Great Expectations (1998)

«Great Expectations» (1998)

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narrativa espacial

Este film fue dirigido por una de las mentes visuales más interesantes que tenemos hoy. Cuarón sabe como trabajar el espacio, sabe moverse en ello, sabe como encontrar y/o crear espacios que pueda explorar, por el movimiento y por los puntos de vista. En este tema, él probablemente hereda las investigaciones de Orson Welles de los días en que él dominó la exploración espacial y el encuadramiento de la arquitectura. Es allí que la mente de Cuarón está centrada, creo. Mientras Wenders explora las imagenes bidimensionales de una forma pura y Kubrick molda sus películas al redor de la construcción narrativa, Cuarón lo hace con espacio.

Dicho esto, esta película específica no es donde esa exploración es más visible. No he mirado esta película cuando salió, y ahora que la veo, ya he mirado a Children of Men y el tercero Harry Potter. Aqui probablemente él estaba más limitado y tenía menos libertad para trabajar sus características. Pero hay momentos, conectados a espacios, que so puras perlas visuales. Asi, piensa en las escenas en la casa del Paraíso Perdido. Mira como el espacio existe para ser explorado, como los grandes salones estan allí para que la cámara baile con los personajes. Mira como las escaleras que bajan hasta el fuente del primero beso está allí para permitir a la cámara seguir los personajes para explorar el espacio. Estes momentos son especialmente wellesianos. El otro espacio explorado con interés es el estúdio de Hawke en Nueva Iorque. El espacio es claro en la forma como lo comprendemos. Por otras palabras, lo captamos en una única imagen, es abierto, y su composición perfectamente legible. Pero es interesante por la luz y la escala, y Cuarón lo utiliza perfectamente bien. Supongo que este espacio es real, mientras el Paraíso Perdido es un escenário.

Estes momentos, que claramente fueron los más impresionantes en el film, para mi, se suportan en una historia. Basada en Dickens, la historia tiene que ver con la historia en si misma. Los personajes existen como manipuladores o manipulados (o ambos, en el caso de Paltrow). Es una historia sobre quien está contando la historia. En la construcción cinematográfica (no la del libro) los personajes existen para servir la construcción narrativa, y personalmente creo que es más eficiente en cine que eso sea asi. Por eso tenemos dos narradores principales, aunque solo sepamos de uno, asi como Hawke solo sabe de uno. Ese es el truco, es inteligente y seguramente eficiente.

No me gusta Ethan Hawke, lo admito. Creo que él no tiene talento y, pero, es arrogante en sus actuaciones. Esto significa que él hace nada, pero realmente cre que nos está dando algo eterno. Bueno, normalmente ese tipo de actuaciones no me van (en la línea de Freeman, Redford, el Cruise más reciente…) pero aqui, considerando la situación de su personaje, como uno duplamente manipulado, tengo que admitir que fue una elección perfecta. Tal como el actor, el personaje cree que controla la acción, pero es utilizado. Gwynet Paltrow es concentrada, inteligente, y me parece que trabaja mucho para integrar sus personajes, pero que ese trabajo es invisible en el producto final. Y eso es muy bueno…

Mi opinión: 4/5

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2 años

Hace ahora 2 años que empiezé la idea de este blog. Hace un año, remarqué el hecho de que no pensaba que podría llevar esta experiencia por tanto tiempo, sobretodo con la propuesta de 3 idiomas. He conseguido hacerlo por ahora, y eso me hace feliz.

Tengo en este momento 180 filmes comentados (99 en el último año). No es el número de filmes que establece la eventual cualidade que esto tenga, pero me deja también feliz que haya podido aumentar el número de comentários en este segundo año.

Sobretodo he utilizado, como siempre he dicho, el pretexto de comentar películas para aprender con ellas, para aprender sobre cine y, consequentemente, aprender algo sobre mi. Es una aventura poder explorar realmente, sin miedos, los filmes, sin el miedo que la mayoria de los espectadores tienen. Es una aventura porque entrar en un filme, bueno o malo, es siempre una experiencia donde encontramos lo que llevamos con nosotros, lo que somos. Hay filmes que cambian mi vida cuando los miro, y son esos que busco siempre, incluso cuando no los encuentro.

