Archivo para 28 diciembre 2008

Carmen (2003)

“Carmen” (2003)

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España francesa

Si empiezas a pensar en el contexto de este film, querrás mirarlo. Al menos yo: esto es la adaptación de una novella de un escritor francés (imortalizada en la ópera de un compositor francés). El escritor, Mérimée, era también un historiador-arqueólogo-traductor; esto significa que era alguién a quien interesaba el “exotismo”, en un tiempo en que los mundos rurales de España o Portugal aún eran considerados exóticos por los franceses y ingleses. Esa novella estableció los clichés y preconceptos con relación a la cultura española que aún existen hoy en dia (y que son explorados con eficiencia por la indústria de turismo). Bizet también ayudó a establecer otros clichés, musicales. Pero esta película es española, en producción, mentes creativas, y personas envolvidas. Asi, esta era una oportunidad brillante para tenermos un comentário español a una cultura española descrita por un francés. Esa era mi motivación para mirar el film.

Ellos empiezan muy bien, y yo creo que han pensado en lo que mencioné arriba. Por eso ponen Mérimée, ello mismo, como un personaje en la historia, uno que observa la Andalucía como extranjero, y saca notas de lo que mira, y aún comparte espacio y escenas con la Carmen y José. Eso fue bueno, y aprecié la audácia de cruzar la línea de los factos (si existió alguna Carmen, Mérimée nunca la conoció).

Pero el problema es, ellos nunca salen de los mismos clichés que Mérimée creó. El film es visualmente tan luxuriante como la ópera lo es musicalmente. Los escenários so brillantemente barocos, la (excelente) producción realza los ambientes de pasión (también operáticos), y un ambiente naranja/amarillo sexual y tentador. Pero ellos también realzan el temperamiento de los personajes un poco demasiado; y asi desvian la cosa de lo que podría haber sido mejor explorado, algo que podría interesar y que en verdad es notado:


El drama es construído al redor de Carmen, y la inabilidad de José jugar el juego con las reglas de ella. Esas reglas son definidas por un contexto cultural, y allí está la fricción cultural. Carmen viene de un ramo de la cultura española que transcende la España. Gitanos, un grupo nómada, un pueblo que no quería, o no podía adaptarse a las normas establecidas por la cultura romano-católica (es rejección al mismo tiempo procurada y forzada aún sigue en muchos sítios hoy). José es vasco, pero eso es poco notado, podría bien ser de Madrid, por el caso sería igual, él es igualmente un cliché. Asi, es esa diferencia cultural que interesa. Esto es, como he dicho, notado, pero no colocado en el centro de la construcción. Ellos prefieren realzar la sensualidad como el mecanismo del enredo y el sexo como la motivación de los personajes. Por eso tenemos Paz Vega, que había participado en el sexo-centrico y brillante ‘Lucía y el sexo’, solo 2 años antes. Bueno, ella hace lo que se pide de ella, y es sensual para mis ojos contemporáneos y contextualizados. Asi, el problema no es lo que ellos hicieron aqui, sino lo que podrían haber hecho.

Nota paralela: uno puede considerar la Carmen un símbolo de una emancipación feminina que solo pasaría realmente décadas después. Esto es algo que Mérimée observó, o algo que incluyó como parte de su visión francesa más cosmopolita?

Mi opinión: 3/5

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Trasgredire (2000)

“Trasgredire” (2000)

trasgredire

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Mirar y Tocar

Por veces elijo un número de films, 5 o 6, que exploran, creo, algunos temas que me interesan. Esta vez, no sabia exactamente lo que quería, pero -sabia que tenía algo que ver con formas de explorar una cierta noción de erotismo, o al menos una película centrada en sexo. -También quería conocer formas de comprender una mujer, o las mujeres, através del cine.

Este fue el primero film que decidi ver en este ‘ciclo’ (a pesar de ser el segundo que comento). Está más centrada en una mujer que en sexo.

Realza Mayarchuk, y toda la historia gira al redor de observadores, y deseo por ella. Asi tenemos una historia de voyeurs, personas que miran, personas que tocan. La propria idea de lo que el sexo significa en una relación subraya esto: personas a quien les gusta mirar sus parceros haciendolo con otros. Mirar como combustível para los celos, y los celos como combustível de la pasion.

