Lady and the Tramp (1955)

«Lady and the Tramp» (1955)

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polbo dulce

Un filme con la historia de relación con una audiencia en general que este tiene, sale fuera de las reglas normales que respecto cuando comento películas. Cuando escribo, nunca intento hacer lo que pueda llamarse una «crítica». Lo que hago es isolar y apuntar algunas notas sobre cosas que hacen el filme en mis ojos, en mi mente, en mis emociones. Escribir ayudame a comprender y esa compreensión mejora mi visionamento. Asi, me torno (espero) un mejor espectador. Yo baso mis opiniones en los filmes en si, solo comento sobre lo que veo.

Porque menciono esto? Porque ahora mismo estoy comentando un filme que, en este momento, es más una memoria colectiva que un filme en si mismo. Reverlo me hizo comprender que ya no nos acordamos ni hablamos de Lady and the Tramp, hablamos si de lo que nuestras memorias hacen de ello. En lo que toca a los filmes de animación, yo pertenezco a una de las ultimas generaciones para quien un cierto numero de filmes (muchos de Disney) pairaban sobre nuestras cabezas como el esterotipo de valores morales y su representación cinematográfica. Que significa esto? Significa que si no quisieras ir más lejos en tu pesquisa, filmes como este eran EL filme. Una espécie de dogma, intocable y verdadero sob cualquier punto de vista. No me importa eso porque tengo la libertad de entrar y salir del mundo de esos filmes siempre que quiera. Leer los comentários médios de IMDb a filmes como este encuadra este comentario.

Sin duda que necesito volver a filmes como este de vez en cuando, son memorias infantiles. Pero mucho de lo que me acuerdo no está aqui. El filme es increiblemente plano, especialmente ahora que Pixar nos indució profundidad digital. Los personajes son modelados de forma dulce, y realmente había una espécie de humanidad en la forma como eran creados, por eso nos relacionamos con ellos tan voluntariamente. Pero el filme en si es muy más pequeño de lo que mi memoria me contaba. Es increible como la percepción colectiva de las cosas adultera nuestra memoria de ellas.

Esto fue un regreso dulce a un mundo que no existe. Aún asi, es bueno vivir en ese mundo, de vez en cuando.

Mi opinión: 3/5

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Valkyrie (2008)

«Valkyrie» (2008)

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ilustraciones

No encontré aqui nada que no estuviera esperando, y nada de lo que esperaba estaba ausente. Esto es una mala premisa para empiezar un comentario. Lo que pasa es que no espero mucho de Bryan Singer. Si, él no dió «usual suspects» que tiene un cierto interes narrativo en la forma como los flashbacks son utilizados y en la forma como redefinimos todo lo que hemos visto con la reviravuelta final. Pero incluso allí la dirección era de estilo, y eso significa que él elige el efecto sobre el significado, la aparencia sobre el contenido. En todo caso él es claramente uno de esos tipos que se dejan llevar por el entusiasmo imenso que tienen pero que luego no tienen la inteligencia para submeter sus emociones a una estructura coerente. Como él, asi piensan muchos de los espectadores comunes, especialmente los que hacen cola para un filme como este. Por eso tenemos el sucesso de billetera.

Pero si quieres ir más allá, no encontrarás mucho que interese en el filme. Lo que si interesa es la historia en si. Lo que estes tipos intentaran hacer fue grande, no por el acto en si (seguramente muchos alemanes querrían hacerlo si pudieran) sino porque estes eran alemanes privilegiados, que podrían simplesmente haber jugado el juego nazi. Claro que en ese momento el final de la guerra se adivinaba y ellos lo sentian, asi que matar a Hitler era también una forma de proteger el futuro de los que lo rodeaban. En todo caso, fue un intento de coraje. Pero eso puede ser contado con un simples documental, como el de los extras del DVD. El filme es una simples ilustración de eventos, como las encenaciones de actos historicos de los documentales del canal História, con un presupuesto (bastante) más grande. Pero a parte de ello, es bastante inútil, excepto por un bajo valor de entretenimiento.

Bueno, los escritores intentaron construir la tensión al no permitir que supieramos de Hitler después de la explosión. Eso está más o menos bien hecho, porque ellos eligen un narrador, y nos hacen vivir las vidas de los disidentes. Pero nosotros sabíamos lo que había pasado, asi que incluso eso no resulta.

