Archivo para 31 octubre 2007

Hook (1991)

“Hook” (1991)

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Tierra de nunca del cine

Muchas de las veces que Spielberg graba, el apunta a la ternura. Algunas de esas veces, el consigue pasar algun entretenimiento, normalmente más direccionado a los niños o audiencias menos exigente en el plan intelectual. Otras veces no. Aqui tenemos la segunda situación. Lo que pasa es, Spielberg siempre tiene en todas sus películas, una especie de red de seguridad que impede el desatre total. Esa red tiene que ver con la música de Williams y su cámara  que puede muchas veces complementar los actores (muchas veces muy malos, especialmente los niños).

Asi, el escoge una história que está, con naturalidad, en los corazones de una buena parte de la audiencia (1 punto para la ternura) y vuelve a trabajar esa história introduzindo la nostalgia en los sentimientos de nuestro herow, que es el mismo motivo para nostalgia en las memórias de muchos adultos en la audiencia; esto pone el espectador aún más en contacto con la história, niños o adultos (film para la família, otro punto para la ternura). Pero se queda por aqui. No hay absolutamente nada más. Ninguna idea cinematográfica, no hay escrita inteligente, ni mismo buenas actuaciones (Robin Williams puede hacer mejor, pero nadie le pide que lo haga). Asi, tenemos una sucesión de planos, escenas, que no son mágicas, pero ordinárias; no son profundas, pero comunes; no son cinematográficas, pero vulgares. Si que tenemos John Williams en el fondo, pero aqui su música es solo un recuerdo de otras bandas sonoras que asociamos a otros y mejores vuelos cinematográficos… Asi que no hay mucho para apreciar aqui.
Mi puntuación: 1/5 no me gusta atacar Spielberg tanto como muchos de mis detractores, pero aqui el falló de verdad.

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Live free or Die Hard (2007)

“Live free or Die Hard” (2007)

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Nueva acción, viejas memórias

Hay elementos interesantes aqui.

. Esta película esta inserida en una tendencia reciente para películas de acción, que creo empiezó con el primero Bourne (pero puedo equivocarme, siempre busco las origenes de várias cosas, y muchas veces encuentro raíces en proyectos más antiguos que no conocia). Esta tendencia (influencia) tiene mucho que ver com estilo, y utiliza siempre un tipo de color base al redor de azul, y una forma aparentemente dura de representar las escenas de acción/lucha. También tiene que ver con el trabajo de la cámara, que es muchas veces movimentada manualmente y escoje no hacer la escena totalmente clara para nosotros, como si fuiramos intervenientes, y nos hace mirar a otro lado donde la acción no esta aconteciendo. Este “estilo” fue utilizado (con más o menos elementos similares) en proyectos recientes como la série Bourne, Syriana, Casino Royale y, claro, este cuarto Die Hard.

. Lo hermoso aqui es: El primero Die Hard fue muy original en la forma como la audiencia se relacionaba con el heroe (Willis fue responsable por eso) pero también en la forma como el representaba sus (aparentemente) no coreografadas escenas de acción (aunque ese tipo de lucha haya empiezado seguramente con el Indiana de Harrison Ford). Asi, en este, despues de tantos años de degeneración de las escenas de lucha muy mal sacadas de películas orientales, tenemos Willis luchando en su estilo “desarreglado” contra la chica muy “oriental” en su forma de lucha. Esto es un virar de página. Interesante.

. El tema fue bien escogido en esta lógica de produzir una nueva película protagonizada por un viejo heroe. Este mundo muy dependiente de los ordenadores fue lo que cambió más en los últimos 20 años. Asi, por detrás e la idea básica de un “viejo heroe en un nuevo mundo” tenemos un otro concepto interesante que es como el “malo” pelea con el “bueno”, sin acción física. Alguién extrañó que nuestro friki por los ordenadores hubiera morido sin una lucha dura y física con nuestro McClane? Esto es solo curioso pero se queda interesante cuando desde alli comprendemos que nuestra mentalidad cambión en la forma como esperamos que la “acción” se desarolle. Ah, y esta paranoia sobre terrorismo global no es nueva, pero ganó nuevas formas despues de 11 de Septiembre, claro, en la vida real y en las películas (los films no solo siguen la vida como también ayudan a crear la paranoia, las instituciones de poder utilizan estes mecanismos, especialmente entre los americanos, asi la sequencia con los presidentes americanos hablando editados es irónica porque mismo que nosotros creiamos que ellos estan siendo manipulados, somos de verdad nosotros, especialmente los americanos, quien esta siendo manipulado).

