Archivo para 21 marzo 2008

Helvetica (2007)

“Helvetica” (2007)

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Catálogo

Como un futuro arquitecto, me senti muy cerca de lo que se discute en ese documental. La evolución de muchas de las cincepciones, comunes, de lo que arquitectura deberia ser, o en este caso, lo que design gráfico deberia ser, es muy similar. Asi, tenemos design, aqui representado por várias fontes de letras como una respuesta para una necesidad, como una representación de un cierto momento en el tiempo, o como el símbolo de determinadas concepciones políticas o actitudes delante de la vida.

El título es una creación del modernismo, eso significa que funciona, intenta ser universal, y es durable, visualmente. Esono significa que no puedan ser alvo de críticas. Lo que pasa es que la mente humana no permite a los humanos quedaren siempre iguales. Eso porque la mente humana es creativa. Al mismo tiempo, a los hombres les gustan fórmulas. A los hombres les gusta que les digan lo que está cierto, les gusta confiar. Y, en verdad, con la excepción de un número muy reduzido de artistas que tuviran/tienen el génio para produzir trabajo generado en una realidad externa, algo que Plato describe muy bien, la gran mayoria de los mortales necesitan referencias, fórmulas (mismo cuando luchan contra ellas), necesitan restricciones, como alguién ha dicho en el documental. Asi, podria adicionar muchas cosas a Helvetica, las cajas modernistas de Bauhaus, los espacios transparentes de Mies, todo eso fuiran creaciones que vienen de mentes creativas, y fuiran adoptadas masivamente, con resultados muy interesantes, o con pierda gradual de interes, contexto, y cualidad. Al final, creo que todos somos, hasta un cierto punto, conservadores y radicales, conformistas y revolucionários, Helvetica o Script, Gropius y Gaudi. La creatividad humana funciona en la oscilación entre estes extremos, y en los conflictos dientro de esa evolución. Asi, quien eres tu? Que riesgos quieres tomar? Estas dispuesto a inovar? Si fueras (eres) americano, en quien votas? Obama o Clinton? La idea por detrás de este film es que tus opciones definen quien eres. Pero hay algo a tener en cuenta. Hablamos de las opciones sobre las creaciones de otros. Las personas dicen que Helvetica es parte de ellas mismas, pero también es parte de American Airlines. Y una ventana está abierta en el final de esto.

Lo que pasa es que hoy la democracia tecnológica que vivimos nos permite tener muy más poder de comunicación y personalización de nuestras “tarjetas de identidad”. Yo creo que la tecnologia no estimula la creatividad, aumenta, si, nuestras opciones, pero eso solo nos da un mayor catálogo de “fontes”. Nuestro poder para inovar es el mismo, con o sin ordenadores. Yo creo aún que los tiempos fantásticos que podemos obtener cuando utilizamos los ordenadores pueden matar el proceso creativo, porque nos apresamos a decidir y solo detectamos que las opciones son malas cuando ya es muy tarde para cambiarlas. Pero es fantástico que hoy una persona pueda produzir una película con un móvil, o saber todo sobre un determinado tema, con poco o ninguno dinero. Llevará unos pocos años hasta que uno pueda comprender las posibilidades de la tecnologia de hoy, y que tipo de trabajo importante podremos crear con lo que tenemos hoy. Soy Soy céptico pero también encorajo las posibilidades, y pienso en lo que podremos hacer con ellas. Y creo que es excitante estar vivo y poder participar en el proceso. Escribindo en Helvetica o con la mano…

Mi opinión: 4/5 mira esta.
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The Transporter (2002)

“The Transporter” (2002)

