Archivos para 29 septiembre 2010

Paris – When it Sizzles (1964)

“Paris – When it Sizzles” (1964)

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crepúsculo en la torre

Esto es un caso de estudo interesante:

Como filme, no hay muchas cosas buenas aqui. Dirección simples, edición banal, nada relevante, es una producción de viejos días, pero peor que otras que crearam y que han seguido el mismo modelo.

Como entretenimiento, perdió el valor que pueda eventualmente haber tenido en su día. Y eso no es algo específico de este filme. La comédia romántica tiene que ser el género que queda desactaulizado más facilmente, porque lida con necesidades y exigencias de la audiencia muy específicas de su momento. Por eso, este filme está tan desactualizado hoy como cualquiera de las comédias romanticas de hoy lo estará en 50 años.

La actuación de los actores principales es tolerable aunque hemos visto a Hepburn, Holden y Curtis hacer mucho mejor en otros de sus filmes. Y aunque esto no se adecue tanto al personaje tipo de Audrey, aún asi tenemos su clase, la más sublime en la filmolandia.

Pero hay algo que hace este filme notable y una pieza única que tendrás eventualmente de ver, si te importa el cine y el cambio que los franceses hicieron al inizio de los años 60. Por eso tenemos un filme sobre escrita de filmes. Desde el inizio podemos comprender que vamos a mirar un filme que se hace a si mismo, que se inventa mientras evolui. Naturalmente, el personaje principal tendría que ser un escritor, y una dactilógrafa, que sin querer viene a ser ella misma una escritora. Tenemos dos niveles: el de la realidad de la habitación de hotel en Paris, que ya es asumidamente artificial (por eso Holden dice que ordenó que pusieran la torre Eiffel allí para que él supiera que estaba en Paris) y el nivel del filme dentro del filme, una realidad provisória, siempre en camibo, y afectada por lo que pasa en la habitación. Estos cambios constantes en el filme dentro del filme daria el entretenimiento aqui (Tony Curtis intenta ser gracioso, y lo consigue).

Pero lo que hace esto realmente interesante es la conexión francesa: hay un montón de referencias explícitas a la nouvelle vague que atingia Paris y el cine francés esos días. Esas referencias siempre son chistes, que hablan de filmes donde nada se pasa. Y tenemos este filme como el opuesto de todo eso, un festival para el ojo, donde la narrativa esta llena de eventos, independentemente del estúpido que suenan, incluso en el proprio contexto del filme, incluso en el proprio contexto del filme dentro del filme! Lo que tenemos es la moda antigua, y eso es asumido. Y el campo de batalla es Paris, al mismo tiempo el palco de la nueva vaga, donde los cambios profundos ocurren, y uno de los locales más apreciados por los “viejos dias”, uno de los sítios más utilizados en la historia del cine, con todos sus lugares icónicos, cargados con simbolismo en el cine americano pos-guerra. Eso es lo que se juega aqui: la ascensión de nuevos paradigmas, que amenazó el “cine americano” para las masas. Por eso el título provisório para el filme dentro del filme era “La mujer que robó a la torre Eiffel”.

La decadencia del personaje de Holden (que es un espejo de lo que Holden, él mismo, estaba pasando esos días) puede ser entendida con un peso simbólico. Los años 60 fueron una década de cine europeo brillante, que Hollywood solo acompañaria liderado por la llamada generación Vietname.

El beso que vende palomitas, esa es la escena que queda más fuerte de este filme, por la forma como rellena sus proprios clichés asumidos, y porque es el crepúsculo de un cierto tipo de filme. Ah, y teníamos a Audrey…

Mi opinión: 3/5 un filme malo que tienes necesariamente de ver.

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O Último Voo do Flamingo (2010)

“O Último Voo do Flamingo” (2010)

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sin alas

Hay un sentido de transición inherente a muchas culturas africanas. A pesar de las violencias obtusas que musulmanes y cristianos han infligido sistematicamente sobre religiones nativas brillantes, esos estados mentales de transición son aún palpables si decides dejarlos entrar en ti. Almas que oscilan entre los muertos y los vivos, y que pertenecen a ningúno de ellos. Conexiones puras con el ambiente, quiero decir el ambiente geográfico físico. Concepciones originales de religión como una conexión entre el Hombre y su contexto (algo que los celtas han traído para Iberia y que sobrevivió bajo los esoterismos cristianos). La relación de la África negra con su verdadera espiritualidad es tan poderosamente visceral como lo es sutil y sin pretensiones. Las cosas son lo que son, y cada uno es tan solo una pieza en la maquinaria natural. Esto debería haber sido el primer nível de este filme.

