L’homme qui aimait les femmes (1977)

«L’homme qui aimait les femmes» (1977)

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detalles narrativos

Esta es una de las más interesantes concepciones de un hombre que pasó toda su carrera y vida cuestionando la propria concepción de cine y lo que eso significa en cada momento. Después de la aventura de la nueva vaga francesa de los años 60, Truffaut maturó y, para mi, empiezó haciendo sus trabajos más lúcidos. Basicamente creó films que son ensayos sobre cine, asi como demonstraciones autobiográficas de sus pensamientos.

Asi, tenemos un filme sobre un contador de historias. Un mujeriengo que escribe la historia de su vida. Cada mujer en esa vida es, ella misma, una historia. Asi, el placer de estar envolvido con una mujer refleja la voluntad que Truffaut tiene de contar una historia. El hecho de que Morane escribe todas las historias, y de allí saca una estructura más ancha (un libro) que las contiene a todas subraya esto.

La editora tiene un papel importante. Ella es el personaje llave que Truffaut pone sobre Morane, y ella hace anotaciones y comentários a toda la estructura. Sus observaciones al libro y personalidad de Morane pueden ser encaradas como comentários al proprio filme, y su director. Ella es auto-referencia, ella es Truffaut comentandose a si mismo, y asi adicionando algo a la reflexividad de la película. Por eso ella observa que Morane, el escritor, no rechaza los «detalles» que otros no notarian, y ella dice literalmente que él es, basicamente, un contador de historias. Por otro lado, es ella quien nota el facto que el funeral de Morane es el final perfecto para la historia. Yo he visto todo esto como anotaciones reflexivas a la propria estructura del film y, de forma más general, a la propria naturaleza del cine de Truffaut. Toda su vida, él fue un contador de historias, y sobre todos los placeres que sacaba en hacer una película, estaba el placer de narrar. También tenía un interes especial por filmar los detalles, algo que creo haber sacado de Hitchcock. La mano que marca los números de telefono, o que gira las páginas de la agenda, ese tipo de cosas.

El funeral de Morane, que abre y cierra la película, reune todas las mujeres a su redor. Como la editora (la segunda narradora) nota, es una celebración de la vida de Morane, el reconocimiento de sus cualidades, la celebración de su vida (cine).

Este y «La nuit américaine» so, hasta ahora, los filmes de Truffaut mejor construídos que he visto. Muchas veces, pienso que Truffaut (y Godard!) han pasado demasiado tiempo al redor de cosas que no son asi tan importantes, como adolescentes discutindo equipos de fútbol. Pero, en algunos momentos, él hizo contribuiciones importantes para la evolución de la narrativa cinematográfica. Esta es una de ellas.

Mi opinión: 4/5

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Sleuth (2007)

«Sleuth» (2007)

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reviravueltas

Es redutor pensar en este filme como un remake del original. Al invés, es muy más interesante considerarlo como un filme que se adiciona al original. Realmente deberían mirar el antigo primero, para magnificar la experiencia de este. Piensa en el original, luego consideralo como un punto de partida. Despues, abre tu mente para recibir esto. Si haces eso, tendrás una de las mejores experiencias con filmes que tienen que ver con la creación de historias. Yo tuve.

La versión de Schaffer/Mankiewicz tiene que ver con dos personajes que pelean por el control de la historia. Su juego personal de humiliación y venganza está basado en cada uno de ellos crear una historia y representarla de tal forma que el otro la crea. En esa versión, teníamos juguetes y figuras animadas por todo el escenário para realzar esto. Ese era una obra maestra en la escrita para filmes que funcionaba porque las actuaciones lo suportaban. Laurence Olivier estuvo muy bien allí porque él explicaba constantemente la creación de la historia mientras ella se desarrollaba. Ese filme era uno de machos puros, luchas de gallos. La muje por quien ellos pelean, estaba en una pintura.