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pólvora seca

Esto se basa en nada. Todo explode, pero nada interesa. Los elementos utilizados aqui serán mirados, lo creo, como las principales características de las películas de acción de esta primera década del siglo. Tenemos una cinematografia específica, basada en tonalidades azules que funcionan como un tipo de imagen sóbria, dura. Esto, se supone, marca el tono para la acción, que será coreografada, pero también dura, pesada, mismo violenta. La edición tiene un papel fundamental en todo esto, muchas veces no nos permiten a nosotros, espectadores, comprender exactamente todo lo que está pasando. Las películas Bourna empezaran esto, creo, Casino Royale exploró la idea con sucesso, asi como várias otras películas. Esta no. Esta es una colección de trucos inutiles, que no funcionan en ninguna situación, en ningun momento de la película. No hay nada aqui. Copia mal sus referencias, vive de una determinada idea de estilo, pero que surge aqui corrompido y utilizado de forma incompetente.

Mi opinión: 1/5 quedate lejos.

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Billy Madison (1995)

“Billy Madison” (1995)

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Sandler con una ayuda

esta es una película vulgar con dos momentos que compensan.

Adam Sandler nos ha acostumbrado con proyectos en que todo gira al redor de su personaje, todos los elementos existen para realzar sus cualidades como intérprete de comédia. El es uno de eses humoristas que construyó una carrera al redor de un personaje. En este caso, un anormal, aparentemente arredado de todo en su vuelta, pero que al final es capaz de hacer algo al mismo tiempo muy honesto y muy difícil. Mismo el título nos dice lo que vamos a mirar: billy, y no mucho más.

Hay una cuestión de escojas personales aqui, se te gusta Sandler, podrás aguantar esto, supongo que tiene buenos momentos de su ‘personaje’. Pero es, al final, una experiencia vulgar sin mucho, o nada, para dar.

Hay, todavia, dos episódios bien hechos. El primero es la participación de Steve Buscemi. Ele aparece aqui también referenciandose a su otro personaje, el extraño psicopata, el viejo compañero de clases de Sandler, que se queda un psicopata con desvio sexual. Eso fue muy gracioso, por la asociación que hacemos con los personajes anteriores de Buscemi. El otro momento es el pedazo musical. Supongo que funciona porque es de todo inesperado. Almenos yo no lo esperaba, y imita bien, con un bueno nívele cómico los musicales clásicos que referencia. Claro que, aparte de estes momentos, no hay nada más aqui.

Mi opinión:2/5

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No Country for Old Med (2007)

“No Country for Old Men” (2007)

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los niños que saliran de la caja de arena

Esta película es una gran experiencia en muchos niveles, es una de las mejores utilizaciones del widescreen que he visto en producciones recientes. La fotografia causa envidia, y llamo la atención para todas las escenas que toman lugar en el sítio del masacre. Dia, noche, de arriba para bajo, y al contrário, todas las situaciones y ángulos son intentados, y todos significan cosas diferentes en momentos diferentes de la narración. Es buen trabajo. Pero hay cuestiones que necesitan serobservadas, creo.

Estoy convencido que mucha de la diversión que uno puede sacar de una película (o otro trabajo creativo) es una cuestión de decisión personal. Basicamente, hay dos opciones: quedarse en la superfície, o pensar/sentir. La vasta mayoria de la audiencia média de cine se quedará en la primera situación, que basicamente se resume en “me ha gustado la história?”, “me han gustado las actuaciones?” (en el nivel de seren convincentes o artificiales), y eventualmente la belleza de las imagenes. Para ese tipo de audiencias, creo que esta película funcionará en la perfección, porque está hecha con situaciones/enredo/personajes ya vistos. Nada de lo que miramos aqui es inédito, narcotraficantes, dinero, el sheriff, y la frontera de los Estados Unidos con México. Ah, y el psicopata. Con estas afirmaciones, no me estoy sacando de esa audiencia média. Solo intento hacer mis caminos que me lleven a comprender lo que podrá estar detrás de esto. Eso porque no me creo que los Coens pudieran simplesmente irse con la mayoria, y hacer lo que seria de esperar de otros directores competentes. Pero, aparentemente, es lo que hacen… supecho que lo hiciran con intención.

