Rodrigo Leão, Coliseu do Porto, 28 Noviembre 2009

Quien le regularmente lo que escribo aqui sabe que son raras las veces en que escribo algo que no sean comentarios directos a filmes que veo, y que cuando salgo de esa fórmula que utilizo hace 2 años y medio, normalmente hago comentarios relacionados con la propria vida del blog, anotaciones editoriales de estadísticas, o pequeñas notas a efemérides que me interesan. Pero hoy, hace solo unas pocas horas, asisti a un concierto liderado por Rodrigo Leão, uno de los compositores y musicos que más me interesan en la actualidad. Y he decidido escribir sobre el concierto, porque su musica tiene todo que ver con cine. Ya una vez he escrito, y lo subrayo ahora, que a pesar de las experiencias que ha tenido ya como compositor de musica para cortes/series/documentales, él es aún, hasta ahora, el mejor compositor de cine que hemos tenido Nunca. Hay varios elementos que me interesan.

1 – ambiente – en general, la musica tiene la capacidade de establecer (y mantener) un determinado ambiente, aunque esa no sea la intención de quien la hace. En cine, él merito más grande que un compositor puede tener es conseguir determinar ese ambiente: humor, tensión, curiosidad – que estende a la idea de suspense. Es simples de explicar, pero complejo para definir todas las nuances de lo que se pretende pasar hacía la audiencia. Luego, hay que mantener ese ambiente. Eso significa que la musica necesita un carácter, y luego necesita ser bien explorada para que se mantenga eso carácter. Según me parece a mi, RL empieza la concepción de cada trozo de musica precisamente por el ambiente que pretende para ella. Precedido o no por la existencia de un texto, me parece que todo el desarollo de la pieza sigue la idea de ese ambiente pretendido (o descubierto). En un escenario como la sala donde he asistido al espectaculo, eso es lo que retenemos, es allí que entramos, en un ambiente específico, con diferentes tonalidades. No tenemos la fuerza visual de las imagenes, pero tenemos la imagen de la musica que acontece delante de nosotros. RL es un maestro de esta definición ambiental, y por eso seria especialmente interesante verlo produzir consistentemente para cine, asociado a directores que comprendam el lugar de la musica en un filme.

2 – classe – hay una idea de perenidad, o quizás eternidad, que transpira en cierta arte. Me parece que lo que es clasico es lo que se construye seguindo un conjunto de reglas que sabemos que funcionarán, sea en que contexto sea, tiempo, o tipo de arte. Podemos recurrir a ellas, porque su aplicación fiel danos la libertad para explorar practicamente todo lo que quisieramos. Es una paradoja interesante, la aplicación de reglas clasicas danos libertad, tanto como la intención de quebrarlas nos obliga a la creación de un numero similar de reglas para que la obra no se descontrole. Nada necesita tantas reglas como la irregularidad. En todo caso, RL es alguién que, siendo altamente experimental en la exploración de ambientes, se socurre de construcciones clasicas, en su forma, en su harmonia. Al mismo tiempo, me parece que él es sobretodo un compositor intuitivo, y por eso original, y esto significa que él hace lo que siente que es necesario, y no lo que fue ya testado y comprobado. Al final, la clase es necesariamente atemporal y inovadora. Paradoja?

3 – comunidade – eventualmente, en cine o en concierto, la musica puede y consigue muchas veces ser un factor de agregación. En este concierto a que he asistido (que además fue el primero de RL que he visto), lo que él hace es establecer un ambiente, y invitarnos a participar de él. Hay una alegria de la comunión de determinados valores que, aunque no sean explicados, todos comprendemos. No sera tan fuerte y espontaneo como participar, por ejemplo, en la demolición del muro de Berlin. Es una sensación induzida, al final del concierto seremos todos tan amistosos o odiosos como eramos antes (o quizás no), pero toda la arte es manipulación. Y el cine, como la musica de Rodrigo Leão, induz la sensación de que somos parte de un grupo, lo delas personas que comparten el placer de escucharla, y nos seduz a ver las imagenes que motivan la musica. Necesitamos todos los filmes que No fueron musicados por él.

