Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980)

«Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón» (1980)

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en el inicio…

Suspechaba que iba a tener algo asi antes de mirar este. Estaba interesado en las raíces de Almodóvar como cineasta, como el empezó a desarrollar su tipo de narrativa visual, que es tan único hoy. Al mismo tiempo yo queria comprender y sentir alguna de la pulsación del espíritu underground de Madrid en esos dias. Estes dos aspectos son personales para mi. Yo queria comprender como uno puede utilizar una força con talento (y inexperiente) y dar una expresión fiel de un cierto momento en el tiempo y el espacio. También queria (y aún quiero) llegar a los «primeros trabajos» de directores que admiro, para asi comprender como ellos utilizaran sus limitaciones técnicas y de presupuesto para concretizar las ideas que persiguen. Esta no es la primera película de Almodóvar, pero es la más antiga a que uno puede llegar en el mercado legal (y creo que en el ilegal también).

Creo que la película falla. No porque es técnica y formalmente (muy) imperfecta. En verdad, me gustó mirar todos los fallos delante de mis ojos, creo que muchas veces un proyecto puede resultar más fuerte si su inexperiencia/amadorismo aparece. Esto es esa situación. Al final, creo que la película no funciona porque aqui Almodóvar aún no domina la capacidad de transformar sus histórias de telenovela en algo inteligente de un punto de vista de narrativa visual. La história aqui no es más ni menos pobre que en muchos otros sucessos de Almodóvar. Pero aqui el no fue capaz de encontrar un dispositivo que pudiera con inteligencia transformar la experiencia en algo puramente visual, como el hace en sus mejores trabajos. Asi, intenté mirar lo bueno de esto. La película prueba la inteligencia de Almodóvar, por el camino que el seguió despues de esta aventura; inteligente en lo que toca a la narrativa, y narrativa visual y como el siempre busca nuevas formas de poner sus histórias y pasarlas como productos visuales.

En verdad, hay buenas pistas aqui. Entre escenas, las chicas sugeren la producción de una película sobre sus próprias vidas. Ese film tendria precisamente los eventos que miramos en la pantalla. He decidido comprender (creo que esto es una cuestión de opción con relación a la interpretación que queremos dar) que yo estaba mirando la película de que las chicas hablaban, como si la história fuera en verdad cosas del mundo real que pasaran de verdad, y yo miraba entonces mujeres representando esas vidas. Pero hay algo importante; el personaje de Carmen Maura avisa que para esas chicas interpretaren bien sus próprias vidas, ellas tienen que representar. Tienen que actuar, para seren ellas mismas. Inteligente. Almodóvar seguiria ponendo en sus films mujeres que actuan, muchas veces actuan como ellas mismas, otras veces representan actrizes («Todo sobre mi madre» tenia todo que ver con eso). Este posible film dentro de un film, y la denúncia de que podemos en verdad mirar una película con personajes que se representan a si mismos fue para mi una pista sobre narrativa por superposiciones, y invención narrativa. La carrera de Almodóvar tiene, para mi, todo que ver con eso.

«La movida» está aqui. En este momento yo estoy intentando hacer algo en el mundo visual de las imagenes (llamalo cine si quieres), y me interesa mucho comprender como en este momento de la cultura pop española tantas personas talentosas pudieran revelarse, y produzir trabajo importante. Intentaré mirar otras pruebas visuales y documentos importantes de este momento, intentaré comprender como esta y otras películas fuiran posibles. Esta es una mala película que yo envidio. Me gustaria poder un dia tener un equipo asi.