Me gusta mirar auto-referencia en las películas, o metáforas para la mecánica de las cosas en el mundo real. Intenté hacer mi própria interpretación del mundo que he mirado en esta película, y establecer una posible relación que puede, o no, tener alguna lógica, Es importante decir que no he leido el libro, ni conozco la escrita de McCormack, pero creo que su influencia puede sentirse en la construcción narrativa, con episódios que son paralelos y que por veces pueden tocarse y conectarse (los Coen no trabajan asi muchas veces). Al final, quize mirar esto: tenemos un film que empieza en el rescoldo de un masacre. Muchos cuerpos, disputas por droga en un território frontera, y mucho dinero. Esto está encenado para nosotros, es la sección de la película donde somos más obligados a realmente mirar el escenário y ponernos allí. Tenemos alguién totalmente ignorante con relación a lo que ha pasado, y el destino/suerte lo llevan a encontrar el dinero. Y el es perseguido por eso. Mira el cazador. Todos creen que es loco, que “you (el) don’t have to do this”. Pero el se queda igual a si próprio siempre. El tiene su própria moral, el crea sus reglas, y aún confia en el destino, cuando utiliza una moneda para decidir sobre la vida y la muerte. Al final, el solo busca exactamente lo mismo que todos los otros, el ‘macguffin’ (dinero), pero intuitivamente sabemos que el tiene otras motivaciones, a pesar de no sabermos cuales. Esto fue hecho por dos hermanos, que se orgullan de ser los que juegan en la caja de arena en la oscuridad de Hollywood, hacen sus juegos y no se aburren con los que “solo” buscan el dinero. Pero, ellos también juegan el juego grande, ellos también producen en el contexto de Moss y Wells de esta película, y también son controlados por el sheriff. Ellos no son independientes en la visión fallida europea, ni son cineastas de bajo custo. Ellos son estrellas, y el sucesso mediático de esta película deberá tornarlos aún más estrellas. Asi, creo que he mirado un juego. Los Coens ponendo audiencias, investidores, productores mirando a si mismos, y riendo de si mismos. Ironia encobierta? Pero tengo algo más para decir. La película llenó muchas carteras, es mirada, y su sucesso podrá quedarse en algun tipo de paradigma, un estilo que será copiado, y reconocido. Asi, quien ganó el juego?

Y para terminar, creo que esta es la película más “convencional” de los Coens, convencional en relación a las películas de los Coen, y en relación a las películas convencionales.

Mi opinión: 4/5, es divertido mirar Joel y Ethan, pero creo que han hecho mejor. Pero esta es una buena película.

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Fados (2007)

“Fados” (2007)

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Fado también es arte

Tengo soñado con esta pelícual. A pesar de haberla visto hace algunos meses, no comenté antes porque queria comprender de que forma ella se pondria en mi imaginación. Y ha tocado mis sueños en formas que yo nunca habia experimentado. Esto es un marco, y la considero una película esencial para todos miraren, si quieren obtener lo máximo que las imagenes en movimiento tienen para oferecer.

Yo habia experimentado el género musical según la visión de Saura. Este supera todo que el habia hecho antes con Iberia o Flamenco. En verdade, el superó todo hecho en esa área. Lo que pasa es: no estoy cierto que he mirado cine aqui. He mirado una composición, que implica música, desarrollo plástico de escenários basados en el sentimiento que la música provoca, encuadramento, movimiento de cámara, etc. Asi, Saura juega con todas las cartas disponibles. El juega con la cámara, sonido, y imagen/composición. El utiliza todas estas posibilidades y si que sabe muy bien donde quier llegar.