. A pesar de todo esto, la película tiene muchos fallos, y me hace mucha falta el diálogo interno que el “viejo” McClane costumbraba establecer con la audiencia. Este viejo que se hace llamar MacClane es casi una caricatura del otro. Tenemos el sabor (es la exigencia minima para los aficionados de die hard, pero está muy lejos del tipo de mecanismo que creó nuevos padrones para actores de “acción”, tan apreciados en produciones comerciales desde entonces – Cage copió este estilo hasta el agotamiento, mira a la “comédia” Con Air).

Mi puntuación: 3/5

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Children of Men (2006)

“Children of Men” (2006)

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Cine referencial

Esta fue una de las más fascinantes experiéncias que tuve en el mundo del cine en los últimos tiempos. Cuarón era ya responsable por algunas fuertes creaciones, que incluen “Y tu mama también” o el mejor Harry Potter, en mi punto de vista, que es el tercero (Azkaban). A pesar de esos, este es su mejor trabajo hasta ahora. Eso tiene que ver con, por lo que conosco, con conocer los maestros, las luces en el mundo visual del cine, me refiro a conocer de verdad qual era la fuerza por detrás de las películas de eses maestros (más que copiar un estilo como hace, por ejemplo, Tarantino a sus “referéncias”) y utilizar ese conocimiento en un proyecto personal.

Por lo que conosco, pude mirar a cuatro “maestros” aqui. Asi:

. empieza con Hitchcock. En su muy conocido libro-entrevista con Truffaut, Hitch realza arriba de todo la capacidad para sus películas cautivar las audiencias; para conseguir eso, él siempre juega con elementos de la história, sorpresas, revezes, acontecimientos imprevisibles, etc y más importante, él coloca su visión para grabar las escenas de un forma que las haga cautivantes de una forma fascinante: mira a Psycho y encuentras la muerte precoz de nuestra Julianne Moore llegando, es como decir, muy más temprano de lo que normalmente seria, ya que hablamos de una “estrella”, que viviria hasta el final (o cerca del final). Mira a las pelis de Hitchcock, en su fase “Rope”, “dial m…”, “rear window”, y miras a donde Cuarón encontró las ideas para muchos de eses planos, incluindo la idea final de un plano “único”, o almenos asi parece, aunque no lo sea.

. despues tenemos Welles. Este, según la visión de Cuarón, completa la estructura que recebió de Hitchcock. Mira el trabajo de Welles cuando él más asumidamente procura la exploración espacial, encontrar motivos para mover su cámara, moverse alredor del escenário, lugares desconocidos, dientro y fuera, etc. Por otras palabras, mira a “Touch of Evil” donde sus reflexiones sobre exploración espacial cinemática surgen más vivas que nunca. Compara los planos más longos en ese proyecto (la primera sequencia, y las últimas, la persecución en el puente, etc.), y después vuelve a este otra vez, mira la sequencia final muy longa, dientro del campo de prisioneros, y mira como Cuarón comprende de forma brillante las posibilidades que Welles abrió, y como explora esas posibilidades.
Despues tenemos las porciones reflexivas. Cuarón se confunde más aqui, y muestra una comprensión menor de los maestros que procura. Pero es aún asi merecedor de observación, y en mi opinión, él apresura las cosas donde los maestros tendrian llevado más tiempo por motivos de coherencia general, y ritmo. Asi tenemos:

. Tarkovsky, que como nadie en la história del cine, pone la idea de memória defronte de su cámara. Todo su trabajo es una gran, bella, casi orgásmica reflexión sobre la meditación. Cuarón no llega hasta la mitad de la calidad de Tarkovsky en profundidad y significado (hablo visualmente) pero hay un plano que merece atención, aquelle en que la cámra explora una vieja escuela desierta y tenemos el ruído de un viejo balanceo oxidado donde nuestra madre milagrosamente embarazada piensa en su vida, y representa al mismo tiempo la memória que ella nunca vivió, pero en la qual el personaje de Owen vivió buenas (y felizes) porciones de su vida;

. Leone/Morricone: el tema musical está aqui por el mismo motivo que el tema principal de “c’era una volta il west” está alli y eso es para dar a la audiencia la misma emoción y sentimientos interiores que los personajes deberan sentir en ese momento. Leone era un génio, un maestro absoluto en conseguir este effecto, y su colaboración con Morricone tendrá mucho que ver con eso. De cualquier forma, Cuarón comprende Leone; asi mira los momentos en que este tema surge, después de mirar a “c’era una volta…” y comprendrás.