Mi opinión: 2/5

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Byt (1968)

«Byt» (1968)

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Cine codificado

Esto fue mi primero contacto con Svankmajer. Y que impresión fuerte tuve! El está ‘associado’ con el movimiento surrealista, y muchas veces aparece junto con los otros nombres surrealistas del cine. En esta película, no consigo mirar nada de lo que pueda llamarse surrealismo, con la excepción de algunas opciones estéticas, y alguna leyes físicas del mundo del film. Esto porque el surrealismo siempre tuve algo que ver con procurar transmitir con la arte estados de (in)consciencia que están para allá de la auto-consciencia. Sueños, por ejemplo. Cosas que no podemos controlar, que no son materiales, que no podemos tocar, que ocurren en un tiempo indefinido (em forma y duracción). Nada de eso pasa aqui. Esto tiene, claro, un discurso político en las entre-líneas. Tenemos un personaje a quien le dicen donde ir, el sigue sietas que llevan hasta donde alguién quier. Le dan todo, pero el no puede provar nada. Lo llevan hasta puertas, pero no le dejan abrirlas. Le dan comida, pero un perro la come. Toda la acción ocurre dientro de un apartamento. Claro que esto es (o puede ser) la metáfora directa para la Unión Soviética, la cortina de hierro, todos los elementos que motivaran un gran número de cineastas y artistas para crear arte que pudiera expressar desesperación y insatisfacción sin alertar a los censores. Eso no es surrealismo. Pero esto es una experiencia fantástica. No conozco mucho de la animación, o cine checo, pero quiero explorarlo. Hace poco tiempo, he mirado un corto, ‘Prílepek’, fue una experiencia muy buena de alguién que por cierta aprendió mucho de esta referencia checa. Asi, senti una continuidade que me interesa explorar, asi que intentaré llegar a más trabajos como estes.

Lo que tenemos aqui (y eso es lo más cerca que estamos aqui de surrealismo) es un mundo que define sus próprias reglas. Hablo de reglas físicas. Es un mundo donde el comportamiento de los materiales y objectos no es igual a lo que pasa en nuestro mundo real. Es posible para un hombre poner su brazo dientro de una parede, o una cama de madera se desintegrar completamente como se la comieran. Eso es lo que nos lleva hasta una otra dimensión, eso y la edición/ritmo frenético. El stop-motion es notable, y el nivel técnico muy elevado aqui.

Mi opinión: 4/5 mirala.

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Ace in the Hole (1951)

«Ace in the Hole» (1951)

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Abutres

«i don’t make things happen, i just write about them»

*** Este comentário puede contener spoilers ***

Esta es la película que Wilder dirigió justo despues de Sunset Boulevard. Este es un facto importante. En ese momento, el estaba, creo, inmerso en vários temas, algunos respectantes a su actitud delante de la vida y la indústria de cine en América, y otros temas respectantes a su exploración personal del noir como género, y de sus posibilidades narrativas. Mi opinión es que Wilder llevó la concepción original del noir hasta sus limites en Sunset Boulevard. Asi, en un cierto sentido, ele esgotó el noir en su primera fase. Este fue como un bónus, un último alente de esa concepción primitiva de este género.

El cientro narrativo aqui está en la escrita, tal como en Sunset… . Tenemos várias entidades que son responsables por «escribir» visualmente lo que miramos, y que pelean con el desarrollar de la história para controlar los factos:

. los ‘siete buitres’, las creencias de los nativos, ellos son los responsables, almenos lo suspectamos, por el aprisionamento de un hombre, que motivará todo el ‘circo’ (o fue pura coincidencia? destino?)

. el personaje de Kirk Douglas, el próprio responsable por el relato de todo el evento, durante una buena parte de la película. El es como un ‘dios’ cuando escribe (y inventa) todo lo que miramos (mejor dicho, lo que mira la audiencia externa en la própria película). Esto es interesante porque no tenemos Douglas como un detective noir, alguién que es tan ciega sobre todo que está por detrás de lo que pasa como nosotros espectadores, como normalmente tenemos en las construcciones noir. Asumimos que el manipula, a pesar de suspecharmos que el va a perder el control.