Después de la increíble participación de Cruise en Tropic Thunder, yo esperaba que él continuara con la redención de su carrera, pero aqui él vuelve a su rotina habitual. Pena.

Si buscas escenarios «realistas» y buenas ilustraciones, este está perfecto para ti. Si no, creo que puedes evitarlo.

Mi opinión: 2/5

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Tetro (2009)

«Tetro» (2009)

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alma encenada

Es muy bueno que tengamos esta película. Es fantástico poder verla, en la grande pantalla, como el filme lo pide.

Coppola es respectable, por lo menos. Querré mirar lo que sea que el haga, si siento que él ha puesto allí algo de su alma. Como es sabido, hasta 2 años atrás Dracula había sido el último filme que Francis había considerado seriamente. Los años 90 fueron un acumular de pedazos de basura inutiles pero eventualmente lucrativos, con que él pudo patrocinar la ascensión de Sofia, y un otro proyecto de Roman. Hace 2 años, él hizo un filme que yo aún no he visto, ya que lo estoy guardando para un momento especial; me parece que hay algo allí que requiere una preparación prévia. Ahora él danos este Tetro, y estoy feliz que lo haya hecho.

Él imagina la historia, y escribe el guión. Tenemos 2 escritores, y es la escrita del más viejo, soportada por la interpretación de más joven lo que nos da el arco dramatico. Todo tiene que ver con el drama, la encenación. La historia es resolvida con 2 performances al final, una pieza, y un concierto en un funeral. La verdad es que él complicó el final. Por lo que imagino, él tenía 2 ideas para terminar la historia que, hasta allí, había construído de forma impecable, y no tuvo la mente fria para elegir una de ellas, al invés intentó hacer los dos finales. Para mi (spoiler poco importante), él debería haber mantenido solo el festival, y de algun modo mezclar allí el funeral (o el significado de ello). De todas formas, ese es un momento notable. Él coge el final operático de su Padrino 3 y lo rehace, de una forma no épica, desiludida. Fue muy bueno, a pesar de sus fallos. (spoiler grande) Es un momento en que las vidas de los dos hermanos están siendo encenadas, tal como escritas en colaboración por los dos, mientras el verdadero final es revelado por el hermano más viejo, y la reviravuelta más grande acontece y nos despedaza. Es una carta formidable la que él juega allí, y a pesar de alguna ingenuidad en los diálogos y la arrogancia aparente en la actuación de Gallo, este es un pedazo poderoso de cine, resolvido en el próprio guión, y eso es raro, una historia (aparentemente) inventada que, por si misma, hace la película valer la pena. El motivo porque esto funciona tan bien es porque él aplica vários niveles de performance: la pieza que los dos hermanos escriben que está siendo representada, el diálogo entre los dos hermanos mientras la pieza ocurre (ese diálogo es assumido como representación también, por el escenario y las luces) y las cámaras cuyas imagenes llenan las pantallas, que encuadran tanto el diálogo como la pieza encenada. El personaje de Carmen Maura es un pivot aqui, ya que ella conduce el rumo de las cosas, y en verdad determina el final del teatro. Muy bonito. A partir de aqui, el resto de la película es bastante dispensable, excepto por la última escena.

Sentimos donde están las referencias autobiográficas, y a parte de hacermos el ejercício no muy interesante de comprender lo que es verdad y lo que fue puesto allí por motivos dramáticos, es saber que Francis se estaba poniendo realmente delante de nosotros, sobreponiendo su mente en la estructura del filme y asi construyendo un mundo fuerte, a pesar de «codificado», donde podemos sentarnos y donde podemos facilmente confiar nuestras emociones. En un cierto sentido, sabemos que Coppola es Tetro en la forma como ambos son creadores cuyo hecho de seren brillantes puede significar que están perdidos. Es un tema profundo de (des)equilibrio entre la arte y la alma del artista, y como consequencia, equilibrio entre ambos y la audiencia que se interesa. Probablemente Apocalipse tenía algo que ver con esto.