Las estatísticas del wordpress (que cuenta infelizmente solo las visitas «on site») registran en este momento:

7Olhares:___ 27 827 visitas (14 290 este último año)

7Eyes: ________6 700 visitas ( 3 989 este último año)

7Ojos: _________8 596 visitas ( 4 422 este último año)

________43 123 visitas (22 701 este último año)
Ser visitado dame fuerzas para seguir, en 3 idiomas. Agradezco siempre las sugerencias, en el sítio, o por email, como recibo de cuando en vez. Sobretodo creo en la posibilidad que la internet da de aproximar opiniones, conocimientos, personas.

Lisboa de Hoje e de Amanhã (1948)

«Lisboa de Hoje e de Amanhã» (1948)

y ahora?

Este es un documental terriblemente significativo para todos los portugueses, seguramente más ahora que cuando se hizo. Puesto en el contexto correcto, y con la información cierta para lo soportar, podrá hacernos sacar conclusiones asustadoras y terribles. Creo que mirarlo ahora y reflexionar al mismo tiempo sobre los últimos 35 años en Portugal podrá clarificar mucho más que cualquier filme, documental, libro, o algo hecho después del 25 Abril que trate el tema.

Aqui tenemos un ejemplo de propaganda. Esto significa que vamos a mirar puntos de vista totalmente parciales, y todo el tiempo favorables al regimen de esos días. En este caso, asistimos a todo el tipo de elogios a las políticas urbanas de Lisboa, hace 60 años. Basicamente este plan es el trabajo de un hombre notable, Duarte Pacheco, que no era un visionário, porque no hizo nada que no hubiera ya sido hecho en otros lugares, pero que tuvo el mérito de actualizar las políticas urbanas de Lisboa – que este caso significa basicamente que creó una política urbana. Este plan es notable, a pesar de desactualizado hoy, especialmente en lo que toca a las ideas de habitación en contextos urbanos, hablando de tipologia (habitaciones geminadas o singulares en contextos muy urbanos no es una buena idea hoy) y agrupamiento social (habitación de bajo coste, que agrupa todos los desfavorecidos, también políticas ultrapasadas hoy). Claro que el sucesso y eficiencia del plano dependia de Pachecho (que morió 5 años antes de que se hiciera este documental) tener poder absoluto para construir y destruir, sin negociar con las poblaciones envolvidas. Más interesante que todo es la idea de un «pulmón urbano», materializado en el enorme Monsanto. Algunos proyectos de barrios son muy interesantes, como el de Alvalade. Y, claro, los anillos que circundan la ciudad, eso es algo contemporáneo y planeado en una escala visionária (si, aqui fue un visionário), a pesar de que (creo) no se haya cumplido todo el plano.

El documental tiene una grande cualidad. Realmente explica el plano, la idea, en el local, con plantas, con modelos. No depiende de demonstraciones conceptuales totalmente inutiles, porque las personas en esos días no dependian tanto de las imagenes icónicas como nosotros hoy. Pero mucho de lo que vemos y, especialmente, mucho de lo que escuchamos, es perfectamente ridículo, y ya lo era en esos días para quien pensara. La idea de hacer «monumental» para que nadia tuviera «verguenza» de la capital es ridícula, asi como lo es el orgullo en agrupar personas pobres como gado en las partes más desinteresantes de la ciudad, mientras «bellas viviendas» se hacen delante del água. Bueno, quizás deberíamos apreciar estes comentários, son ingénuos y por eso menos hipócritas que los que escuchamos hoy.

Una cosa muy más triste es pensar que el documental está totalmente centrado en una ciudad sub desarrollada de un país en esos días terriblemente subdesarrollado, y que los trabajos a que asistimos para modernizar el local fueron insuficientes para hacer la ciudad tener las condiciones de otras ciudades europeas y, pero que eso, fueron los únicos hechos con esta escala en todo el país. Asi, tenemos ese princípio fascista terrible que consiste en hacer una única iniciativa representar todo un país, que moría lentamente mientras tanto.