La fuerza de esta película está en que puede ser mirada como un trabajo autónomo, pero, para allá de eso, identificar las referencias. Admiro el trabajo de personas que consiguen dignificar los maestros que admiran. Mira a este.
Trivia:no pude dejar de reparar. Mas una utilización en cine de la Battersea Power Station, Londres. Este caso tiene dos aspectos particulares:

el edifício es utilizado como una arca para arte, lugar para juntar trabajos que sobreviven a el caos. Vemos una de esas obras de arte por una ventana mientras el personaje de Owen está alli, que es el cerdo volador de la caratula de Animals de Pink Floyd, que estaba en la caratula exactamente en la misma posición que tenemos en la peli. Animals fue vagamente baseada en Animal Farm de Orwell. Orwell también escribió 1984, que, cuando adaptado a el cine, fue en parte grabado en la misma Battersea Station. 1984 describe un mundo de opresión, futuro sin esperanza, en parte parecido con lo que tenemos en la peli (ah, y cuando Owen llega a la arca, lo espacio que miramos es en verdad Tate Modern, reabilitación de una otra fábrica por el mismo arquitecto de Battersea). El otro aspecto es que en un plano en la calle, tenemos como banda sonora la canción progresiva de King Crimson. Esta es una banda de los años 70, en que Pink Floyd se quedaran la banda más famosa y bien sucedida. Para mi, esto es trivia interesante.

Mi puntuación: 5/5
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Ratatouille (2007)

“Ratatouille” (2007)

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Welles cocinando!

Esto es muy bueno trabajo. Pixar es, en este momento, una apuesta sólida, y tienen mentes brillantes que hacen su camino en nuevas aventuras cinematográficas. Aqui tenemos una de esas.

El princípio aqui es un ser (ratón) que tiene la capacidad de controlar un otro ser (humano) y asi crear su arte (gastronomia). Esto está anunciado antes del inizio de la película con el corto “Lifted”, ya la comenté y alli puse mi punto de vista sobre el asunto.

La forma como la hsitória se desarolla es muy Disney, algunas malas personas, muchos seres muy buenos, algunas complicaciones por el medio y un final feliz. Estamos acostumbrados a eso.

El motivos porque este es arrojado es por el movimiento y colocación de la cámara virtual. Esto está muy bien hecho Suspecho que el motivo porque un ratón fue escojido es porque, siendo un animal tan pequeño, que al mismo tiempo se mueve con facilidad, es perfecto para subir a las estantes, entrar en las paredes con caños herrumbrosos, estar en el suelo mirando arriba, estar dientro de el sombrero de un cocinero (y alli tenemos el tema de la transparéncia, otro para hacer visualmente) y moverse con rapidez entre todos estes puntos. Asi tenemos el punto de vista del ratón, y superpueto a ese, el cambio rápido y constante para el punto de vista de los humano y otros animales. Esto está hecho con bueno ritmo, claro, y la edición es muy muy buena. La cámara hace como Welles podria haberlo hecho, comprende el espacio visual, y lo explora.

Esto es muy mejor en este punto de vista que “Finding Nemo” (que fue para mi una desilusión) y suspecho que se porque. Alli teniamos un espacio imenso (el oceano) que teniamos la libertad para explorar. Pero eso no fue bien hecho porque no teniamos referencias físicas, objetos que puedan quedarse quietos mientras los personajes se moven al redor (un gran trabajo explorando las possibilidades del espacio profundo es lo que Besson hace, cuando graba directamente el oceano en Atlantis, pero también en casi todas sus películas).

Mi puntuación: 4/5

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Lifted (2006)

“Lifted” (2006)

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Marionetas

Te vas a mirar esta en el teatro justo antes de Ratatouille. Y está muy bien colocado, ya que dice mucho del tema que conduce Ratatouille. Un artista que controla un instrumento y asi crea arte.

Este corto puede ser comprendido como una metáfora para el trabajo de un animador. Muy, muy difícil de controlar, verifica el número de botones en el quadro de la nave espacial. Es difícil aprender el trabajo, y mientras no se domina, todo saldrá una desgracia. Pero cuando se lo hace bien, se haran maravillas. Se controla el mundo debajo, se crea y se destrui, se mueve y se controla.

Estas pequeñas anotaciones son interesantes para mi porque son indicaciones explicitas que indican como cada creador  llega hasta su originalidad y mi opinión es, las creaciones en general reflicten todo que está cerca del creador, sus pensamientos y su vida (esta es la segunda vez en un corto espacio de tiempo en que identifico estos sinales, la otra fue con la Kiki de Miyazaki).
Lo mas gracioso es que cuando la construción, independiente de su  simplicidad, es honesta en sus orginenes, resulta muy bien, asi que este corto es muy gracioso.