Probablemente, como portugués, me conecto con esta película de una forma especial. Fado es ahora, un estilo en evolución, una forma de expresión que salió de la “periferia”. Amália Rodrigues intentó pasar fronteras, ella comprendia Fado como algo más jazzístico en el sentido que podria jugar con más notas, quebrar formas, y mismo quebra la idea de formas rígidas. Ary dos Santos fue su equivalente en lo que toca a las palabras (y suportó el emergente Carlos do Carmo, que canta en esta película). Pero cuando Amália empezó, ella tenia el fascismo suportando el “tradicional” y fado tenia un papel fundamental en apoyar la alma de las personas, y la salud del império. Asi ella nunca pude llevar la música hasta todo un nuevo nível, como ha sido hecho en años más recientes.

Mariza aparece ahora, bien suportada por las personas ciertas, y ella está llevando, musicalmente hablando, el fado para un nuevo nível artístico. Fado también es música, Morelembaum le dice. Nuevos desarrollos musicales están pasando. Y ahora tenemos esta película. Aqui la cuestión quedase más universal y implica otros “deportes”. Várias formas de expresión paralelas, que intersectan fado sin ser fado. Sob esas expresiones, Saura pone superfícies coloridas planas, y el utilizalas a su voluntad, para realzar lo mejor que cada número (danza o música) tiene para dar. Asi, el pone espejos para multiplicar las áreas o reflectir movimientos que le interesan, y el utiliza colores fuertes, normalmente para poner caras en contraste con ellas. Aqui el tiene momentos geniales. He soñado con aquelle naranja un poco amarillo, creo que he llorado una lágrima en mi lugar, sobre ese naranja… El génio llega cuando Saura consigue utilizar todos los médios disponibles para realzar el valor de la música. El crea una nueva forma de arte, algo que está para allá del cine, algo entre el happening y la instalación, pero que no es ninguno de esos. Curiosamente, 2007 también nos ha dado una película que yo considero esencial, Caótica Ana de Medem, un otro español, y en esa película, yo he comentado una escena específica que yo consideré que es algo más que cine, algo que incluye el espectador. Muy interesante, el mismo año, el mismo país. Creo que el próximo paso será incluir en todo eso un ojo arquitectónico/espacial. Eso podria pasar estudiando los arquitectos del cine (Welles, Tarkovsky, Antonioni…) y referenciarlos, o quedar esto en una experiencia física real, pero allí el cine desaparecer. Yo prefiro que se haga de la primera forma.

Mi opinión: 5/5 Senti que estaba mirando la construcción de un nuevo médio, de algo nunca visto antes. La sensación fue única.

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The Secret Life of Words (2005)

“The Secret Life of Words” (2005) (La vida secreta de las palabras)

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un escenário que actua

Este film tiene un princípio muy bonito, uno que está intensamente en contacto con los temas y los personajes. Ese princípio funciona porque las actuaciones lo permiten.

La película habla de ser incompleto, personas anormales que huien de situaciones normales – casi el inverso del tipo de drama más comun en estes dias, lo de personas normales vivindo situaciones anormales.

Hay aqui grandes pistas para entendermos visualmente lo que los 2 personajes principales sienten, física y profundamente. Asi, los personajes están en una isla, una isla artificial, auto-comtemplativos, y quebrados, como la plataforma de petróleo. Ella es sorda, y capaz de decidir si ella quiere oír; el está temporariamente ciego. Entendi la sordera como alguién que tiene la posibilidad de decidir cuando quier estar en la isla (por el silencio absoluto, o por el ruído constante de la fábrica donde trabaja cuando no es enfermera). La ceguera temporária es el proceso por el que el personaje de Robbins es forzado a “oír” (sinónimo de comprender) al invés de “ver” (sinónimo de preconcebir).

