de masas, que no vale más que 2 en mi gradación. Se quieres algo más inteligente, por alguién que se preocupa con las cuestiones de direción, trabajo de cámara y estructura narrativa, mira a «The constant gardener».

P.S. Eso esta inserido en la tendencia reciente de películas comerciales que tocan asuntos humanitários, utilizando el entretenimiento como canal para cosas «serias». Pienso que eso merece aplauso solo hasta el punto en que se queda más un producto global del capitalismo. Esa «bono voxización» de asuntos humanitários puede matar todo el princípio de «acción humanitária».

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Donde demasiadas ideas convergen, «Gwai wik»

«Gwai wik» (2006)

Directores: Oxide Pang Chun, Danny Chung

Argumento: Cub Chin, SirLaosson Dara, Sam Lung, Oxide Pang Chun, Danny Pang, Thomas Pang

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He mirado a esta pelí en Fantasporto 2007, en Oporto, Portugal.

Me fui a mirar esa película sin expectativas de algun tipo con relación a él. Me gusta entrar en pelís asi, quita el preconcepto creado normalmente por el excesso de conocimiento relativo sobre las personas relacionadas. Aparentemente, lo se ahora, los directores son parte de una nueva generación en el cine de Hong-Kong, y dirigiran ya algunos sucesos con ese status. Yo no los conocia.

La película es compleja, pero no siempre eso es bueno. Empieza con un ambiente misterioso, retirado (creo, pero no necesariamente) de los thrillers psicológicos de “apartamento” de Polanski. Ese comienzo fue entusiasmante y prometedor, con muy buenos momentos. El personaje principal era una escritora, yo creia que algún juego relacionado con las caracteristicas de esa actividad iba ser desarollado (a lo bueno cine contemporáneo le gusta muchíssimo explorar eses temas). Pero no, assistimos a sucesivos cortes radicales entre escenarios, historia, etc. Desarolla y presenta algunos escenarios fantásticos, com algo que ver com la animación japonesa, una espécie de Miyazaki filmado com escenarios reales envés de animaciones.

Pero termina fallando completamente en intentar producir un ambiente de drama intenso, que tendria como objectivo pasar una mensaje global ambiental; al invés obtenemos una dimensión cómica no pretendida (por cierto) en determinado momento de la pelí (en ese momento, risas eran los sonidos más escuchados por toda la sala).

Lo que pasa es, en mi opinión, que se han reunido aqui muchas formas de hacer las cosas, muchas ideas de cinema, en un truco de asociar la proliferación de “ambientes” cinematográficos, y asi causar sensación de sufoco en línea con la mensaje pretendida. Pienso que alguna contención y simplificación serian perfectas aqui.

La historia es completamente irelevante (no necesariamente mala) pero se hace pesada y sin motivación  intentar seguirla o comprenderla. Todavia, esta es una película con buenos valores de produción, ni siempre totalmente creible, pero en general, consistente.

Algún paisaje visual es impresionante, y bien trabajada en su relación con la banda sonora (que también no es mala), pero no considero eso suficiente para justificar el tiempo que lleva. Si no se tiene un interes muy especial por ese tipo de películas, no la recomiendo.

Mi puntuación: 2/5

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(In)comunicación, «Babel»

«Babel» (2006)

Director: Alejandro González Iñarritu

Argumento: Guillermo Arriaga; Alejandro Iñarritu

Género: Drama/Thriller

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Aqui, una vez más, como en el resto de la trilogia, la narrativa no linear es utilizada, por la superposición de historias que se conectan en determinado(s) momento(s). Funciona como 4 pequeñas historias, que son editadas y visionadas en secciones, con una orden especifica. Cada historia es clara y fácil de acompañar, si analisada sin conexión con las otras. La orden de las secciones es siempre:

1- los niños de Marruecos

2 – la ama mejicana y los niños americanos

3 – los americanos en Marruecos

4 – la historia japonesa

Esta orden se repite siempre pero la sucesión cronológica dentro de cada una no esta sincronizada con las otras. Asi, la historia 1 empieza en el final cronologico de la historia 2, que se desarrolla en paralelo con la historia 3. La historia 4 esta más libre no que toca a la ligación cronológica, pero algunos elementos mostran que se desarrolla aproximadamente en paralelo con las dos anteriores (2 y 3).

Toda la construción, que es extremamente inteligente, reflexiona sobre la extrema complejidad del mundo que pretende mostrar, transportando la idea de una nueva orden de valores que sustitui la existente, la orden de la humanidad que sustitui la orden primitiva de la naturaleza (el acto de «contar una historia» sustituido por la complejidad narrativa, espontaneidad vs racionalidad). Por eso, la película habla de la idea del individuo dominado por el sistema complejo que, todavia, todos ayudamos a crear. Y el título se justifica aqui. la metáfora bíblica de la creación de los idiomas hablaba de castigo por la vanidad creciente. Aqui, habla de la inabilidad para la comunicación como motivación para la violencia y la lucha entre las personas.

Practicamente todos los acontecimientos (malos) que tienen lugar ocurren como consequencia de fallas en la comunicación. La inabilidad para pasar ideas va allá de la ignorancia no que toca a los idiomas y provoca el aislamento (solitud) del indivíduo en un contexto global. Y lo que Iñarritu hace es desarrollar el asunto cinematicamente. La chica japonesa es sordamuda (no por acaso) y eso permite en sus escenas poner la cámara dentro y fuera de su punto de vista, como sorda y muda, en la ausencia de comunicación/recepción o en lo que no es comunicado. La escena en la discoteca es absolutamente notable en este punto. El trabajo de la cámara es, hablando de eso, notable en todas las escenas relativas a la chica japonesa. Como cuando ella espera por el asecendor, de espaldas para el policía, y el espectador sabe más que ella y comprende todo el cuadro. Eso es verdaderamente cinemático.