Mi puntuación: 4/5

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Houve uma vez dois Verões (2002)

“Houve uma vez dois Verões” (2002) (Dos veranos, traducción libre)

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Un mundo que se auto-explica

Me interesa mucho el trabajo de Jorge Furtado. Él es una de las mentes cinematográficas más inteligentes en el momento. Al mismo tiempo, él es seguramente uno de los más, no subestimados, pero desconocidos creadores. Y hay algo especialmente interesante sobre ele. En 1989 él dirigió una muy celebrada corta, “Ilha das Flores”. Eso funcionó como un verdadero manifiesto para su cine (y el de otros). Son intenciones concentradas. Me gustan muchos esos trabajos, cuando los directores dibujan un camino para que seya percorrido por ellos o otros (Hitchcock lo hice, en mi opinión, con 3 proyectos diferentes, Rope, Vertigo y North by Northwest). Furtado lo hice con Ilha das Flores. Y influención una generación de creadores de cine de Porto Alegre, Brasil. Esto no es el ramo más conocido del cine brasileño (eso será lo que Salles pude publicitar). Pero para mi merece mucha atención.

Aqui tenemos el primero longo metraje de Furtado. Y sus puntos flacos pueden nacer ahí. Sus películas (cortos y longos) tienen un mundo diferente en si. En ese mundo tenemos al mismo tiempo:

a) algo que pasa;

b) la explicación en detalle de lo que pasa (y conectando eso a tantos elementos exteriores a ese mundo cuanto posible);

c) un sentido de iroinia y auto-crítica (y como consecuencia auto-conciencia) con relación a ese mundo que pasa enfrente de nuestros ojos;

Asi este está hecho con auto-referencia, y siempre con inteligencia. Donde yo creo que este proyecto tiene muchos puntos flacos es en el facto de que aqui el pensamiento silogístico no es aqui tan inteligente y significativo como en, por ejemplo, Ilha das Flores. Ahí, todo estaba en su lugar perfecto, todos los silogismos estaban completamente justificado más tarde o más temprano. Claro que la forma corta ayudaba a este desarollo coherente. También el tema era muy significativo en “Ilha…”. A pesar de todo, esto es el mundo de Furtado, e mismo que no seya su trabajo más fuerte (o mismo su longo más fuerte) este es una película que merece una mirada, a pesar de algunos aspectos muy malos de actuación (muy amadora) y algunos puntos flacos de producción.

A pesar de todo, si puedes, mira a “Ilha das Flores” para comprender Furtado antes de todo, y cuando termines de mirar todas sus películas, mira “Ilha…” otra vez. Ah, y mira a “Mon oncle d’Amérique” de Resnais que muestra donde este pensamiento conectado empiezó, al menos en esta forma específica. El trabajo del francés no es tan irónico o fluído como el de Furtado pero el domina la forma longa mejor que Furtado hice aqui.

Mi puntuación: 3/5, dale una mirada.

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Bedazzled (2000)

“Bedazzled” (2000)

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tiene que ver con escrita, y lábios

Una vez o otra eso pasa. Una película produzida debajo las más rigorosas condicionantes del circuito comercial que en verdade tiene alguna inteligencia en su concepción. Me pasó dos veces esta semana observar eso (la otra fue con “the girl next door”). Hay en verdad un dispositivo, una estrategia para contar una história. Es simples: nuestro héroe visita vários mundos en acuerdo con sus “deseos” o al menos él asi lo cre. El truco de comédia viene cuando uno comprende que eses mundos serán A) totalmente diferentes del mundo anterior y de la realidade de el héroe y B) nunca estarán de acuerdo con su verdadero deseo. Eso da a la película motivo para una reinvención permanente, que de verdad funciona. Fraser ayuda. Normalmente no me gusta su estilo pseudo-embarullador pero aqui él se revela muy versátil.

Ahora lo que me pareció muy interesante: uno desea algo, y otra(s) cosa(s) viene junto, es decir, definir algo en demasia, es un error, asi uno tiene más control sobre su creación cuanto más general uno se queda en su definición. Esto es interesante si mirado de un punto de vista de la escrita para cine, porque tiene que ver con el control sobre el medio (y la comédia con las cosas inesperadas en los mundos paralelos siempre surge por las omisiones o las no-consideraciones o exageros en el próprio “deseo”). Me gustó. Al final, el crédito deberia ser dado a Peter Cook, pero intentaré llegar a la versión original de la película para mirar como fue hecho eso alli.

Ah, y Elizabeth Hurley es en verdad un ser sexual aqui. Ella tiene qualidades físicas evidentes, pero aqui creo que tiene que ver con lo que ella hace con su boca. Usualmente eso me llega como algo poco natural en ella, pero aqui funciona. Para verificar. Y su acento inglés también ayuda.

Mi puntuación: 3/5 Miren a esa.

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Destaques

Una de las películas que mas espero; sobre un libro de Saramago, dirigido por Meirelles, con Julianne Moore. Mira Diário de Blindness, mantenido por Meirelles (en portugués)