Pero la cosa verdaderamente triste es esta: estes tipos, hace 60 años, tenían el mismo discurso que los inutiles que hoy van governando el país. Ellos tenían el discurso de «todo esto estaba mal, y ahora estamos limpiando el país». Basicamente, desviavan la responsabilidad por su incapacidad y falta de ambición para los errores que «alguién» había hecho en el pasado. Asim, si ellos actualizaron lo que venía detrás de ellos, y en los últimos 35 años hemos solamente actualizado lo que esos tipos nos dejaron, quien va actualizar lo que nosotros No estamos haciendo ahora? Comprendes lo triste de todo esto? Cuando empiezaremos a hacer algo bueno, al invés de simplesmente «compensar» lo que otros han hecho? Que ciclo vicioso.

Mi opinión: 4/5

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Die Gebrüder Skladanowsky (1995)

«Die Gebrüder Skladanowsky» (1995)

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movimiento abstracto

Wenders juega, y en el proceso reflexiona sobre algunos principios generales del cine como arte. Por varias veces él ha hecho filmes interesantes que son, ellos mismos, objectos cinematográficos y reflexiones sobre la naturaleza del objecto cinematográfico. Su preocupación primária son las imagenes. Siempre que él aprofundiza la complexidad de sus narrativas, lo que intenta es realzar las imagenes. Ese es el caso del muy reciente Palermo Shooting y de lo notable Amigo Americano: imagenes que ilustran una historia sobre imagenes. Cuando él saca esa narrativa, directamente sensible al médio, nos deja meditaciones puramente basadas en imagenes. Por veces funcionan, otras se arrastran.

Aqui médio funciona porque el proyecto, intencionalmente, no tiene una forma más grande para allá de la entrevista que la vieja Skladanowsky nos da. Todos los trozos negro y blanco estan hechos como episódios y dentro de esos episódios encontramos otros episódios (las películas originales Skladanowsky). Por lo que parece, esto comienzó como un proyecto académico, y eso explicaria la falta de una forma más grande, asi como el fallo de algunos trozos cortos. Eso no explica el final casi insuportable.

Pero algo me interesó aqui. Wenders recupera algo abandonado casi al inizio del cine. Imagenes como movimiento abstracto, sin narrativa. Eso es algo que vale la pena explorar algun tiempo, y obviamente también Wenders lo pensó. Asi, entre los viejos remakes de las viejas películas pioneras, me interesó el trozo de la danza. Curiosamente, es el pedazo que recibe más atención incluso en la historia infantil de los flashbacks negro y blanco. Es la películo que tuvo que ser rehecha. La ropa de la bailarina ayuda al efecto. Es notable como funciona en el ojo. He pasado tiempo mirando experiencias asi. Para allá de ello, hay poco más que ver aqui. Y para mi fue totalmente mal utilizado el contraste entre el negro y blanco y el color de la entrevista, que tiene un aspecto desconfortable de vídeo que me afastó. El negro y blanco ya tenia un aspecto granulado y viejo, no era necesario ese contraste para comprender la idea.

Mi opinión: 3/5

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Contrato (2009)

«Contrato» (2009)

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la Ética y la Estética

Es difícil uno sentirse más triste con un filme de lo que yo me sinto con este. Queria tanto que esto fuera al menos tolerable, pero realmente deseaba que pudiera llegar a la dimensión de la literatura que lo soporta. Este filme es terriblemente ciego y no lo olvidaré por los peores motivos.

Dinis Machado era un hombre notable. Un hombre que vivió y, incidentalmente, escribió. Él era inteligente y sus escritos, para allá de Molero, siempre llenaron el agujero que tenían que llenar. Él sabía que las historias de detectives, y los filmes noir, tienen que ver con el Como se construye una historia, no con la historia en si. No deberíamos preocuparnos (y no lo hacemos) con los personajes de un filme noir para allá de su papel en la narrativa. Ellos son seres abstractos, están allí por un motivo, que ultrapasa su existencia como personajes. Que feliz me quedo cuando leo Machado, que bien y irónico era él en la forma como comprendia que era indiferente escribir McShade o el Pato Donald. Que bien él distinguia los huesos de la carne.