Mi puntuación: 4/5 una experiencia fascinante.

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El cine de Iñarritu, introdución a Babel.

Princípios cinemáticos

El cine, como todas las otras artes, es comunicación. Todo que pasa através de la imagen en movimiento (o no), con o sin sonido, es pura comunicación. Que lo quieras o no, que el artista lo asuma o no, todo que se mira comunica algo. El toque artístico esta en controlar lo que esta siendo comunicado. Por eso, «Babel» escoje porventura el tema más difícil para ser trabajado por cualquier médio artístico: lo de la NO comunicación. Todo que Iñarritu pretende es mostrar la ausencia de comunicación, y sus efectos, para ponernos en un agujero negro junto con sus personajes, con quién todos nosotros nos identificamos, aunque seya un poco. Yo creo que esa película es más «contemporánea» que cualquer otra. Explico: el director portugués João Botelho dice, una vez, que la tentación de contar una historia es el pecado original en el cine; la idea de que una película solo vale por la sucesión de factos, narrativa, clímax y conclusión. El cine contemporáneo (como en otras artes), con su deseo de evolución esta, por consequencia, en un cierto estado de crisis, tentando una redefinición. De cierta forma, como el mundo en «Babel». Complejo, fascinante, pero de alguna forma anárquico. Iñarritu niega la historia por la historia, la narrativa linear como pretexto para «pendurar» algunas imagenes. Él se decanta de la idea de «facto», trabajando la imagen (y que imagen!, la fotografia es fantástica) y el contexto, como forma de comunicar. Él no fue, por cierto, el primero a intentarlo, pero es lo que mejor lo hace, con consistencia, y por las masas. Él también es contemporáneo por la forma auto-referencial en que trabaja la arte de produción cinematográfica en si misma. Esa pelí, como «Amores Perros» o «21 Grams» es, en si misma, una pesquisa sobre construción narrativa y cinema. Por eso, una película sobre otras películas y, por eso, una película sobre cine.

Dentro y fuera de la realidad, “Sunset Boulevard”

«Sunset Blvd.» (1950)

Director: Billy Wilder

Argumento: Charles Brackett, Billy Wilder, D.M. Marshman Jr.

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*** Este comentário puede contener spoilers ***

Esa película fue escrita esplendidamente, muy buena multisignificación, y muy bien sucedido en la forma como utiliza la “forma” para llegar hasta nosotros, espectadores, com un significado. Puede no ser la primera película auto-referencial en la historia pero es, sin duda, una de las primeras hechas con inteligencia.

Lo que tenemos aqui son películas dentro de películas. La “película” es lo que miramos. Para hacerlo parecer una película, y no la realidad, escuchamos la voz del cadáver (el narrador), como cuando el cadáver aparece diante de nosotros. Un hombre muerto que se describe como muerto (la intención original seria poner el cuerpo muerto hablando en una morgue).Dentro de esa película encontramos otras. Asi:

– la proyeción de “Queen Kelly”, la película dirigida por Stroheim (que hace de técnico de proyeción en “nuestra” película) y protagonizada por Swanson, “nuestra” actriz representando una actriz retirada;

– la película de DeMille, facto real, estaba pasando en ese momento. DeMille aparece como si mismo, hablaré de eso más adelante;

– Salomé. La película sobre una mujer loca, el motivo conductor de “nuestra” película es la produción de esa otra película. El conocimiento de la história original de Salomé nos lleva para los eventos de nuestro Sunset Blvd.

Eso es lo que miramos. Películas dentro de películas. Que significan ellas?: practicamente todos los actores hacen en la película de si mismos fuera de ella: Holden, representando aqui el escritor fallido en la vida pasaba, ello mismo, un malo momento en su trayectoria como actor. Olson, que representa una joven escritora con ambiciones era también una actriz luchando por reconocimiento. Las «figuras de cera» se quedan aqui como personajes reales haciendo de antiguas estrellas de cine. Pero lo mejor viene de la pareja Stroheim/Swanson. «Queen Kelly» significó, por el tiempo de su produción, una película bastante polémica que no hizo bien a la trayectoria de Swanson y, quizás, terminó con la de Stroheim. Su proyeción hecha por Stroheim, y la pantomina de Swanson en nuestro Sunset Blvd, traz algo más a el sentimiento de decadencia de la película (mismo que se pueda mirar eso como una especie de venganza de Stroheim, que por una última vez pone su película «maldita» en la luz de ribalta). DeMille también trabajó con Swanson, en Sunset Blvd ello no habla con ningún personaje, habla directamente con Swanson. Claro que ella no era en su vida real el personaje que representa alli, pero DeMille habla con la persona real, y no con su personaje.

Todo eso tiene una construción muy inteligente y compleja, que nos aparece muy sencilla. Chabrol empieza su «Como hacer una película» (libro) afirmando que si quieres hacer una película, tienes que tener muy buenas razones. Aqui, esas razones son claras como agua: criticar la sociedad de Hollywood, dibujando la línea que separa dos mundos. Wilder utiliza las relaciones con verdad real (fuera de la película) y nos entrega algo que puede ser comprendido como un mundo ambíguo, dentro y fuera de nuestro mundo real. Las películas, y nuestras vidas, se hacen con ese material, con esa ambigüedad.

Las críticas que están aqui son ya inutiles, datadas y solo una curiosidad hoy, pero la película se mantiene como una construción muy inteligente y, por eso, muy recomendable.

Mi puntuación: 5/5

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