. la audiencia. El circo que Douglas crea para su auto-promoción va a tomar control, como un bicho con várias cabezas (o pero, sin ninguna); Douglas lo permite, ya que el pierde el control (emocional) con el desarrollar de la história;

Estes 3 elementos, solos, hacen nuestra construcción. Esto se queda noir cuando Douglas se queda una víctima y no dios, y tenemos que cuestionar quien está en verdad controlando todo lo que pasa. Esto fue una ‘maldición’ de los índios?, fue algo a que podemos llamar destino?, (Douglas va de ciudad en ciudad y se queda en esta ciudad que tiene una tumba índia!). Esta película no es buena o influente como la obra maestra que Wilder hice el año anterior, pero es un buen film. El facto de el detective aqui se quedar escritor y intentar controlar todo nos indica que los que construyeran este proyecto intentaban quebrar convenciones noir y llevar el género hasta un nuevo nivele. Eso no pasó aqui, esta no es una película importante, y fue un fallo comercial. Pero es una buena tentativa.

Mi opinión: 4/5

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Tekon kinkurîto (2006)

«Tekon kinkurîto» (2006)

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He mirado dos películas aqui. Una me interesó mucho, la otra me aburrió.

la ciudad:
Hay ideas visuales muy fuertes detrás de las buenas animaciones japonesas. Esta es una película con dos fuentes, según mi interpretación: una es la própria noción de imagen en la arte y cultura japonesas. La arte japonesa produz ahora y desde hace muchos siglos imagenes que son tan complejas como agradables, tienen conceptos abstracto, pero son viscerales en la forma como conectan con los que las miran. Asi, la arte en Japón (cuando muy buena, y cuando verdaderamente japonesa) tiene esta dupla característica, de ser muy intelectual y muy conectada con el público a que apunta, independientemente de quien es (o donde viene) ese público. Por eso fue relativamente fácil el proceso de universalización de la cultura japonesa (almenos de la ‘imagen’ de esa cultura). Lo que me fascina es como creadores japoneses tan diferentes, de áreas y formas de expresión diferente, consiguen ser tan coerentes entre si, mismo si no están directamente relacionados. La otra fuente aqui viene de una certa forma de expresión que, en el pasado, el cine exploró. Hablo aqui del expresionismo, y la influencia directa que las películas alemanas de los años 20 tuviran en tantas creaciones posteriores. Metropolis es la face mas visible de esta influencia, pero películas como Der Golem tienen hoy aún un fuerte impacto. Esta película es basicamente un producto de estas dos (principales) influencias. Tenemos una ciudad, que es magnífica, colorida pero oscura (y, como los dos personajes principales, ‘negra’ y ‘blanca’). Esta ciudad merece exploración. Es poderosa, y es viusal. Es visual según una perspectiva bidimensional falsa. Eso es porque las imagenes son más basadas en textura, color, y encuadramento, que en distancias tridimensionales, punto de vista, o perspectiva. Asi, esto es más Metropolis que Blade Runner. Pero es falso porque los japoneses son muy fuertes en reduzir los médios sin perder contenido. Es como decir, la profundidad está toda allí, aunque la imagen es aparentemente plana. Asi, esta es una ciudad que merece visita y, sin duda, el punto más fuerte en esta película.

desarrollo narrativo:
Aqui me quedé, por otro lado, muy desapontado. Me aburrió seguir las líneas narrativas aqui. Black y White, la película gira en torna de la conexión entre ellos, y tenemos otras líneas para seguir. El viejo gangster con moralidad, su casi hijo que es forzado a matarlo, y las fuerzas superiores (aquellos que viven en la esfera, sobre tudo y todos). El concepto es muy sencillo, un tipo de ying-yang (como en verdad se muestra en la camiseta de Black), intentando comprender como los opuestos se atraen (y se rejectan) y como la conexión entre eses opuestos crea la relación ‘perfecta’. Pero hube mucho ruído aqui. El tipo de ‘ruído silencioso’, la ciudad oscura pero colorida, no existe en lo que toca a los trucos narrativos y a las histórias. Solo hay un punto de interes, y tiene interes porque es visual y trabaja las posibilidades del médio. Las visiones de White, que el dibuja, se quedan várias veces animaciones, con una expresión totalmente diferente del resto, permitindonos tomarla como algo realmente dibujado por la mano. Esos fuiran momentos poderosos. Pero el resto no fue agradable o interesante para seguir, y en los minutos finales son un lío, precisamente cuando la ciudad desaparece de nuestra mirada, y toda la expresión gráfica cambia para algo que no va bien con todo el resto.