Sobre todos los personajes que se miran, tenemos Brass que mira Mayarchuk, y el tema visual aqui es explorarla. Asi, todo el sexo con ella son situaciones hechas para mostrar su cuerpo (especialmente su culo. Mira como todo el sexo con ella es por atrás, incluindo el oral y las carícias).

Claro que estes films, mientras dan a los directores una mayor libertad para explorar sus preocupaciones visuales (el público médio pide poco de este tipo de films), también surgen agarradas a un presupuesto bajo (bajos valores de producción), y un número de reglas que tienen que seguir. Tinto Brass es aparentemente un maestro de este género (esta es su primera película que miro), y creo que hay buenas cosas para explorar en este tipo de films.

Para mi, Mayarchuk no es apelativa, a pesar de yo ser de una cultura europea y latina. Asi, supongo que ella va de encuentro a los deseos de una buena parte de los espectadores portugueses, españoles y italianos, para quien ser rubia, y grandes formas son el símbolo de una sexualidad nórdica, tan apreciada en el sur de Europa.

Mi opinión: 2/5

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Lila dit ça (2004)

“Lila dit ça” (2004)

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ineficiente

*** Este comentario puede contener spoilers ***

‘Finding Forrester’ más Nabokov, más Tornatore. El producto final puede parecer semellante a ‘Lucia y el Sexo’, pero es un juego bastante diferente. Y almas bastante diferentes jugandolo.

Creo que al final, esto es una mezcla de diferentes ideas, diferentes ritmos, diferentes dinamicas, y no funciona exactamente como era pretendido (al menos lo que yo creo que era pretendido). Intenta trabajar el cambio de edad de un chico, la flor que cresce en el pantano de marginales. Él es un escritor, esto interesa, más adelante en la peli, y él se relaciona con la chica.

Ella es Lolita, y el final comprendemos que el chico escribe la historia que ella le cuenta (por eso el título de la película). Estoy empiezando a encontrar un dispositivo común en películas, que es cuando nos dan pistas que la película que estamos mirando es en verdad la película o livro que alguién en ese film está creando. ‘Pepi, Luci…’, ‘Das Leben…’ etc. un dia haré una lista.

Vahina Giocante es parcialmente responsable por esto no funcionar para mi. Ella no es Dominique Swain, ni Juliette Lewis. Un personaje como este probablemente pide alguién como Jennifer Connely en sus años adolescentes. Giocante por acaso utiliza muy bien sus ojos, pero no mucho más. Esto puede ser cultural, pero ella no lo hice bien para mi.

Hay un enredo secundário sobre imigrantes musulmanos en Francia (creo que el director viene de ese contexto). Creo que debate demasiado ese tema. Nada contra, pero uno puede hacer películas sobre imigración y fricciones sociales si uno quiere (‘La Haine’, hecha por un frances) pero  esta debería funcionar en el nivele de un encontro inocente, revelaciones íntimas, chico conoce chica y lo que resulta de eso. El resto es inútil, para mi.

El final es poderoso, probablemente el pedazo más poderoso del film. Eso porque utiliza el dispositivo narrativo de que hablé para resolver y concluir el arco dramático general. La chica tiene un libro donde colecciona pedazos de revistas, fotografias, periódicos, el material que utiliza para inventar su vida centrada en sexo. El chico descubro que todo era una invención en la cama donde ella es violada, si, pero el momento en que él revive todas sus fantasias con su libro de cosas sueltas fue muy más poderoso para mi. Esto compensa parcialmente las fraquezas del resto de la película.

Creo que había ambición aqui, el director está haciendo su camino (esta es solo su segunda película), pero no resultó, no para mi. Y eso es pena, he venido a esta película porque estoy intentando encontrar películas sobre mujeres, que realmente intenten comprenderlas, o dar un punto de vista interesante (Medem es mi maestro en este punto).

Mi opinión: 2/5

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Marnie (1964)

“Marnie” (1964)

marnie

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Solo una aresta

Esta es una película menos apreciada de Hitchcock. Creo que no resulta en un punto que Hitch seguramente estaba intentando, pero funciona muy bien en otro nivel. De todo modo, creo que lo que interesaba más a hitch fue donde él no lo hizo bien.