A parte de esto, tenemos aqui la mejor fotografia digital (?) que he visto ya. A través del n&b, a través del formato, a través del encuadramiento, Coppola y Malaimare hacen algo que no se hacía (bien) desde el Manhattan de Allen. Lo que hacen es alargar el formato, alargar los paisajes, luego detallar al máximo los interiores y utilizar toda la grandeza para obtener el efecto inverso, o sea, la intimidad. Manhattan fue probablemente más poderoso (nunca lo he visto en la grande pantalla), incluso por el formato 70mm. Pero este toca ese punto sensible, en el que la cinematografia importa y se mezcla con lo que nos he contado. Por eso tenemos contrastes, calles llenas de gente contra apartamentos pequeños, habitaciones de hospital contra los paisajes enormes de Patagonia. Esto tiene que ver con hacernos comprender el conforto de la intimidad versus paisajes infinitos. Es una idea muy bonita, y podemos agrupar este filme con solo unos pocos más, como películas que hacen esto bien. También las luces son ostensivamente artificiales en todos los momentos cruciales, ya que nunca nos he permitido olvidar que estamos mirando una pieza de teatro, con otras piezas dentro.

Realmente estoy feliz porque tenemos este nuevo director llamado Coppola, 30 años después. Este filme probablemente interesa más que cualquier otro que él haya hecho desde Apocalipse Now. Él no pone su alma aqui, pero seguramente la describe bien. Muy bien. Estoy feliz, como si eso interesara.

Mi opinión: 4/5

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Collateral Damage (2002)

«Collateral Damage» (2002)

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el bueno y el malo

Este fue uno de los ultimos filmes del «gobernador». Es interesante como el filme subraya el abordaje simplista que aparentemente forma el pensamiento republicano americano.

Es una historia de venganza. El hombre que perdió su família a las manos de un terrorista; él es el americano comun, oh ha visto la família morir, se culpa por haber llegado tarde. Esto es banal y visto más de muchas veces ya. Él retalia, hace lo que un «gran americano» haria, y busca venganza. El descubre varias cosas en el proceso, descubre que la matanza de su família era ya una venganza, y prueba que es mejor que los terroristas colombianos al salvar la vida de una madre y su hijo. Este hombre es superior no? Ahora, para ir más lejos (**spoilers aqui**), la madre cuya vida el salva está haciendo juego dublo, y es la pieza central en un enredo de terror que él pensaba que estaba en las manos de un terrorista «malo». Ahora, votarás en Arnie? deberías, ya sabes lo que está en juego. Supongo que en este momento, Schwarzenegger ya tendría su cargo político en mente, asi que creo que el enredo no es inocente. Sobretodo en un filme distribuido el año seguinte al 11 Septiembre. Tengo que admitir que una película asi deberá deslizar perfectamente sobre mentes de mantequilla.

La acción es aburrida, mira Stallone, Arnold o Seagal de los años 80 para tener este mejor hecho.

Mi opinión: 1/5

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Get Carter (1971)

«Get Carter» (1971)

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lo que ves es lo que es

Hay una rara atracción en los filmes ingleses de finales de los años 60 y inizio de los 70. Socialmente, tenemos allí un punto alto en la arrogancia habitual de los britanicos. Hoy, cuando el Reino Unido, en verdad toda la Europa, deslizan hasta una decadencia cultural, y indecisión artística, es interesante considerar ese contexto cultural específico, y mirar lo que salió de allí. Probablemente el mejor ejemplo de lo que estoy hablando es «Italian Job» donde también salía Michael Caine. Pero este film es un ejemplo bastante bueno.

Esto es una historia de detectives. Un tipo que intenta corregir una historia que le han contado, y asi rehacer la realidad donde esa historia entra. La estructura basica fue mantenida para el remake, con Stallone, excepto por el hecho de que allí tenemos el físico de Stallone en lugar del espírito practico de Caine. Ese es el juego básico. Hay piezas que no encajan, líneas quebradas, y Caine pelea para contar las cosas bien. En el médio tenemos dramas banales, temas familiares no resolvidos, que interesan muy poco. Pero hay 3 cosas que deben ser notadas.