Mi opinión: 3/, miralo por la ciudad…
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Get Carter (2000)

«Get Carter» (2000)

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no es acción

En verdad me gustó esta. Tiene una construcción visual interesante que tiene que ver, creo, con una gran coeréncia en la fotografia y especialmente con la edición. Es narrativa visual en el sentido que el enredo, embora fraco y no interesante es totalmente contado visualmente, sin dispositivos como los habituales diálogos excesivos utilizados para sustituir la falta de ideas visuales. Como algo positivo aqui, veo la coeréncia artística  global, con cuadros construídos casi como un mosaico.

Pero esto es un proyecto muy odiado. Porque? Tengo una teoria. Al público le gusta Stallone porque el representa 9 en cada 10 veces el típico heroe americano, como sus compañeros Seagall, Van Damme o Schwarzenegger (estes dos fuiran importaciones americanas). Recientemente, este papel ha sido representado por Vin Diesel. Asi, Stallone ganó su reputación entre sus fans por heroes comerciales como Rambo o Balboa. Eses personajes no existen aqui, en esta peli. Bueno, esta es aún un típico film de «matar toda la gente» y obtener la venganza, pero eso es muy suavizado por la forma como está construído visualmente. Asi el problema (para el sucesso de la película) fue, en mi opinión: ponendo Stallone, la película fue imediatamente llamando los fans de eses tipos de producciones comerciales, destinadas a atingir las audiencias con couentos de heroísmo, venganza, acción física y valores morales anticuados (el ego americano los llama «valores americanos»). Aqui no tenemos nada de eso. Al invés tenemos una construcción visual relativamente inteligente y sensível. Pero las audiencias preparadas para ese tipo de experiéncias no tuviran la necesidad de mirar a este. Creo que ese fue el problema aqui.

Asi, creo que puede ser interesante mirar, es relativamente interesante en la forma como edita en coerencia con el enredo, todo está hecho de forma muy visual. Al final conocemos la «verdad» de los factos del enredo mirando a un film dientro del film (literalmente un film). Miramos ese film juntos con Stallone luego, una vez más, a través de un dispositivo que utiliza la imagen como médio de transmissión.

Mi opinión: 3/5 una experiencia cinematográfica minimamente interesante

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Macao (1952)

«Macao» (1952)

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Gris, no «noir»

Esta vez, mi intuición falló. Normalmente preveo cosas sobre las películas que voy a mirar basado en puro preconcepto, cosas que he observado em miradas anteriores a películas de los mismos productores/actores/directores, el título de la película (me sugestiona mucho solo saber el título) o pura intuición. Este fue este último caso.

Lo que tenemos aqui es un noir hecho en el inizio de una década de aspectos interesantes en el cine americano: no fue experimental como los años 30 (donde se exploraban las posibilidades de un médio renovado por la sincronización de sonido y imagen) ni tan esablecido en un género y un sentido de estilo como los años 40. Asi, en un cierto sentido, esta era una década de indefinición. Pero películas como esta dicen que no estabamos ya en el período noir de que los años 40 (y en gran medida John Huston) definiran. The Maltese Falcon cambió (o, tal vez, resumió) algunas convenciones y introdució nuevas posibilidades en la narrativa cinematográfica, y ese legado ha sido desarrollado y aún tiene nuevos pasos hoy. Pero ese estilo, los muy apreciados sombreros, los detectives, luz/sombra que eran la face más visible (y para muchos espectadores la esencia de noir) no funcionan más aqui. Aún estoy intentando encontrar un film noir posterior a Sunset Boulevard que funcione de verdad. Este no funciona.