The Spine (2009)

«The Spine» (2009)

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Cinanima2009

al borde del precipicio

Necesitas respirar, necesitas reflejar, para saber y finalmente comprender que un filme como este es parte de ti. Lo que pasa es que los cortos tan poderosos y eficientes como este son necesariamente golpes duros en el estomago. Y este es realmente un filme poderoso. Asi en este caso llevé 10 días, en los cuales he mirado muy pocas películas, para comprender que partes de mi fueron afectadas por el filme. Y la verdad es que fueron 10 días dificiles y de desafío.

Yo no conocía el director, esta fue mi primera experiencia con él. Querré ver lo que más haga él. Este filme hace algo que yo no había visto aún, hecho de esta forma. Ahora que lo he visto, me parece incomprensible como esto no había sido intentado antes. Esto es una especie de Philip Dick con Gondry, con Jonze, y estos dos tienen en común el hecho de que han trabajado con Kaufman. La animación, en la forma sensible que Landreth propone, parece ser un media increiblemente interesante para trabajar estos temas, basicamente viajes entre vasos de inconsciencia. Una instabilidad permanente que no nos permite saber donde estamos, que nivel de consciencia estamos visitando. Toda la película es una tierra de nadie, un territorio desconocido hacía la obscuridad del Yo.

Cada emoción está perfectamente controlada, la construcción es solida y perfectamente equilibrada, y juega al redor de polos de locura, depresión, amor, frustración. Vida.

El resultado visual es increíble. La cámara está enganchada en nuestro mundo real, pero las imagenes, a pesar de naceren en este mismo mundo, fueron visualizadas en otro lugar, en el espacio pequeño entre estar acordado, y el sueño más profundo. Querré ver este filme otra vez.

Mi opinión: 4/5

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Red-end and the Seemingly Symbiotic Society (2009)

«Red-end and the Seemingly Symbiotic Society» (2009)

O filme no FestivalFocus
O filme no sítio da produtora

Cinanima2009

constructores de espacio

Que filme interesante, en el momento cierto. Despues de un festival rico, interesante, sobre lo cual aún estoy pensando, tengo varios puntos altos que recordar. Este filme es, de todas las experiencias que tuve aqui, una de las más fuertes, más fascinantes, y que más me interesa, por mi voluntad específica de estudiar las relaciones entre espacio y la exploración de eso espacio por medios visuales. Este filme es una de las mejores experiencias recientes que he visto, en filmes que aborden tan directamente el tema. Solo por eso, ya merece estar en una lista especial, que hago poco a poco, de filmes que importan para mi construcción mental del tema espacio y cine.

Pero para allá de eso, este filme es realmente interesante. Vamos a ver de que va. Hay una historia, que tiene que ver con la ventaja de la diferencia, en un mundo donde todo es negro, la diferencia que el rojo puede hacer. Banal, hasta aqui. Luego, hay la idea de ciclo que transpira para toda la narrativa. La idea lavoisiana de que todo se va transformando, y todo irremediablemente desapareciendo. Mejor aqui, porque el filme apoya visualmente el texto que elige. Todo esto es razonablemente interesante, pero no es nada que me haga perder el sueño, o soñar de forma anormal.