. una es el uso del paisaje inglés rural/provincial. Ella crea el ambiente, evoca la forma que necesitamos para esta historia: mientes cerradas, gangsters poco sofisticados, pero un mundo ligero donde es aparentemente agradable vivir; por eso es tan credible que el hermano de Caine hubiera sido muerto en un accidente;

.el personaje de Caine, él es la formalización de lo que he dicho arriba. Una representación sofisticada, estilizada de lo que un británico «moderno» debería ser, después de las humilaciones de la guerra, y los exageros de los años 60. Él está arriba de su juego, a pesar de la ironia final donde la película termina. En un cierto sentido su personaje no es diferente de lo que él representa en Italian Job. Pero todo el proyecto es menos arrogante y auto-centrico que Italian Job (donde Caine decía «las personas en este país conducen en el lado errado de la carretera»).

. el desarollo de la historia (spoilers aqui). La resolución del mistério acontece por una película super8. Este es un mundo donde ver significa creer, y cada personaje está aqui para confundir la percepción de Caine. Asi, el hecho de que una película es la llave del juego hace la solución interesante (este aspecto fue mantenido en el remake)

Mi opinión: 4/5

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Natural City (2003)

«Natural City» (2003)

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mundo de papel plano

En mis comentarios, varias veces he referido el interes que me despierta el cine coreano actual (no estoy aún suficientemente confortable para investigar su pasado). En los últimos años, algunos de los mejores filmes que se hacen son coreanos. Entre su vasta producción, hay dos directores con los cuales me comprometo seriamente. He pensado en los motivos de este interes, ya que los filmes coreanos siempre me interesan, aunque sean malos. Por ahora, lo que creo es que este cine reflicte la cultura del país. Y esa cultura es un balanzo fragil entre el ocidente y el oriente. Corea, en muchos aspectos, es un país aparentemente governado por princípios occidentales. Aún asi, en su raiz, es una cultura oriental, que viene de la misma cuna que Japón o China. Asi, estas películas que yo aprecio para allá de sus características proprias, reflicten este equilíbrio, reflicten la esencia de dos visiones opuestas de sociedad.

A veces un filme carga más en la construcción espiritual de los coreanos, que permanece oriental en su núcleo. Otras veces, nos maravilla la forma como ultrapasam las narrativas occidentales. Kim Ki Duk y Wook Park son los mejores en cada extremo. El motivo porque menciono esto es porque este filme esta totalmente imerso en este contexto. Pero aqui el equilíbrio cae totalmente para el lado occidental, y no lo hace de forma positiva. El filme sigue Blade Runner en su cosmologia, en la forma como el mundo funciona, en la forma como las personas en ese mundo enfrentan su realidad, y incluso en la forma física de ese mundo. Pero donde Blade Runner tenia que ver con memorias, sueño-realidad, versiones paralelas y constantes redefiniciones de realidad, aqui todo eso es cambiado por una historia de «amor» pura. Ninguna de la ambiguidad de Dick, al invés tenemos una historia sencilla de telenovella sobre la forma como un hombre ultrapasa los rechazos y se compromete a salvar su amante prohibida, una «replicante» que va a morir en breve. No hay ningún truco en la forma como la historia se desarolla, no hay sorprisas para maravillarnos, no hay origamis aqui. Tenemos una simples celebración de grandes escenarios, mundos raros (que no so fascinantes), y de una cámara lenta que sigue Matrix. Hay poco que ver aqui.

Mi opinión: 2/5

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Cockfighter (1974)

«Cockfighter» (1974)

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fondo blanco

Realmente tengo simpatia por el tipo de filme que este intenta ser. Respecho las intenciones, siempre quiero vivir en los ambientes que filmes como este proponen. Pero cuando este tipo de film falla, nunca es un fallo glorioso, o interesante. La cosa desliza para campos vacíos de aburrimiento.

En lo que toca a la dirección y, para mi, actuación, este film falla totalmente. No porque sea incompetente, sino porque no es atractivo, no hay una idea visual que Hellman intente explorar. Este es su único filme que he visto hasta ahora; aqui él conecta su narrativa al personaje, el actor (que está también en varias otras películas del director). Aqui tenemos lo que ciertos críticos definen como «estudio de un personaje». Bueno, creo que eso puede ser bien hecho, si el personaje es interesante, y eso depiende de si el actor es interesante como actor y como persona. Asi, esto reduce drasticamente las posibilidades de suceso de un filme como este. No creo que Warren Oates sea suficientemente interesante para que yo lo siga voluntariamente. Esto hace la película desinteresante por su contenido, la vida de un simplório entrenador de gallos.