Ahora, si cualquier otra persona estuviera envolvida en este proyecto terrible, no me importaría mucho. Estoy acostumbrado a la inabilidad para transportar la profundidad de ciertos escritores para el médio del cine, en verdad es un hecho notable cuando eso está bien hecho. Pero me da verguenza ver el notable Nicolau Breyner fallar totalmente en esta tarefa. Él es un hombre que comprende la actuación en cine como solo un pequeño grupo de personas lo hacen. Obviamente, él no comprende la dirección, claramente no controla el grande arco de la narrativa, y la prueba de eso es que los muy pocos momentos tolerables estan centrados en pequeños pedazos de buenas actuaciones (lideradas por su propria). Él construye un lugar para su personaje aparecer como la mente rechazada, un hombre que tuvo que vivir de la estética para secretamente apreciar su propria ética. Que parecido eso es a la vida de algunos buenos actores portugueses. A pesar de esto, ni todo es un desperdício, y me gustó que Cláudia Vieira hubiera quedado simpática aqui, sin que sea una actriz. Ella podría quedar bien en un bueno proyecto.

El film está basado en una historia basada en Don Quijote. Este libro es un monumento, Dinis Machado lo sabía, asi como muchas generaciones de escritores que basaron su escrita en lo que Cervantes materializó. Borges seguramente lo hizo, asi como Cortázar – a pesar de Machado ser con frecuencia más conectado al primero, creo que él es bien más parecido con el segundo. De todas formas, las ideas de Borges sobre escribir sobre la escrita (llevado a proporciones infinitas), historias sobre contar historias son las águas donde Machado se movió, con sucesso. Es allí que las memorias de este hitman deberían entrar, esa es la importancia simbólica de la antiguidad en este filme. No es solo sobre una historia, es sobre las historias sobre las cuales esto tiene que ver. Piensa en eso. No es solo una cuestion de la estética de la historia. Fundamentalmente, esto tiene que ver con la ética y los significados de contar historias. Georgios Thanatos habla de eso, es uno de los pocos pedazos de diálogo que realmente tiene algo que ver con lo que interesa, en esta confusión de memorias enfermas de guerra, desperdizio de piel, y muertes inutiles. Como pudo Nicolau Breyner no lo ver?

Cualquier espectador portugués medio va rechazar este comentário como inutil, pseudo intelectual, y soportará su posición basado en el facto de que estoy avaliando un pedazo de entretenimiento como si fuera cine «sério». Bueno, antes que voten «no» en IMDb, tengo a decir que para mi no hay buen entretenimiento sin pensamiento sério por detrás. Ahora vota no.

Por casualidad, el último Octobre estaba fuera del país asi que no supe que Dinis Machado morió en ese més. Solo lo descubri al leer sobre esta película, Dupla tristeza. Él estaba entre nosotros, ahora no está. Este es un día triste en mi vida de filmes.

Mi opinión: 1/5

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Zigeunerdans af troubaduren (1906)

«Zigeunerdans af troubaduren» (1906)

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dispensable

Este es otro filme, muy viejo, de Peter Elfet, que lida con la captura de pedazos de danza de bailarinos profesionales clásicos, con el entonces nuevo médio de las «imagenes en movimiento».

La principal cosa a hacer, en esta fase, era la reconversión de las coreografias para seren hechas delante de la cámara. Eso significa que había que actuar en un espacio muy reduzido, comparado con el palco del teatro, y actuar para un punto específico, al invés de toda una sala.

Este ejemplo específico no funciona, el escenario concebido no es totalmente cinematográfico, ya que reduce el espacio (a pesar de los árboles pintados intentaren aumentarlo) y llena una composición con un ruído que reduz la importáncia de la bailarina y sus movimientos, que serian seguramente la única razón para el filme existir.

Mira «Tarantellen af ‘Napoli'» para algo mejor del mismo creador, o mira las experiencias de Paul Nadar sobre los mismos temas si quieres maravillarte con estas experiencias pioneras. Para mi, esta es dispensable.