Las personas que han leído otras opiniones mias sobre los films de Hitch saben que para mi, él trabajaba en fases distintas, motivadas por temas que le interesaban en ese punto dominar. Asi, creo que él tuvo una fase de exploración espacial, otra basada en ambiente/estilo (culminando en North by Northwest) y una tercera fase donde coloco esta película.

Esta fase tiene que ver con intentar econtrar soluciones visuales/narrativas para entrar el abismo de la alma humana. Creo que, ya habiendo dominado la manipulación visual/narrativa superficial, y creado ensaios sobre como el ojo funciona (Rear Window, Rope, Dial M…) él estaba interesado en comprender lo que podría hacer si intentara poner el interior de un personaje en los ojos de una audiencia. El curioso es que aqui, él lo hizo bien en el primero intento, con Vertigo, uno de los mejores films de siempre. Lo que él hizo después nunca fue tan bueno o interesante, no para mi. No con Psycho, Birds o este Marnie.

El sucesso de Verigo está en el hecho de que el personaje de Novak nos ilude en la misma medida que ilude el de Stewart, asi que vagueamos por las mismas calles labirínticas y estrechas de ignorancia que Stewart. Eso es el dispositivo que Hitch utiliza, y la capacidad superior que él tiene para desarollar todo visualmente completa el juego.

Asi, el punto en que esta película no resulta es donde era más ambiciosa: intentar hacernos funcionar como Marnie, y ver el mundo por sus ojos. No hay dispositivo narrativo que permita a Hitch poner en prática sus fabulosos talentos para la narración visual. Por eso él utiliza la pantalla roja siempre que quiere subrayar el estado mental de Marnie. Con la excepción de esos momentos, que no son suficientes para transportarnos, al menos no para las audiencias de hoy, como espectadores somos solamente observadores de los factos de la vida de una mujer que comprendemos estar perturbada, sin nunca lo sentir realmente.

También, y esto puede ser la culpa de Hedren/censura, nunca conseguimos conectarnos a la sexualidad reprimida y distorcida bajo la frigidez de Marnie (al menos yo no consegui hacerlo). Ta vez la película que este tema merece no pudiera hacerse en 1964. El caballo como elemento de escape para la represión sexual de su madre, su comportamiento de repulsa como el centro de su capacidad para atrair, o la escena de violación (tanto por el personaje de Sean como la violación implícita en la infancia de Marnie). Pena, pero no se si Hedren podría haberlo hecho bien, aunque no existiera la censura. Simplesmente no me parece ese tipo de mujer (tal vez Novak o Kelly pudieron hacerlo).

Lo que si funciona es lo que Hitchcock siempre hizo bien: su economia visual, y como él coje la audiencia en el ojo y la lleva donde quiere. Hay escenas que son notables por si solas. Asi, mira la escena inicial, como él establece lo que Marnie hace, su método, su disfraze, y la introducción al personaje de Sean Connery y lo que él sabe. Mira la escena del robo en el despacho de Rutland, como el encuadramento perfecto (en termos de decidir exactamente lo que vemos) crea una escena tensa y puramente visual. Y mira también el plano aéreo relativamente celebrado en la fiesta, es realmente económico y significante. La película es un fallo relativo por lo que dice, pero estas escenas la hacen valer la pena.

Mi opinión: 3/5

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Double Indemnity (1944)

“Double Indemnity” (1944)

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Personaje conduz el Destino?

Justo antes de esta, he mirado el ‘Ministry of Fear’ de Lang, donde él era un hombre salindo de una concepción visual específica para entrar en otra con efectos visuales similares, pero utilizadas de forma totalmente diferente (y aqui está la dificultad de Lang para entrar su nuevo mundo). Billy Wilder nació para el cine en el contexto del juego noir, fue uno de los mejores en ello, y hizo el mejor film de la primera fase noir, para mi. Esto es su primero noir (y solo su cuarta película). Podemos ver donde quiere ir, y mirar este film es importante, si no por más, para comprender las raíces de ‘Sunset Blvd.’, una obra maestra en narrativa cinematográfica.