Pero luego hay algo que si me fascina, y si está hecho de forma ejemplar, casi perfecta. Esta incorporado en la historia y es totalmente apoyado y compensado por lo que vemos. La historia tiene que ver con seres que construyen los espacios que habitan, que usan, que desarollan. Nosotros vemos la construcción. el filme empieza dentro de espacios supuestamente naturales, pero ya interesantes, donde los insectos cogen los cubos que serán las piezas que van a montar los espacios más tarde utilizados para experiencias. Nosotros vemos las piezas, vemos el transporte, y sobretodo vemos la construcción de cada espacio, hasta la última pieza. Por fin, después de todo, nosotros vemos los espacios, que no existen apenas en el campo abstracto de la historia, están realmente construídos, para que la cámara puede fotografialos. Ahora, mira esto: aunque haya un apoyo digital en la pos-producción de este filme, esencialmente él es un stop-motion. Esto significa que no solo los insectos son objectos reales fotografiados, todos los espacios que vemos son igualmente modelos concebidos para la cámara. O sea, cuando vemos los insectos construyendo el espacio, es como un realze de las características constructivas de los escenarios, es como si estuvieramos acompañando el proceso de trabajo. La historia del filme es la historia En el filme. Sutil, bien hecho, y arquitectónico!

Algunos de los espacios están bien concebidos, para el efecto que se pretende. Las grutas iniciales, la cúpula construyda con los cubos (de azúcar?) y un espacio construido con placas perfuradas. De este último espacio, que incluso me pareció él más interesante y complejo, y más adecuado para ser explorado por la cámara, creo que faltó un mayor invertimiento en la iluminación de los planos allí hechos. El ventaje (para mi) de esas placas perfuradas es la posibilidade de creación de ambientes a través de la difusión de la luz. Pero eso sería contra la imagen general del filme. La cámara apuesta sobretodo en los travelings laterales para dar unidad a todos los planos del filme, y la exploración del espacio tiene sobretodo que ver con los ángulos y puntos de vista elegidos. No hay nada inventado allí, incluso porque es difícil expandir aún más el glosario de posibilidades que Welles o Tarkovsky nos han dado. Pero es un trabajo consistente. Mi mayor queja es el hecho de la fase final del filme abdicar totalmente de esta exploración espacial para dar un seguimiento a las partes (cuanto a mi) menos interesantes de la historia.

Mi opinión: 5/5 es una experiencia, voy a descubrir como se acomoda el filme en mi cabeza… y eso decidirá la evolución de esta clasificación.

Milovan Circus (2008)

«Milovan Circus» (2008)

Cinanima2009

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Mentes bonitas

En general, lo que me fascina más en estos filmes de animación independientes que vengo comentando massivamente en los últimos dias, es la forma como ellos, y otros, mejores o peores, son un reflejo perfecto de la intimidad de una mente. Todo en la animación está concebido por sus creadores, no hay un único pedazo de escenario, una única expresión en los personajes, una única evolución en la historia, que no haya salido de la mente de un director enamorado, alguién que quiere ser escuchado. Asi, cuando esa mente es talentosa, un pequeño filme animado de autor puede ser un viaje hasta los miedos de alguién, las preocupaciones de alguién, sus sentimientos. Eso es lo que pasa aqui.

Mira la dulzura en cada expresión de la face de madera de esta marioneta, mira las sutilezas en los movimientos corporales. eso cuenta una historia. este filme es narrativa, te dice algo, y podrá significar algo para ti. creo que todo depende de nuestra capacidade para dejarnos absorver por lo que esto director queria hacer tanto como la obsessión de él por la iluminación cuidada de cada frame de este pequeño filme. Mentes bonitas. animaciones asi son uno de los portales más directos hacía la mente de alguién, es lo que yo creo.

Mi opinión: 4/5

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Le bûcheron des mots (2009)

«Le bûcheron des mots» (2009)

Cinanima2009

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texturas

Hay un sentimiento 1984 en este filme que empieza a aburrirme. Ok, el mundo es un sítio cruel, y las palabras, que significan conocimiento, libre pensamiento, son perseguidas por unos tipos desconocidos, indefinidos, desinteresantes y malos. Los que aún buscan la liberdad y están dispuestos a vivirla, son igualmente perseguidos, y viven en peligro permanente. Alguién que viene de dentro del sistema empieza como un cazador, un leñador de las árboles de las palavras. Luego empieza a fascinarse con la belleza del mundo de las palavras, y eventualmente pisa la línea, hasta que la cruza, y se cambia para el otro lado, y se queda un fugitivo, uno de esos que antes perseguia. Este es uno de una longuíssima línea de filmes derivados de la literatura de Orwell, Bradbury y otros. Algo debería ser inventado aqui… a ver, Children of Men trabajó la decadencia de un futuro desagradable de una forma mucho más interesante.