La forma como la conclusión apareció, con la revelación del pasado de la chica me pareció natural, y confirmó que las tensiones, revelaciones, etc todos vienen de las porciones en la plataforma, que nos habla más y revela más que los diálogos, ese es el interés aqui. Pero eso, este es visual. El dispositivo cuenta la história. La oposición entre interior y exterior ayuda. Tenemos cámara manuseada para los diálogos y travelings para el exterior.
Yo sabia que Tim Robbins era competente. Por veces, el es magnífico. El es un actor inteligente, uno de los que es un artista por derecho, y tiene una grán porción creativa en los proyectos donde trabaja, el tiene su próprio ‘método’. Sarah Polley fue una surprisa. Ella tiene talento, y proyecta sus personajes de una forma interna, es muy contenida, pero también altamente emocional. No estoy seguro de eso, pero en un cierto sentido, ella me recuerda el tipo de actor que Henry Fonda fue (y su hija también). Quiero seguir su carrera. Ella dirigió una película hace poco tiempo, estoy interesado en descubrir como ella transportó sus cualidades como actriz para la dirección.

Isabel Coixet tiene un toque personal, no es original, no arriesga mucho, pero referencia bien los cineastas que sigue. Esta experiencia es positiva, puede tocarte profundamente, si tienes la capacidad de comprender las abstracciones de las interpretaciones minimalistas, y transportarlas para la forma como el escenário es filmado. eso es interesante…

Mi opinión: 4/5

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Breaking and Entering (2006)

“Breaking and Entering” (2006)

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visual, pero poco vigoroso

Me interesa mucho el trabajo de Minghella. Hay una poesia visual transversal a todas sus películas, buenas o malas, que, a pesar de enraizadas en referencias especificas, son muy personales y honestas. Muchas veces tengo la impressión que en una película miramos solo una única imagen, que es retorcida, suavizada, ligeramente cambiada. Asi el es coerente con el mundo que vemos. El es abstracto en el sentido que el crea sensaciones y sentimentos que pueden no estar directamente relacionados con la história o los personajes de la peli. Hay un elemento extra que juega en conformidad con lo que el pretende: la música de Gabriel Yared. Cuando (si) yo comentar en “English Patient”, todas estas observaciones seran más significativas y harán más sentido (pero allí tendré mayor necesidad de explorar estas conexiones). Pero, en general, estas son características que ocurren en todas las película de Minghella. Esta no es excepción. El elige un local, facilmente identificable (Londres) y pone allí su narrativa visual poética. El construye su própria ciudad sobre la localización real. No me sorprendió que el protagonista fuise un arquitecto. A pesar de todo, la película tiene poco que ver con arquitectura.

Lo que pasa es, hay cineastas que trabajan sobretodo en un mundo espacial (Welles, Antonioni, Tarkovsky, dePalma…) y otros están basados en la imagen, o el enquadramento (Wenders, Lynch, Lang, Antonioni una vez más…). Minghella es uno de este segundo tipo. El basa su narrativa visual en la imagen enquadrada, y las posibilidades que eso traye a nuestra imaginación. Es como si la película que miramos fuera el modelo que el joven ladrón hace con el desarrollar de la película, y los personajes fuiran los pequeños modelos humanos que el pone. La necesidad de escapar (o almenos de cambiar) aparentemente conduz el destino de los personajes. El chico que procura el espacio abstracto (arquitectura en proceso) para escapar a su realidad marginal; Binoche procura el caso amoroso para escapar a su solitud, Law procura la misma situación para escapar su difícil vida familiar. La banda sonora de Yared tiene aqui una ambiguidad interesante entre una visión épica y un ambiente tranquilo. Donde yo creo que esta película no va bien (o almenos no resulta tan bien como otras películas del director) es en su falta de energia. Es menos vigorosa que “mr ripley” y menos meditativa que “english patient”. Supongo que es coerente con el mundo que crea, pero no es tan eficiente como el mundo de las dos otras películas. Miro este como trabajo menos bueno de este director, pero deberia mirarse esta.

Mi opinión: 3/5

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Destaques

Una de las películas que mas espero; sobre un libro de Saramago, dirigido por Meirelles, con Julianne Moore. Mira Diário de Blindness, mantenido por Meirelles (en portugués)