La pasión de Mia Couto es encontrar una identidad para su pueblo, enraizada en las manifestaciones genuínas que viven por todo el território de su nativa Mozambique. Lo que él hace, en sus escrita, es poner su corazón de verdadero poeta en el medio de la espiritualidad de la tierra. Él es un observador, apasionado y poco neutral, pero aún asi un observador. Lo que él produce es una revisión de las narrativas infinitas y fluidas que son la matéria espiritual de los pueblos de Mozambique; las mismas narrativas, que nunca fueron comprendidas o apoyadas por la generalidad de los portugueses (y que aún no lo son!). Por eso su tarea es una de las más nobles que alguién puede tener: desde hace décadas, él (y no solo él) han inventado lo que significa ser mozambicano, y africano hoy, como se puede uno sentir mozambicano, despues de toda la sangre, despues de todas las mestizajes (en plural como le gusta a Mia). Mientras (d)escribe un alma posible para su país, él casi casualmente reinventa la lengua portuguesa para todo el mundo que la utiliza. Esa transgresión, ese sentido de reinvención tranquila que Mia Couto tiene debería haber sido el segundo nível de este filme.

El tercero nivel debería haber sido el rehacer de las narrativas rehechas que Mia Couto ha escribido en las últimas décadas, y devolverlas bajo una visión cinematográfica. Si, cine; yo se que el cine puede transportarte, cualquiera que haya alguna vez experimentado en profundidad a un filme sabe que el cine puede moverte, casi literalmente, hacía mundos que no sabías que existian. Pero tienes que poder confiar en la gente que hace el filme, ellos tienen que conquistarte. Este filme tenía que haberte hecho levitar, casi como lo hace com los 2 personajes, hacía el final.

Pero no. Se confia aqui en las convenciones, el peor tipo de convenciones, las de la tele. Las personas que hacen esto consideran que el espiritual es el mismo que pintoresco, que elegir un conjunto casi aleatório de palabras del libro es el mismo que comprenderlo. Se soma aqui un conjunto de paisajes de contexto, y ya está. No hay ideas reales sobre nada. Las actuaciones son de una mediocridad increible, todo el tiempo, con todos los actores. Entre todos, el italiano es el peor, porque no sabe actuar y no puede ocultarlo con el idioma que no domina. Este filme tiene de los peores castings de siempre.

Que desperdício, y que pena. Espero que algún día alguién haga esto bien. Mia Couto y Mozambique lo merecen.

Mi opinión: 1/5

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Inception (2010)

“Inception” (2010)
Orígen

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eternal sunshine, con un salto

Esto es un virar de página, una afirmación importante de un director importante de nuestros días. Es también el topo (hasta ahora) de sean cuales sean las cosas interesantes que Nolan ha explorado hasta ahora. Di Caprio esta en esto viaje y esto es probablemente su mejor esfuerzo hasta ahora para convertirse en un actor serio. Él me conquistó aqui.

Yo soy un espectador perfectamente definido. Me importan las emociones, los sentimientos (de amor o otros), y su representación visual. Y realmente me importan el como se cuenta la historia y la construcción narrativa de un filme. Tengo verdadero desprecio por filmes que banalizan las emociones simples y reales. Por eso aprecio más los filmes que construyen una estructura narrativa coerente aunque no atinjan tan bien la tensión emocional, que filmes que enseñan el amor, la amistad, o la empatia, como pornografia sentimental. Por eso, para mi el topo del juego en lo que toca al cine son historias sensibles y honestas, soportadas por estructuras narrativas inteligentes.

Eso es lo que tenemos aqui, brillante y bonito como he visto pocas veces. La propria concepción abstracta de lo que están contando se mezcla con la matéria del filme. El filme en si mismo construye el contenido que se supone estar en la historia. La estructura del filme Es la historia. La forma como entramos en las sub estructuras mimetiza la forma como los personajes lo hacen. Es tan sencillo como eso para explicarlo, y tan complejo como este filme para comprenderlo.