Asi, tenemos un sistema narrativo frecuente, donde el personaje principal, al redor de quien toda la historia se desarrolla, narra todo (en ‘sunset’ assumimos que estamos escuchando un hombre muerto, aqui él graba su própria voz, antes de morir). Eso es bueno, eficiente en dos sentidos.-Primero, dinos donde la historia termina, sabemos que en algún punto, algo pasará para dejar los personajes en el punto que vemos al inizio del film y limita la narrativa en dos puntos: los imagenes que tenemos de los personajes después que todo pase, y él primero momento del flashback que él narra.-También assume definitivamente quien es el narrador; nosotros Sabemos que todo que vamos a mirar está en los ojos y tiene el punto de vista de Neff, y especialmente, lo que No miramos, ello tampoco mira.

El resto es juego noir normal, vários personajes que pelean por poder sobre la acción, Neff, la ‘femme’ rubia, Zachetti; una mujer que es marioneta de todos los marionetistas, Lola, y el ‘detective’ que en este caso no está en el centro de la historia, al invés intenta comprender las cosas que nosotros, audiencia, ya conocemos, y sirve como obstáculo a Neff (el personaje de Robinson).

No resulta en algunos puntos. Creo que Stanwyck no tiene el magnetismo necesário, y aún menos cuando comparte la pantalla con la fantástica Jean Heather, que se posiciona y actua de formas muy más interesantes. Su personaje podría haber sido explorado de forma muy más interesante, ella es Lola(ita!). Supongo que los códigos y la censura no habrían permitido que algo realmente interesante hubiera sido hecho con su personaje. Se supone que Zachetti es un personaje poco importante que gana un relieve vital, pero la verdad es que él cuenta poco. Y la conclusión del juego es floja, porque es Neff quien elige su destino, no el inverso… Él podría simplesmente haberse girado y salvarse, si no fuera por problemas de consciencia. Él debería haber terminado liado por el destino que lo movió todo el tiempo.

Mi opinión: 3/5

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Ministry of Fear (1944)

“Ministry of Fear” (1944)

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Noir y (sin) Alma

Que pasó con Fritz Lang cuando se fue a America? Todos los elementos más fuertes de su creación en Alemania desaparecieron. Estoy buscando sus películas americanas, hasta ahora he mirado 3, y ninguna vale el tiempo.

Asi, la historia es algo conocido: Lang ya habia hecho un bueno número de películas en Alemania, todas ellas (o la mayoria) intentando explorar los limites del cine como un palco, y trabajando en intentar encontrar una manifestación visual para las almas en los films (expresionismo). En el proceso, él creó trabajos de un poder visual durable (M, Mabuse y Metropolis son probablemente los pntos más altos, por lo que conozco). Él no estaba solo, al invés estaba inserido en una tendencia en Alemania. Con la ascensión de los nazis, él se fue a America. Allí, abandonó los intentos expresionistas, y empiezó a produzir sobretodo en un género en evolución, que sería el film noir. El noir básico, de los años 40, tiene mucho que ver, visualmente, con el expresionismo que Lang ayudó a desarrollar en Alemania, pero con un desarrollo narrativo diferente, y cambiaba el sentido de lo que la luz/sombra significavan en las películas alemanas.

Este último punto es probablemente lo que hizo Lang fallar. En Alemania él estaba interesado (como expresionista) en pasar los sentimientos pesados de los personajes para nosotros, y hacernos sentir como ellos, y crear un mundo que reflexionara una alma. Para el noir funcionar, él director tendría que estar concentrado en como la historia se desarrolla al redor de un personaje. Es una cuestión de crear un mundo que el personaje principal (y nosotros) no conocemos, para hacerlo a él y a nosotros descubrirlo. El personaje está en el centro del mundo.

Asi, esto ES noir. Tiene todos los elementos, en verdad estan bien montados. Fue hecho en un momento en que el noir ya estaba totalmente establecido como género, y con reglas bien definidas. Asi, tenemos el personaje de Ray Millan en el centro de una conspiración creada “especialmente” para él. Pero después, Lang quiere mostrar la profundidad de la alma del protagonista, el tiempo que él siempre mira al inizio y en el curso de la película. Y eso confunde las cosas, aunque porque la construcción noir es puro noir, pero no asi tan bueno, no asi tan cautivante.

Somado a esto, tenemos la voluntad de retratar la guerra. Asi, el enredo secundário es probablemente un mensaje de “suspecha de todos” que estaba destinada a las audiencias de esos dias. Pero, al final, es entretenimiento.

Asi, esto no tiene alma, porque Lang queria desarrollar almas, pero el género, entonces relativamente nuevo, pedia técnicas narrativas.