Mi opinión: 1/5

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Tarantellen af ‘Napoli’ (1903)

«Tarantellen af ‘Napoli'»  (1903)

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la otra opción

Mirar estes viejos intentos, el inizio de las imagenes en movimiento, es siempre un privilégio. Estes filmes fragiles tuvieron que vivir 100 años para llegar hasta mi asi que, independientemente de lo que contengam, deben ser mantenidos como documentos vivos de épocas no tan filmadas.

Pero hay cuestiones fundamentales que uno deberá ponerse al mirar estas películas. Aqui teníamos una arte en sus inizios, a pesar de que suspecho que muchos pioneros no sabrían que estaban comienzando más que una revolución técnica. Como arte, había que lidar aqui con una relación entre un creador, intermediado por su arte, y un observador. Asi, cuales eran los temas? Hoy en dia, la vasta mayoria de las películas empieza con la idea que tiene que contar una historia. Muchas de las buenas cosas que se hacen hoy en dia tienen que ver con formas de reinventar esas historias. Pero estos filmes primários normalmente tenian que ver con otra cosa: movimiento visual. Literalmente, sin otras escusas. Lo que he observado es que el cine es una arte que inicialmente fue heredada por gente que eran ya artistas visuales ou técnicos con preocupaciones visuales. Poetas, no novelistas. Asi, ellos buscaban temas que fueron visualmente adecuados a la idea de movimiento. En ese contexto, la danza era un motivo bastante utilizado.

Esta pequeña pieza es un filme de ese tipo. Lo he mirado junto con otro del mismo director, asi como un filme de Wenders que explora el trabajo de 3 pioneros alemanes, y una colección de filmes del notable Paul Nadar. Todos estos filmes comparten la presencia de números de baile como la llave para la reacción visual. Lo increíble es que, a pesar de que hayan adicionado bandas sonoras a estes filmes, todos funcionan en silencio, sin ayuda de la música. El baile, ballet clásico, en este caso, funciona en el ojo, más do que lo hace en el oído. Eso es formidable.

En este número específico, no tenemos una historia a parte de contexto de la própria danza que es una atracción entre una pareja. Al invés, tenemos pies, coreografia, que ya no está hecha para una sala con una audiencia, está hecha para un punto fijo, y se nota como eso afecta la danza. Ese es el interes del filme para mi. Supongo que si eres un bailarino o alguién especialmente interesado en el ballet clásico, encontraras aqui sustancia para analizar lo que ha cambiado en esa área en el último siglo. Yo lo he mirado por el puro placer de ver el movimiento abstraco, como una pintura viva; este no es el mejor ejemplo que he visto ultimamente, pero es bastante interesante.

Es raro pensar que los «contadores de historias» han ganado la pelea para establecer las convenciones en las mentes de los espectadores. Bueno, raro pero comprensible. A las personas les gusta que les cuenten historias y el espectador médio lida mal con abstracciones cuando ellas les llegan como abstracciones y no como abstracciones disfrazadas (historias!).

Mi opinión: 3/5

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Das Blaue Licht (1932)

«Das Blaue Licht» (1932)

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sensual, iluminado, profético

Cual es el cúmulo del espanto por vermos como una historia ficcionada puede metaforicamente traduzir la vida de alguién? Aún más cuando es la propria persona quien inventa la historia de su destino? Este filme tiene que ser la respuesta.

Aqui tenemos un génio de la composición y ritmo visual, en su primera tentativa, que adivina todo que se seguiria.

Que pensaria esta diosa (en varios sentidos), cuando abrazó esta aventura? Lenni era una estudiante del cuerpo humano y, luego, de su proprio cuerpo. Estudiante de las dinámicas harmónicas helénicas, que comprendia el poder del movimiento, aplicado al cine. Ella lo comprendió tan bien que pagó toda su vida por ello. En este filme ella es al mismo tiempo, observador y objecto observado. Ella, el cuerpo, es uno de los motivos para este filme existir. Al mismo tiempo, tenemos una historia sobre una mujer «especial». Ella es especial porque tiene acesso a un segredo, conoce un camino. Ese segredo tiene una identidad geográfica, hay una división entre sagrado y mundano, montaña y ciudad. La preciosidad, rodeada por una aura de inacesibilidad, llegar allí es un privilégio de la belleza, del comprometimiento y, al final, del amor. Y Lenni está en el centro de ese sagrado, y allí cuando él se quebra. Y está condenada a ser para siempre rechazada por mantener tal segrego. Esa es Junta, como es Lenni. Esa es la profecia, esta historia, escrita por Riefenstahl, que es incluso una historia dentro del filme, un libro con su foto en la caratula!