Lo que si funciona en este filme es la sobreposición de imagenes para crear algo visualmente coerente y atractivo. Las palavras son consideradas literalmente aqui, son una camada visual, sobre algunas manchas agradablemente indefinidas de personajes, ellos mismos sobrepuestos a un último plano amarillo/marrón. Funciona, como una pieza plástica, funciona desde un punto de vista puramente visual. No es cinematográfico en su núcleo, el tema está enraizado en la literatura (en palabras, para allá de su expresión física) pero el filme es suficientemente bonito para que lo miremos.

Mi opinión: 3/5

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Les ventres (2009)

«Les ventres» (2009)

Cinanima2009

IMDb

bach es singular, no serial

Este filme es un fallo enorme para mi, pero uno interesante. No es tan comun ver cosas asi,cuando siento que vi algo bastante lejos de llenarme, pero sabes que el director queria hacerlo bien, y queria hacer algo ambicioso. Asi, siempre querré ver filmes como este antes de otros que son copias de tantos que hemos ya visto.

Él filme desliza casi hacía el género miedo. Es un cuento bien construído sobre como todo que hace nuestra vida, en este caso la comida que consumimos, está quedando más y más artificial, hasta el punto simulado de considerar que podremos estar empiezando a comer gente sin notarlo. Asi tenemos un curioso juego de escalas, donde los hombres empiezan como consumidores (de caracolas) hasta llegarmos a ser canibales. Piensa lo que quieras sobre la metáfora, a mi no me excita aunque reconozca la validad del raciocinio. Pero si que es un buen tema dramatico.

Lo que me interesó aqui fue la musica, la forma como es deliberadamente cortada y editada en la narrativa. Él elige Bach. Para mi, Bach es el zenite de la musica occidental, para siempre insuperable en la comprensión de las posibilidades, y el estudio de cada una de las posibilidades de uso de harmonia, o melodia, o ambos al mismo tiempo. La pieza que el director elige, el prelúdio nº2, del primero libro de prelúdios y fugas, es parte de uno de los trabajos más importantes en la historia de la musica. Es allí que Bach trabaja sus ideas sobre líneas melodicas sobrepuestas que funcionan como frases independientes tanto como harmonicamente. Lo que pasa es que parece haber dos formas de poner Bach: una lo considera un compositor altamente racional que, a través de esa racionalidad atinge una transcendencia mítica, religiosa, de otro mundo. la otra forma es considerar Bach por su importancia en el desenvolvimiento de la musica occidental, pero considerando su música fria, sin alma, mecanica, incluso repetitiva a veces, y eso lo hace una especie de compositor de interes historico. Mi opinión es la primera. Este filme asume la segunda, y por eso no me identifico. Bach como la banda sonora de un mundo decadente, canibal, revertido? No, no me parece. Aprecié el esfuerzo de transformar su musica para ponerla en el contexto, pero rechazo su asociación con la idea de repetición, mundo frio, calles vacías con fachadas repetitivas, mesas de cena enormes donde todos parecen iguales y comen el mismo. Esto no es Bach, no para mi.

Mi opinión: 2/5

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Vive la rose (2009)

«Vive la rose» (2009)

Cinanima2009

IMDb

encuadramiento

Estoy teniendo una espécie de caso amoroso con la técnica stop motion, la que utiliza imagenes reales. Bueno, con marionetas también, pero es una cosa diferente. Las imagenes reales con stop motion, eso es lo que me esta motivando. Creo que lo que fascina es la sensación de time lapse. A ver, los objectos ganan una vida propria, se mueven solos, si. Pero aunque tengamos objectos, y no personas, hay una sensación de tiempo que vuela. Asi, lo que cautiva es lo no vemos. Es una buena experiencia. Este filme es refrescante, en relación al uso de la técnica, y su aspecto. Refrescante y adorable, tanto como el paisaje con que empieza. Basicamente, es un clip musical de una canción, y no sale de lo que un vclip seria. Pero hay dos nociones que me interesaram, y probablemente hacen el fime valer la pena, para mi:

-una es la forma como somos transportados desde el exterior hacía el interior. Empezamos por mirar hacía un gran paisaje, hacemos una panoramica hacía un abrigo, entramos en ese abrigo, hacía una secretária, donde un cajón se abre, y miramos para dentro de ese cajón. Es un plano bien estructurado, que probablemente podría ser más interesante si esto fuero simplesmente acción real, pero la forma como está hecho aqui, con la stop motion cortando la fluidez de la sequencia, queda interesante de una forma rara. Al final del filme, veremos el paisaje una vez más, ya que tendremos una espécie de reverso acelerado del plano inicial. Esto permite que el filme respire, y encuadre la secuencia en el cajón, y también que le de un contexto;

-el cajón, que es la mayoria del filme. Lo que me interesa es la forma como el encuadramiento que tenemos coincide con el cajón, y como ese frame está dividido en cuadros diferentes, literalmente divididos por trozos de madera dentro del cajón. Asi tenemos diferentes cuadros, donde cosas diferentes pasan. Para realzar esto, en uno de esos cuadros, al invés del stop motion tenemos una animación por dibujos, inseridos en la fotografia del stop motion. En el otro cuadro tenemos stop motion pura.

Dos nociones de encuadramiento. Una a la escala del grande filme, la otra dentro del proprio encuadramiento del cajón. Esta bien. La música dá un buen ambiente al film, o el contrário. Es un ejercicio simples, y no va allá de lo que vemos, pero es suficientemente bueno.

Mi opinión: 3/5

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Madagascar, carnet de voyage (2008)

«Madagascar, carnet de voyage» (2009)

Cinanima2009

Sítio oficial del filme

exploración

Una crítica prévia al IMDb. Estoy escribindo sobre un filme que fue exibido hace 2 dias en un festival listado por el IMDb, y según el sítio oficial del filme, fue exibido también en otros festivales. Del IMDb se esperaria que fuera más rápido a listarlo.

Que experiencia interesante. Aún estoy lidando con este pequeño filme, días despues de mirarlo. Hay una actitude descomplexada delante del media con que se trabaja, delante de las tecnicas de animación, y delante el proprio aspecto que se pretende dar al filme que me cautiva bastante. Y, como en los filmes que más aprecio, y que considero que merecen ser vistos y revistos repetidamente, hay una coerencia entre estructura, forma y contenido que es rara y siempre apreciable. Al mismo tiempo, en este filme como, además, en muchos otros filmes de animación, las raízes creativas de las mentes envolvidas están en otras áreas que no el cine, y en este caso eso es una cosa buena. Eso porque no existen por detrás de filmes como este compromisos formales, ni formataciones heredadas de un excesso de exposición a otras obras. En este caso, los «vícios» formales están totalmente relacionados con los dibujos en si mismos. Esos dibujos son el motivo de existir del filme. Son la obra de un artista talentoso delante de la hoja blanca, que sabe trabajar el contorno y la aguarela, y que supo transportar el espirito de uno y de otro para la animación en filme.

Pero lo que más me interesó aqui fue una actitud asumida probablemente durante el viaje que originó este filme, y que fue transportada para los dibujos produzidos sobre ella (y para las fotos!) y que finalmente transpiró hacía el filme que ahora comento. Toda la película tiene un carácter provisório, de improviso, y de trabajo contínuo, abierto, y aún en progreso. Todas las secuencias, asi como las relaciones entre ellas, surgen de forma informal, casi casual. Ahora, es posible que un cuaderno de viajes, el real, en papel, tenga genuinamente eso carácter informal, porque el cuaderno acontece al mismo tiempo que los acontecimientos muchas veces imprevisibles de un viaje. El viaje acontece, simplesmente, y los dibujos se van construyendo, «simplesmente». Pero transportar ese espírito inquisidor de viajero, y la espontaneidad resultante para un filme, que naturalmente tiene meses o años de preparación y ejecución, es algo muy complicado que aprecié aqui.