Mi opinión: 1/5

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Number Seventeen (1932)

“Number Seventeen” (1932)

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3 visiones

Si esta hubiera sido la última película de Hitchcock, tendría solo un pequeño interes historico hoy. Pero como él siguió y dirigió otros films como Rope o Rear Window, esta pequeña pieza (y otras) quedan muy importantes para que uno pueda comprender donde su cámara curiosa empiezó.

Quiero mirar otras películas de Hitch de esta fase, pero ahora mismo, para mis ojos, en este momento él estaba muy conectado a dos concepcions visuales existentes, y intentando crear su própria.

Asi tenemos contrastes fuertes, donde las sombras dibujan acciones, o objectos o mismo personajes y eso define el ambiente de lo que pasa, seguindo el expresionismo alemán (que más tarde sería el suporte perfecto para las construcciones narrativas del film noir). En este campo, Hitch no es un génio, pero dominó bastante bien las herramientas. Esto existe en la primera parte del film, en la casa.

Él también sigue Eisenstein, y la sección de tren es una montaje muy buena. Él utiliza los modelos muy bien, y la edición tiene buen ritmo y equilíbrio. También aqui él es competente.

Pero lo mejor es lo que tenemos en la primera parte de la peli: el movimiento de cámara. Creo que él elegió esa casa con ese pozo de escalera para poder jugar con lo que le interesaba más. La cámara muevese y explora espacio, la escena donde el detective (y nosotros) entra en la casa por la primera vez es una demonstración adelantada de lo que la ‘fase Rope’ hiba a traer. La primera tercera parte del film es basicamente subir y bajar escaleras, descubrindo cosas, y explorarlas con la cámara.

Su estratégia ‘McGuffin’ es una confusión aqui, él aún no era capaz de hacer un enredo suficientemente simples y eficiente para hacernos olvidarlo y concentrar en lo que él hacía en el ojo. Es confuso, y tan complejo (tantos personajes desnecesários!) que nos puede hacer intentar encontrar un significado para todo. Bueno, yo no lo hice, y lo miré por la manipulación visual que Hitch hace.

Este film está quebrado en pedazos (empiezando con el enredo) y dividido por tendencias cinematográficas. Cada pedazo es competente, pero el resultado final es bastante confuso. Bueno, él estaba experimentando.

Mi opinión: 2/5

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Paprika (2006)

“Paprika” (2006)

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sueños filmados – films soñados

Esta fue más una grande aventura en los campos de la animación japonesa. Entre el malo material que imita formas occidentales de llegar a grandes audiencias, y las producciones que son fundamentalmente extensiones de séries de TV y manga hechas para ganar dinero, tenemos muy buenas películas. Esta, probablemente, es la mejor que he visto, por ahora.

Este es un film sobre films. Literalmente. Los sueños aqui son como films. Una de las primeras escenas establece esto, cuando Paprika hace una comparación directa entre sueños y films, ella llega a establecer la diferencia entre cortos y longos. La película empieza con una secuencia de sueño que es en si misma una série de citaciones de películas, de Tarzan a Hitchcock. Eses sueños son “captados” por una máquina que literalmente los convierte en películas que podemos mirar en una pantalla. Esos primeros minutos establecen esto, con grande economia y claridad.

Mira que en los momentos cruciales, la transición entre realidades, o entre sueños, o mejor aún, entre films, es hecha por una pantalla en un teatro.

El hombre cuyos sueños vemos al inizio (el detective de policía!) era, ello mismo, un director, asi su mente (sus sueños!) son habitados por films, y esto es una referencia directa a como las películas modelan nuestros sueños y nuestra imaginación. Hablo várias veces de eso cuando escribo. Los films son, probablemente, el veículo más fuerte para las generaciones modernas funcionaren mentalmente, en el campo de los sueños, ellos tienen esa responsabilidad. Asi, tenemos una calle de teatros con numerosos films en exibición, incluindo otro del director de este, o la “Guerra y paz” de Audrey. Elige los tuyos, yo hice mi elección.