Esta mujer cambión más que la historia del cine, hizo más que aumentar las posibilidades de la contemplación visual y, consequentemente, conceptos de belleza. En su trabajo maldito (maldito porque es bueno!) ella ayudó a cambiar la face del mundo, con ella como el elemento de ambiguidad, siempre. En este filme la tenemos, conectando la montaña sagrada y la ciudad, conectando dos mundos. Ahora mira la geografia del lugar. La montaña, el poder de sus varios planos, la fuerza del objecto geográfico. La mujer, que sube la montaña, el poder del contraste. Junta, bajo el efecto de la luna llena, respira sensualidad, que funciona aún hoy (cuando estamos totalmente adictos a imagenes que intentan la sensualidad). Funciona porque es genuína, una mujer que es más de lo que parece. Mira como su jersey enseña el ombro, una provocación, sin duda, el deseo de poner el cuerpo en el centro, y realzar Hombre, en relación con Naturaleza.

En esta mitologia metafórica, germánica y nórdica, mira como los símbolos son materializados y grabados. La composición de los planos de subida de montaña y especialmente los de Vigo entrando en la área sagrada de los cristales es de génio, el escenário de la Valhala potencial, y la expresión de Junta cuando descubre la intrusión revela todo.

Este filme aún obedece demasiado a los códigos de los filmes mudos. Yo he visto la versión sonora, pero aparentemente hay una silenciosa, ya que en esos dias la transición aún se hacía. De todas formas, el sonido en la película está puesto de forma incómoda, y el diálogo hace poco más que sustituir directamente los inter títulos del silencio. Y la montagen no tiene aún el sentido supremo que Lenni le daria, años más tarde, y eso afecta el ritmo, porque el trabajo de los maestros de la montagen (Eisenstein, Kalatzov, Vertov) depende totalmente del ritmo que las imagenes en si mismas pueden dar, por lo que pasa en ellas, y por el corte entre planos. Esa dinámica no existe aqui, y los códigos son datados, y supongo que quizás ya lo serían en su momento. Pero Riefenstahl es cuerpo, cara, ella es expresion. Es movimiento, dinámica, ritmo. Pero es todo eso como observador, sensible y visual, y como intérprete, sensual (sexual!) y intensa. Ese es su génio aqui.

Mi opinión: 4/5 mirala, varias veces

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Gake no ue no Ponyo (2008)

«Gake no ue no Ponyo» (2008)

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boceto

Cualquier abordaje simplista al trabajo de Miyazaki caerá en la trampa que cubre todo su trabajo. Lo que él hace nunca es el trabajo de una mente infantil o de algun tipo de imediatismo. Los mundos que él explora permanentemente son profundos porque él los pinta de forma sublime, y nos da imagenes tan detalladas y significativas como uno podría esperar.

Aqui las texturas son atenuadas por la voluntad que él tiene de darnos algo específico para niños, en el mejor sentido del concepto. Asi, si los escenarios son relativamente complejos en su representación, todos los personajes son altamente simplificados, excepto por uno, notable, Fujimoto, que tiene el tipo de tratamento texturado, en las ropas, face, piel, detalles, de las películas visualmente más complejas de Hayao. Interesante, ya que él también tiene un papel pivot en la historia, ya que es el mediador entre tierra y mar, mundano y divino. Él es un hechicero que evoca y conecta las cosas, y junta fuerzas diferentes, una espécie de Miyazaki en la pantalla. Estos personajes son, por su simples presencia, capazes de capturarnos por sus expresiones indefinidas, la ambiguedad de lo que dicen, asi como por sus extraños contextos y su extraña naturaleza, un poco como los personajes de Paula Rêgo, que pertenecen al mismo tipo de creaciones gráficas.