En este filme, empiezamos en la peugada del original. Dos terzos de la película dejan poco espacio para reflexionarmos sobre motivaciones. Si conoces el original, sabes lo que puedes esperar. Esto está encenado de forma magnífica. La muher que provoca el juego ES la casa, que ella decoró. Asi, ella juega el juego, mucho más que lo que teníamos en el original. Branagh tiene que ser reconocido por la maestria de todo esto. La forma como él lida con las cámaras de vigilancia inventa un tercero personaje que está en todo lado, pero que nunca vemos. Al mismo tiempo, la casa es ostensivamente un escenario, concebido no para que alguién viva allí, sino para ser explorado por los nuestros personajes. Pero también ES una casa! Voy marcar este como un caso interesante de un filme que relaciona cine y arquitectura, por la forma como la casa/escenario esta concebida.

**spoilers aqui**

El truco narrativo de maestro viene en los últimos 20 minutos. Es algo especial que funcionará mejor porque ya conocemos el filme original. Es una espécie de reviravuelta sobre lo que esperavamos porque hemos visto la otra película. Aqui sentimos la mano de Harold Pinter. En un cierto momento, cuando nuestros personajes empiezan el último «set» de su juego, quedamos indecididamente entre creer en su sinceridad o intentar comprender quien está haciendo la jugada. El tema gay es introduzido, y el juego avanza para un estado de enorme ambiguidad, solo desvelada en los últimos minutos. Otra vez, la casa (el ascensor) danos un último plano muy fuerte, que termina el filme de forma más conclusiva y eficiente que el original. El personaje de Caine es muy más ambíguo, y tenemos que darle crédito por esos longos momentos de puro silencia en la habitación de invitados, cuando él decide si debe o no ceder a las exigencias de Law. Eses momentos fueron fantásticos.

Jude Law es un actor muy interesante. Para allá de sus cualidades óbvias, me parece que él es especialmente inteligente (o bien orientado) en la forma como elige los filmes donde entra. Sus remakes de antigos papeles de Caine son muy buenos ejemplos de eso.

;Mi opinión: 4/5 este filme es várias performances dentre una performances, que se torna un filme, encuadrado por otro filme. Ustedes querrán mirarlo.

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Batman (1989)

«Batman» (1989)

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la oscuridad que yo recuerdo

Yo he visto esta película cuando era muy joven, y ya no la via hace bastante tiempo, asi que tengo una relación personal con ella. Yo evolui, y el filme conmigo, en mi mente.

Realmente pasó algun tiempo. Y la memória que tenía de ella es bastante más oscura de lo que la película es. Porque? Yo cambié; los filmes han cambiado. Es eso. Se suponia que esto tenía un mundo negro, muchos le llaman gótico. En verdad hay un ambiente negro en algunos puntos, Burton es especialista en produzir ciertos ambientes. Pero ya no funciona como un mundo oscuro con mentes negras, si alguna vez lo hizo. Tiene ahora la atracción de las películas adolescentes: sabemos lo que va a pasar, pero queremos verlo, en todo caso. Y este mundo es muy más brillante que tantos otros filmes que no son especialmente recordados por su «oscuridad», como este lo es. Supongo que probablemente eso tiene que ver con la forma como la narrativa se construye. Este filme confia en su aspecto visual, y eso es, normalmente, una cuestión de moda. Se va, y cuando lo hace, el filme se soportará, o no, por su contenido cinematográfico. Burton cre que enseñar un mundo nos hará entrar en ello. Bueno, yo si entré, hace 15 años, ahora solo me acuerdo que entré, pero ya no se donde está la puerta. Supongo que Nolan, despues de los desastres de Schumacher, realmente sustituyó con solidez a Burton. Él introdución la instabilidad en la narrativa, en «dark knight» él construyó toda la narrativa sobre la idea de instabilidad. Él comprendió como podía suportar todo un mundo visual consistentemente por adición de camadas de surpresas, haciendo asi todo el filme como una grande supresa.

La actuación de Nicholson es tan plástica como su personaje. Está basada en el charme individual, no en una mente perturbada. Su vilán es un joker, pero sin ironia. Ledger realmente empujó el personaje para otros campos, esos donde Brando o Depp actuan.