Empieza com Macau. En teoria, seria una muy buena ciudad para poner una história como esta. Aunque la realidad descrita en la introducción seya, probablemente un exagero enorme (y invención también) en relación a lo que de verdad pasaba en Macao en eses dias, eses son exageros que estoy dispuesto a aceptar, por una cuestión de riqueza cinematográfica. Una queja paralela es el retrato del policía portugués. El tio gordo, corrupto, con bigote es un preconcepto que creo que muchos europeos teninan (algunos aún tienen hoy) con relación a los portugueses. No conozco la visión de los americanos sobre esto, pero estas estilizaciones aburren hoy, pero con gran probabilidad, en 20 años, las estilizaciones que haciemos hoy abuirriran también. De cualquier forma, hay muchas, muchas películas americanas con más de 30 años ahora con situaciones como esta (me recuerdo del japonés de Breakfast at Tiffany’s). En suma, Macao empieza como una buena promesa en voz off, pero resulta en un estúdio de cine aburrido, algo oriental, algo genérico, pero sin grán interes para allá de lo que es descrito.

Para allá de eso, teníamos la figura controladora y carismática (rica) de H.Hughes. El era, probablemente, muy controlador en relación a sus producciones (el ya habia intentado entrar en los delicados trabajos de dirección). El pone dos de sus fetiches aqui: Mitchum y Russell. Asi, tenemos Hughes, que intenta crear una película clásica de noir. Para hacer eso el llama un director competente (más que competente) que habia sido capaz precisamente de hacer buen trabajo ponendo histórias en escenários exóticos; Hughes, que sabia eso, procura un típico escenário para noir, no nuevo, no interesante (o almenos no explroado de forma interesante). El enredo no está ni cerca del trabajo interesante de la década anterior. Hay alguna duda sobre el enredo? Que NO sabemos nosotros? No sabemos quien controla la história? Hay alguna ambiguedad con relación a alguno personaje? Grahame era la mujer que podria trayer alguna con relación a el «dios» en la história, la que controla las acciones fuera de la mirada de los espectadores, pero ella no fue bien utilizada. La escena con Mitchum y Russell en el barco demasiado cerca del inizio mata cualquier posibilidad o juego que pueda ocurrir. Mitchum solo camina e pasea-se en fato blanco, representando su «americanidad». Russell podria ser seductora y misteriosa para los ojos de Hughes, pero aqui ella es una mujer normal, ultrapasada en gran medida por Grahame, que actua en muy menos escenas. Russell tuve mejores momentos en otros films.

Asi, esta es nostálgica, tenia interes en mirarla, pero no cumplió mis expectativas.

Mi opinión: 2/5

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Tout va bien (1972)

«Tout va bien» (1972)

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esbozo estructural

Godard siempre me hace pensar. Casi nunca soy indiferente a lo que el hace, con algunas excepciones. Pero muchas veces, la excitación con una película de Godard viene unos dias despues de mirarla. Esta es una de esas situaciones.

El punto de partida es simples, el esta trabajando en la (re)invención estructural de sus films. Con gran probabilidad, en ese momento el seria suficientemente arrogante para creer que estaba reinventando todo el cine (recuerdas el «jean luc cinema godard» de Bande a part?). Bueno, hay conclusiones que han afectado los trabajos de otros autores, pero ni siempre.Creo que este es importante como un marco en el trabajo de Godard, en el cuadro mayor de sus trabajos y es importante mirar en el contexto histórico del cine de entonces. Mucho pasaba en el inizio de los años 70, y la cuestión principal seria, tal vez, clarificar el significado de cine y sus conexiones a la vida real, la cuestión principal que la nouvelle vague llevantó, pero nunca contestó satisfactoriamente. Asi, hay un conjunto de trabajos de este período que creo deberian ser mirados porque representan diferentes abordajes de diferentes contextos a un tema común. Piensa en «F for Fake» de Welles, «The conversation» de Coppola, «La nuit américaine» de Truffaut, o unos años antes, en el «Blow Up» de Antonioni. En la basis de todos estes proyectos (y algunos otros) está, para mi, la preocupación cinematográfica de comprender si el cine representa vida, escenifica vida, o si es pura ficción que puede influenciar la vida. De todos los proyectos que mencioné, este es, tal vez, el menos interesante, pero interesa mirarlo.