Pero algo redime todos los fallos. La cinematografia es discreta y linda en muchas formas. Almendros era uno de los cinematógrafos que mejor conseguia afastarse del protagonismo pero construyendo un ambiente valioso en que queremos entrar. Junto con Truffaut, él creó momentos preciosos de fotografia minimal, en el sentido que atinge la transcendencia partindo de un cierto «naturalismo». Impresionante… Se miras este filme puedes ser levado a creer, como yo fui, que parte es un trabajo burocrático donde Almendros tuvo que narrar el personaje aburrido que Hellman propone, pero otros momentos son brillantes y merecen ser vistos. Entre esos momentos estan las peleas de gallos. Los grandes planos de los gallos son preciosos, y la edición cuidadosa hace las peleas realmente duras y violentas. Los escenarios interiores, cuando asociados a una cierta intimidad, también son confortantes y evocan un ambiente. Para allá de estas escenas, querrás mirar una específica: es junto a un lago, donde el protagonista y su amante cambian cariños, y hablan de su vida y relación. El plano empieza como un plano aproximado de sus faces, sobre un fondo totalmente blanco. Luego la cámara empieza a abrir el plano, lentamente, revelando el ambiente, y es allí que comprendemos que estamos junto a un lago. Todo esto está hecho con una sutileza que realmente es difícil encontrar. Este plano quedará comigo por mucho tiempo.

Mi opinión: 3/5 miralo, por la cinematografia, apenas.

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Before the Devil Knows You’re Dead (2007)

«Before the Devil Knows You’re Dead» (2007)

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tragédia harmonica

Hay varias cosas que pueden, y han sido celebradas en este filme, en varios niveles. Algunas son competentes, otras bastante interesantes, y una otra simplesmente notable.

Aqui encontramos un director de topo en su mejor en lo que toca a la exploración de actores. Él empuja donde sabe que puede y debe empujar, y atinge picos de intensidad útil a que pocos directores llegan. Hoffman es una elección natural para el tipo de trabajo que Lumet hace. Él es uno de los más focados y conscientes actores hoy en dia, y lo que él hace es tan coerente como marcado por momentos eternos. Uno de esos momentos (la histeria en el coche, con Tomei) está totalmente en las manos de los actores, y Lumet solo tuvo que elegir los momentos más expresivos de cada actor. Pero una otra escena es una colaboración bonita entre Lumet y Hoffman: el monólogo en la casa del traficante de droga. Allí tenemos un actor transcendente, y el director de ’12 angry men’: centrado en los personajes, pero espacial. Es esa consciencia espacial que me hace buscar los filmes de Lumet. No hay un único espacio interior que no haya sido pensado, con o sin movimiento de cámara. Mira, es el personaje y no el espacio, el que determina el movimiento, el ritmo, el tono. Pero el espacio es explorado totalmente de forma a servirlo. Creo que tenemos eso en algunos momentos con Antonioni, pero nadie lo hace de forma tan consistente como Lumet ha hecho por toda su carrera.

Más de una vez, yo he notado que no me gusta Ethan Hawke. Su entrevista en el making of de este filme subraya los motivos porque él no me gusta. Pero admito que el encaja bien en la tapecería melodramática que Lumet creó aqui. Una vez más, como en «Great Expectations», Hawke no hace idea de nada tal como su personaje, pero aqui él comprende el ritmo. Supongo que deberemos dar el mérito a Lumet por esto también.

El otro punto que interesa es como la narrativa está modelada. Lo que tenemos aqui viene en la línea de lo que Iñarritu/Arriaga hicieron, y eventualmente alguno del trabajo de Figgis. No avanza de forma alguna lo que ellos hicieron, pero es bastante impresionante la forma como Lumet comprendió la evolución de la forma como se cuentan historias y puso su talento cinematográfico al servicio de esas evoluciones. Que evoluciones son esas? Basicamente, la consideración de un mundo complejo en que no seguimos una simples línea, seguimos várias que se intersectan, cada una con el potencial para afectar todas las otras. Es una cuestión de considerar la harmonia de 3 melodias diferentes sobrepuestas, al invés de seguir solamente una. Es eso que el cine está haciendo.

Mi opinión: 4/5

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