Este filme es interesante, ya que revela la conexión entre cine, memórias cinematográficas, y nuestras proprias vidas.

Mi opinión: 2/5

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Je vous salue, Sarajevo (1993)

«Je vous salue, Sarajevo» (1993)

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el encuadramiento correcto

Godard es un director curioso y altamente talentoso, pero difícil de comprender, arrogante y autista tantas veces. Esto arruina mucho de lo que él hace, pero aún asi nos deja algunas perlas.

Esta es una de ellas. Un ejercício simples de manipulación visual, minimal en sus recursos y extensión temporal, pero que es magnificado por su poder visual. Este corto son 2 minutos de encuadramientos múltiplos de una única fotografia. Cada encuadramiento nos dará una realidad particular en si, y nos hará comprender mundos diferentes en el mundo que, con el desarollar del corto, comprendemos que es apenas una imagen. Estes 2 minutos en Godard son más analíticos y significativos que muchos de los films de Wenders que intentan directamente comprender lo que significa buscar significados escondidos en las imagenes. Porque no pudo él tenter la cabeza clarificada en los 20 años antes de este filme?

Aqui, como en otros filmes de Godard, quedé tan impresionado en como él me manipuló que olvidé su discurso habitual, politicamente pesado y egotista, disfrazado de puro humanitário. No rechazo sus intenciones, solo su actitud.

Una otra cuestión se levanta, aqui y en el trabajo de Godard en los años 90. Más que testar los limites de cine, aqui él cuestiona sus próprias definiciones. Basado en sus «historias de cine», creo que aqui él empujó sus próprias definiciones para el campo de la pintura. Aún asi, creo que él es más un manipulador/creador visual. La pintura, en su sentido cinematográfico, tiene dos formas de ser comrpendida: una es por la luz/color/composición, la otra es por la comunicación/manipulación visual. Welles/Toland, Conrad Hall, Gordon Willis. Ellos eran pintores. Aqui Godard intenta ser manipulador y camina por campos no tan explorados en la narrativa cinematográfica.

Mi opinión: 4/5 mira este.

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Mankind Is No Island. (2008)

«Mankind Is No Island» (2008)

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engañador

Esto es material dañado. Todo aqui parece confiable y poderoso, pero un revisionamento cuidado va a revelar el falso que es.

El filme nasce, aparentemente, de una idea visual inteligente, soportada por la edición. Imagenes capturadas en dos ciudades, que se mezclan para darnos un mensaje. Y la edición es la herramienta cinematográfica llave de ese mensaje. Pero el engaño es que para allá de unas pocas imagenes de personas sin casa y de verdadera vida diária urbana, todo el material son en verdad palabras filmadas, editadas para podermos leer frases. Y todo el ritmo está No en las palabras filmadas, sino en la música que las soporta. Asi, aunque uno pueda ser llevado a pensar que esto tiene alguno valor cinematográfico, es en verdad un intento vago, disfrazado de trabajo amador honesto. Me ha llevado vários visionamentos para comprender lo que estaba mal.

Una queja menor es que el mensaje es paternalista, catatónico, aburrido. Te dice lo que ya sabes, y no lo hace con una perspectiva interesante. Está envuelto en una noción estúpida de tratar los espectadores como niños, de una forma que ni los niños (o especialmente los niños) deberian ser tratados. A muchos espectadores les gusta ser tratados asi, y probablemente eso justifica el sucesso de esta película. Bueno, a mi no me gusta.

Si quieres un pedazo de edición donde las imagenes son la llave de la emoción y la música es solo un suporte adicional, mira este anúncio:

Quitale el sonido y miralo una segunda vez para comprender como la edición aguanta sola. Ahora hazlo con este «mankind…» y mira como el filme muere. El IMDb no hace listas de anúncios comerciales, pero comparando la película que estoy comentando con el ejemplo que estoy dando, quizás deberían.

My opinion: 1/5

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