En una escena específica, en un momento importante, cuando todos los sueños acumulados que espiamos se mezclan con resultados explosivos, tenemos ese detective hablando sobre termos técnicos de cine, y él está fisicamente modelado según Kurosawa. Él está dentro de un teatro cuando esto pasa. Esto fue una aproximación fantástica y definitiva a la idea de films como sueños. Kurosawa dirigió un film en que nosotros visitamos sus sueños personales, entrando en ellos con la noción perfecta de que somos visitantes de una mente que nos invita. Satoshi Kon podría tener esto en su cabeza cuando elegió utilziar Kurosawa; o simplesmente elegió Kurosawa por broma.

Paprika empieza como un pivot en la história, una que mira y corrige sin interferir demasiado, pero al final ayuda a escribir la história. Al final, las cosas se solucionan cuando el detective comprende el final de su sueño filmado perturbado.

La música cubre completamente lo que se pretende. Hay una bella ambiguidad y atractividad completamente en el contexto de lo que vemos: Nunca podemos imaginar si estamos en un sueño o realidad, pero independiente de lo peligroso que parezca, siempre queremos entrar en lo que vemos.

Mi opinión: 4/5 esta película interesa.

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Wilder (2000)

“Wilder” (2000)

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fármacos televisivos

Lo que me aburre en películas como esta no son las cosas que no funcionan. Son las que podrían haber sido hechas. No es tanto la falta de fuerza visual y el resultado final malo, pero la total pobreza mental que lo rodea.

Ellos elegiran dos actores minimamente interesantes, con créditos y fama, y los pusieron en esta confusión, confiando en el echo de que su presencia haria el invertimiento compensar.

Esto es una desgracia, una historia floja, sobre unas personas honestas que luchan contra intereses farmaceuticos, contra tudo y todos, en plan ‘Fugitivo’. Pam Grier tiene la función secundária de ser sus personajes pasados, asociados con cuestiones raciales y feminismo. Tanto ella como Hauer están aqui para ganar el dinero. Podrían estar haciendo cosas mejores.

Intentar hacer una película como esta es tanto un engaño como los testes radioactivos en el film.

Mi opinión: 1/5

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por las películas, Manoel de Oliveira

oliveira

Los que, por hábito, leyen este blog saben que escribo casi exclusivamente directamente sobre películas. Con la excepción de una média dozena de entradas sobre temas diversos, todo el resto son comentarios a películas que miro. Hoy es una de esas excepciones. La excepción es que un director, aún en actividad, completa 100 años. La mayoria de los portugueses partilla dos características: -todos conocen la figura, Manoel de Oliveira, y saben que hoy es su aniversário; -pocos han visto una película suya y los que han visto normalmente no les “gusta”;

Todavía, yo creo que si, es curioso que alguién viva para dirigir una película a los 100 años de idad, pero la Obra en cuestión es más que una curiosidad. Interesa, para mi, y en algunos momentos, pesa en mis sueños. Desde que empezé este blog, comenté una película de Oliveira, su Cristóvão Colombo – O Enigma pero la verdad es que la primera vez que escribi sobre cine, fue comentando una de sus películas. En 18 de Agosto de 2002, comenté “Viagem ao Princípio do Mundo”, un film que cambió mi forma de ver films, y por eso, mis sueños. Hoy, cuando leo lo que he escrito, cuando tenia 18 años y una cinefilia cresciente, no suporto ya la ingenuidad y inconsciencia de las observaciones que hice, pero mantengo la pasión por la película, que ahora extiendo a la obra del hombre. Aqui dejo ese comentário primário:


Portuguese fado plus deep philosophy


I must say that this film, made by the most prestigious portuguese director (Manoel de Oliveira), is a great reflexion about Portugal’s more typical feelings and about life in general. It has in it the symbols of many things like the hard work shown by Pedro Macau, the statue. It is also a way to show the beautiful landscape (at least a sample of it) that my country has… It is important to notice the past of Afonso, the son of a portuguese emigrant in France, which is very common in Portugal (there are about 750 000 portuguese emigrants in France) and the recent portuguese history told by the country old woman. It’s a grace to watch to this touching movie. In it Marcello Mastroianni says Goodbye to cinema… and to life. He did the best way, I must say. This peace of art proves at least two things… Poetry can be written through images, and the portuguese people have poetry on its spirit; Oliveira with his now 93 years old proved it… Behold a master piece!…

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Destaques

Una de las películas que mas espero; sobre un libro de Saramago, dirigido por Meirelles, con Julianne Moore. Mira Diário de Blindness, mantenido por Meirelles (en portugués)