En este filme tenemos una vez más Miyazaki en medio camino entre oriente y occidente. Su fascínio óbvio por los valores artísticos occidentales lucha con la presencia de su capacidad japonesa para crear aquarelas tranquilas, pero viscerales. Esto es algo con que él ha vivido toda su carrera. Aqui, para allá de la conexión óbvia por la historia, una variación de una história de Disney, la música también ayuda a la confusión, ya que es una banda sonora de inclinación pos-romántica, tonal pero que desliza interminablemente hasta campos más indefinidos de cadenas tonales, un poco como la música tardia de Richard Strauss. La música puede sonar excesiva a veces, pero ayuda a crear momentos visuales poderosos.

De todas formas, prefiero Miyazaki cuando él confia en su imaginación linda; cuando las imagenes que crea suportan la mitologia que él inventa, allí es cuando él es realmente fuerte. Esto, para mim, es un boceto, delicioso, pero al cual falta una forma más ancha.

Mi opinión: 3/5

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Mummies: Secrets of the Pharaohs (2007)

«Mummies: Secrets of the Pharaohs» (2007)

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imax 3D

Esta fue mi primera experiencia con IMAX, asi como con 3D. Estoy unos pocos años retrasado, lo se.

Tener la experiencia fue lo único que me llevó a ver este. Me quedé, y aún estoy, totalmente fascinado con las posibilidades del formato. No podría saber lo que esperar, a pesar de haber pensado bastante en ello. Lo que me fascinó no fue tanto el «real» que la experiencia puede ser, pero el «hiper-real» que puede llegar a ser. El cine vive de realzar las sensaciones comunes hasta niveles en que uno reacciona. En cine, los colores tienen que ser realzados, los contrastes también, bueno, incluso el drama y las dinámicas narrativas (como en el teatro). El 3D, asociado a la super pantalla, abre nuevas posibilidades, es un potencial tecnico que crea una vasta área de lugares oscuros para los cineastas inteligentes exploraren. No es excitante? Como primera experiencia, me quedé con dos aspectos, que creo podrán ser de gran interes.

Uno es el poder de un paisaje, no porque está magnificado, no porque es «real», pero porque la imagen correcta, editada en la secuencia correcta, puede llegar a tener un impacto más grande. Imagina las explosiones del Zabriskie Point de Antonioni, con todos sus puntos de vista, realzadas hasta el limite que te hace explotar la cabeza. Espero que el mercado y la indústria de filmes torne el IMAX suficientemente viable para que nuestros «autores» puedan pensar especificamente para ello, para que puedan explorar la profundidad del formato, al invés de los efectos superficiales que imagino están siendo usados hasta ahora.

El otro aspecto es como el formato podrá revolucionar las relaciones entre espacio y cine. Como un podrá reformular la forma como hacemos un filme ser «espacial» a través de la forma como nos movemos en el espacio. Lo que quiero decir es, incluso en un documental con imagenes tan banales como este he sentido el poder de la movimentación espacial. Claro que aqui tenemos la arquitectura egípcia, que vive del misterio, de movimentaciones, y eso es altamente cinematográfico. Y la película también fue pensada para produzir determinados efectos relacionados con su formato. Pero sigo pensando en las posibilidades. Que harían los mejores directores con esto? Puedes imaginar lo que Orson Welles hubiera hecho, si hubiera tenido la posibilidad de grabar IMAX? O Hitchcock, o de Palma, que aún está vivo y trabajando, quien sabe…

El documental en si mismo, tiene el nivel de los del canal Historia, con la voz off que debita factos, imagenes de los restos de la vieja civilización, y encenaciones de viejos acontecimientos. Mundano, excepto por los efectos pensados especialmente para funcionar en el formato, que son nuevos para mi, pero que supongo quedarán vulgares, luego que yo repita la experiencia suficientes veces, con otros filmes.

Mi opinión: 2/5

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