El motivo porque creo que este recompensa menos quien lo mira do que los otros de que hablé es porque Godard, en este punto de sua vida, costumbraba arruinar parcialmente sus filme al aburrir el espectador con sus concepciones infatiles y crudas de ideologias políticas. Asi, el no se concentra tanto en el cine como se concentra en la política. Me gusta creer que mismo entonces, el tenia noción de la poca profundidad de las ideas que defendia, pero escogió mantener esa postura para motivar ciertos aspectos estéticos. Asi, en lo que toca al cine:

La película es en si misma una estructura cruda, que contiene várias estructuras crudas en el interior. El resultado es que somos capazes de comprender los mecanismos de todas las cuestiones que miramos: films, política y relaciones personales. De estas 3, la única que importa es la que toca a la creación cinematográfica. Todo es denunciado aqui asi que, en el inizio, tenemos un plano en que alguién firma cheques para pagar servicios que tienen que ver con cine (fotografia, film, guión, etc.), seguido por un diálogo off que traduz, de forma estilizada, el inizio del proceso de realización. Despues tenemos toda una sequencia muy bonita al interior de una fábrica. Tenemos la fábrica en sección, asi que podemos mirar al mismo tiempo al interior de todos los compartimientos (esta denúncia estructural seria utilizada, en diferente contexto, por Lars von Trier en Dogville). Mismo antes de que comprendamos que estamos mirando a un escenário, nunca por un momento nos creemos en la autenticidad de lo que miramos (los colores son los de la bandera francesa). Las actuaciones de los trabajadores son asumidamente teatrales, asi no suspectamos nunca que estamos mirando la vida real capturada. Asi, ficción es anunciada. Como Truffaut en «La nuit américaine», Godard por fin asume que el cine tiene dinámicas próprias que no tienen tanto que ver con la vida, y el papel del cine no es el de capturar la vida, pero crear una vida própria, con conexiones al mundo real, pero también con leyes internas próprias.

Despues, Godard arruina parcialmente la experiencia. El asume el discurso político. El pone, aún en el contexto de la fábrica, vários trabajadores (actores que representan trabajadores, hay que lembrarlo) que sueltan monólogos terriblemente aburridos (al menos para mi, yo no soy un tio del Mayo de 68, los mas viejos que hablen aqui) que tienen que ver con sus derechos y sus quejas. El pone los actores hablando directamente para la cámara, y asume una vez más que se está haciendo una película. Más tarde, el asume que podremos hacer nuestra própria película, cuando pone Montand hablando lado a lado con una cámara apontada a nosotros.

La tercera y de lejos menos desarollado tema es la relación personal entre Fonda y Montand. Esta también es contada tenendo en cuenta la estructura de todo. Asi todo es estilizado, cliché, pero se supone que seya asi. Terminamos la película con várias posibilidades de como una relación como la suya podrá terminar.

Esto es un esbozo cinematográfico, como una demonstración de un film. Me gusta esa actitud, el aspecto «inacabado», la crudeza, el aspecto temporário de la película. Es como si fuiramos parte del proceso. Y en verdad lo somos.

Ah, y hay un plano que, solo, hace la experiencia valer: el plano relativamente famoso del supermercado. Tenemos la cámara moviendose según una línea recta por cerca de 15 minutos, miramos la vida normal del supermercado, cosas que pasan, una pelea «ideológica» escenificada. Solo eso. La cámara va y viene, la línea que sigue es paralela a la línea de las cajas que registran las compras de los clientes. Miramos todo en el nivele de los ojos de los trabajadores de las cajas. Es muy bonito. Es cine, tal vez no cinema de la verdad, pero verdadero cine.