Hay varias nociones, que son queridas para mi, que me emocionaron. Tenemos camadas óbvias (sueños dentro de sueños) que son literalmente y constantemente explicadas a nosotros por muchos personajes en el filme. Movernos de un nivel hasta el otro es literalmente movernos en profundidad, en un sentido espacial. Cada nivel tiene autonomia, pero es muy afectado por la forma como los otros niveles progriden. Asi, estornudar en un nivel puede significar un terremoto en otro.

La idea más bonita aqui es que tenemos personas en el interior de personas. Tenemos gente que manipula la alma de otra gente, tocandose intimamente, tocandose en un sentido más profundo de lo que hemos visto jamás en cine. Nolan se acerca a la literatura en la forma como llegamos al interior de un personaje para allá de lo que podemos ver. A ese nivel, la mejor secuencia es probablemente la visita a Paris. Di Caprio y Page. La forma como ella manipula las memorias que él tiene de Paris, la forma como ella literalmente manipula el escenário. Y la secuencia final, la ciudad en colapso, una reinvención de las memórias que di Caprio tiene de sus proprias memorias. Una de las mejores cosas aqui es como la emoción se pega al espacio. Cada escenario es el proprio retrato de una memoria, de una sensación. Por la forma como está hecho, esta es una forma original de asociar filme con el uso visual del espacio. Voy a retener este filme.

Marion Cotillard como un personaje que, desde donde podemos verlo, es simplemente una memoria (inventada o no), y dificilmente una persona real. Su actuación es muy buena, eventualmente la mejor del filme.

Jugamos aqui el juego de las memorias inventadas/compartidas, que pasan sobre la realidad, y movemonos profundamente hasta el nivel en que podemos manipular y cambiar esas memorias, y asi crear nuevas, o invetarlas. Eso es el orígen. Puedes crear la memoria de este filme? Puedes recrear sus niveles mientras lo sueñas? Y más importante, puedes induzirlas en los niveles de tu propria vida tan naturalmente como se hubieran salido de ti?

Mi opinión: 5/5 intentalo.

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La marche de l’empereur (2005)

“La marche de l’empereur” (2005)

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construir una narrativa

La belleza de la Naturaleza esta en como todo se encaja para construir un todo coerente. el contexto y sus actores son un solo, totalmente interdependentes: ellos se construyen mutuamente. Esto es simbiótico y el aquecimiente global nos permite dramaticamente descubrir hasta donde. Asi, el objectivo de los que observan la naturaleza es construir una narrativa que nos permita comprender los mecanismos de la naturaleza. Contar una pequeña parte de la historia, que pueda caber en un contexto más ancho. Eso es lo que precede este filme y lo que lo informa: la narrativa de los pinguinos en su proceso de reproducción. El truco es establecer esa narrativa empujandonos para el médio de ella, y hacernos encarar los animales no como sujetos observados, sino como personajes verdaderos casi con densidad dramática. Por otras palabras, lo que ellos hacen es darnos un documental disfrazado de ficción.

La idea por si misma es suficientemente apelativa para generar el entusiasmo que este filme generó. Además, está notablemente bien ejecutado, desde la cualidad de la cinematografia, conseguida bajo circunstancias duras, temperaturas extremas y ambientes adversos a los humanos. la forma como esto está montado es sin fallos, aunque las narraciones off sean un poco demasiado sentimentalistas para mi gusto.

esta narrativa, la de los pinguinos, es realmente agradable para seguir porque el animal tiene un aire humanóide. las fronteras entre documental y ficción son más facilmente cruzadas porque también lo son las fronteras entre estos animales y la nuestra realidad como humanos.

El lugar donde los pinguinos se encuentran, y donde los bebés nacen, eso es un sítio especial, con una fuerza increíble. Valoro estos cineastas por enseñarlo con tanta fuerza. Esto fue un viaje valioso y poderoso.

Mi opinión: 4/5

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Destaques

Una de las películas que mas espero; sobre un libro de Saramago, dirigido por Meirelles, con Julianne Moore. Mira Diário de Blindness, mantenido por Meirelles (en portugués)