El truco aqui es, para mi, la plasticidad adicional que el director consigue atribuir a los dibujos. Esas sutilezas que nos permiten entrar en los contornos, y ver personajes animados en las aquarelas. Y un aspecto también muy interesante es el facto de que por varias veces surgir acusado en el filme la verdad de que no estamos mirando un filme, sino mirando un cuaderno de dibujos personal. Ese cuaderno es varias veces asumido, cuando vemos los anillos laterales que suportan las hojas, o la caratula del cuaderno, o paginas girando. Voy a querer mirar este filme otra vez.

Mi opinión: 4/5

Klotz & Klumpen (2008)

«Klotz & Klumpen» (2008)

Cinanima 2009

IMDb

tiene todo que ver con los ojos

Aqui tenemos una de las formas más graciosas de hacer humor con animación: desarollo de personajes. Cuando se habla de desarollo de personajes aqui, no es con el significado habitual que normalmente se da a la expresión en cine. No tiene que ver con profundidad, con conocer motivaciones, con tener personajes que describen arcos de evolución. En animación, para mi, desarollar un personaje significa explorar las expresiones, caras, movimientos de cuerpo, permitidos por la forma de cada personaje. Tiene que ver con aprofundizar las posibilidades plasticas de las formas elegidas por los creadores. Este filme gracioso es un ejercício simples de ese tipo de exploración.

Asi, mira el escenario. Un paisaje vasto de nieve, una carretera, y una parada de bus. Todo renderizado de una forma muy sencilla, creo que la intención era no complicar los elementos que vemos, para que pudieramos concentrarnos en lo que interesa, los personajes, Chump y Clump. Uno es un paralelipípedo suavizado, él otro es simplesmente redondo. Ya esto da diferentes características a los personajes. Para allá de eso, muchas de las bromas están en lo que hacen con los ojos. La expresión de los ojos, los capilares rojos de la resaca, ojos sonrientes, ojos desesperados, ojos tristes, ojos que lloran. Gracioso, muy gracioso. Muy bueno trabajo. Mirala, este corto está muy lejos de los renders perfectos de los grandes estudios de animación de hoy en dia (Pixar y Dreamworks). Pero estes tipos saben lo que hace los personajes graciosos, no necesitan más que las herramientas basicas.

La historia sirve para permitirles hacer lo que querian con los personajes y el escenario. Por eso tenemos las setas magicas, para permitirles construir una ficción alucinogénica con los personajes. Muy bueno.

Mi opinión: 4/5

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Pigeon: Impossible (2009)

«Pigeon: Impossible» (2009)

Cinanima 2009

IMDb

escala

La comedia es un género especialmente interesante de trabajar con animación. Eso porque los conceptos de gimmick, o comedia de situación, o interacción real entre elementos (como animales o objectos) ganan nuevas posibilidades.

En la misma sesión de Cinanima, he visto dos comedias de animación seguidas. Dos visiones diferentes de como usar las mismas herramientas. Este es el menos interesante de los dos (el otro es ‘chumps & clumps). No es que las ideas que utilizan aqui sean menos interesantes que las de chumps. Simplesmente estes no las trabajan tan bien como los de chumps. Asi, aqui el sucesso de la comedia esta basada en la interacción entre la paloma y el james bond, y las cosas impredizibles que la paloma puede llegar a hacer porque es suficientemente pequeño para caber en la mala asesina. Interacción animal-humano, y relaciones raras de escala. Es eso.

Algunas bromas son buenas, pero el sentido de estilo y la precisión visual de las bromas no están tan desarollados. Pero es gracioso.

Mi opinión: 3/5

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