Mi opinión: 4/5

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El embrujo de Shanghai (2002)

«El embrujo de Shanghai» (2002)

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Lolita, Quijote . una película dientro de una tendencia

*** Este comentário puede contener spoilers ***

Esto es algo en línea con lo que el cine español ha explorado en años recientes. Esto significa que estoy hablando de una película con una construcción muy bien pensada, en lo que toca a la narrativa, referencias internas y simbolismos. Antes de esta, yo solo habia mirado a Belle Epoque de Trueba, y no conozco el percurso de sus películas en los 10 años entre esa película y esta, pero me pregunto, mismo por otras creaciones recientes españolas, si Medem está influenciando con profundidad el cine español. Su primero longo fue Vacas en 1992, el año de Belle Epoque, que no tenia ningunas de las preocupaciones que se miran aqui en esta película, asi me parece que Medem está haciendo su (merecido) camino en influenciar los creadores españoles (y no solo españoles).

Asi, aqui tenemos una base narrativa basada en el ya visto film dientro de un film. En esta situación, es casi literalmente un film, ya que una história es contada el paralelo a la acción principal, y descubrimos que esa história no es verdadera, o almenos podrá estar desplaçada y distorzida. Esta estructura canónica existe exactamente asi en «kiss of the spider woman» de Babenco, asi que esa me llegó como una referéncia directa en esta película. Pero es interesante comprender como la realidade paralela inventada influencia (tal vez) la línea principal. Asi: lamujer de Shanghai llega a nosotros, espectadores, representada por la actriz de la madre de la chica; la história de ficción terminda con esa mujer oriental llevada por el padre de la chica. Forcat viste un trajo oriental que también miramos en el padre de la chica, en la história «inventada». Puede que esta história que Forcat cuenta seya sobre el pasado de la relación entre los padres de la chica? no se, pero me gusta la ambiguedad de cuando deberemos poner la história, o si deberíamos considerarla en general (realidades construídas, realidades soñadas, realidades inventadas, líneas temporales ambíguas… Medem, una vez más).

Ahora mira el chico. El dibuja. En el inizio el avisa que no puede dibujar de memoria, pero después miramos que el hace sus dibujos más importantes de memória (los retratos de la chica y del capitán). El dibuja el falecido capitán apresadamente, porque no quiere que la imagen desvanezca, el agarra el mundo dibujandolo. De igual forma, el destrui el retrato de la chica para olvidarla.. El dibuja el mundo que el quiere mirar, el somete el mundo con el dibujo, asi el inventa el vestido, y imagina nuestra Lolita desnuda.

Tenemos también el viejo capitán, que también inventa el mundo donde vive, a través de la reclusión. Lo miramos por la primera vez salindo de un armário, el crea su personaje para si mismo, con gafas que pintan su mundo y dirigen su mirada. El es Quijote porque define sus enemigos, y crea sus objectivos. El presenta el chico a Lolita. Esto es importante.

La chica está cerrada. Ella comprende el mundo a través de las histórias que le cuentan. El mundo es lo que pasa en su habitación. Ella tiene canales bien definidos, y está muy influenciada por la «conexión» Shanghai que es aún mas fuerte porque los personajes en su vida hacen un esfuerzo para conectarla a Shanghai. Ella vive en los films que le cuentan. Asi en su caso, films influencian su vida, más que su vida influencia los films. Cuando la inocencia de Lolita es quebrada, ella termina en una sala de cine, vendendo tickets, y no mira a los clientes, la magia desapareció. Una última nota para el facto de que el padre de la chica vivia distribuindo proyectores de cine, su madre aún vive de explorar un teatro, pero el film dientro del film muestra su padre dormindo mientras mira a una peli.

Tenemos un otro film ambíguo, que es descubrir cual es la versión real de la muerte del amante de Lolita.

El chico termina la película en una sala casi vacia, llorando sobre la inocencia que el también perdió, y acceptando la película que mira.

Mi opinión: 4/5

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The American President (1995)

«The American President» (1995)

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lavado de cerebro

Coge el hombre vulgar que solo quiere encontrar el amor verdadero. Por ahora, esto es una fórmula desgastada, creo que ya lo era hace 13 años. Aqui tenemos Michael Douglas haciendo ese personaje. Sobre eso, sobrepone la camada de orgullo americano, que siempre lleva el cine americano (el malo) a representar el presidente, ponerlo como dios, mayor que la vida por considerarlo «solo» un hombre. Asi, el hombre vulgar es el presidente de los Estados Unidos, el «hombre más poderoso del mundo» es un hombre vulgar. Comprendes la contradicción? Tendrás esta película, como una variación más sobre el tema de «vamos mostrar a los americanos porque los americanos deberán estar orgullosos de si mismos» (yo no soy americano). No hay nada aqui para mirar, claro, es ridículo casi todo el tiempo, aún más cuando miramos la incomodidad de Douglas practicamente todo el tiempo.

Mi principal queja no está contra aquellos que producen este tipo de material pero contra los que me permiten llegar a esto sin siquiera hacer un esfuerzo. Por otras palabras, porque deberán los mercados mundiales de cine fuera de los EUA investir en productos como este? Yo se que la cultura americana es, más que cualquier otra, universal; sus elecciones son seguidas por todo el mundo, su situación económica, sus amenazas de guerra, etc, pero eso es político. Esto no debería ser necesário. Hay muchas cosas «escapistas» muy mejores de tantos sítios, mismo de los EUA. Pena.

Mi opinión: 1/5

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Paycheck (2003)

«Paycheck» (2003)

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un nada explosivo

Esto es un lío. Hoy, temprano, he mirado otra vez a Blade Runner, la versión del director. Ya no la miraba hace un año, siempre es bueno mirar a esas buenas creaciones, nos deja nuestra imaginación visual trabajar y nos prepara para cosas como esta. Como puede alguién estropear una história de Phil Dick de tal forma que esta se queda solo una simples película de perseguición y fuga con un enigma cualquier en el médio? Cual es el sentido de hacer cine si uno no se preocupa en solucionar visualmente los desafios que la história tiene? Hitchcock siempre utilizaba histórias simples, muchas veces poco interesantes (o solo suficientemente interesantes para llevar la película hasta alguno sítio). Esto pasaba porque el sabia que lo que interesa es narrativa visual, asi se quedaba fuera de «líos» en lo que tocaba a conceptos complejos, porque tenia ideas visuales que queria explorar. Los compositores de ópera italianos buscaban forma similares de no se comprometeren con el texto para se quedaren con la música. Dirigir esta história de Dick como está hecho aqui es como cojer una novela de Balzac y cambiála en un colebrón; no es que no seya posible, pero es cojer muy buenos y complejos conceptos que tienen una história para demonstrarlos, sacar los conceptos, y quedarse con la história, inútil y desnuda. Hay grandes sugerencias de memória en esta creación de Dick, lo que es real y lo que es implantado, el significado de crear memória, crear futuro (pasado?), crear destino. Esto es material muy bueno, y bueno, yo he mirado a Blade Runner, hoy temprano… La ambiguidad, la colocación de cuestiones sin sentir la necesidad de comprender donde todas las piezas del sobre encajan en el escenário… Aqui solo tenemos ruído, mucho, explosiones y las escenas de lucha inutiles. No tenemos nada… las actuaciones tampoco son muy buenas. Afleck es arrogante y le gusta que le miren. Uma hace su trabajo, creo, pero tiene limitaciones, aunque no seya necesário hablar de ellas para comprender porque todo esto es un fallo terrible.

Mi opinión: 1/5 hay proyectos en los cuales el contenido cuenta. Este no es uno de ellos.

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