Archivo para 31 julio 2007

30 Julio 2007

(eso va en portugués, lo que dice no se traduce) 

Bergman / Antonioni

Não sei porque tinham de morrer no mesmo dia, até já ouvi dizer que o Antonioni morreu de choque ao ouvir que o Bergman tinha morrido. Seja como for, são dois dos últimos… não sei últimos de quê, mas tive a sensação que eram dois dos últimos a ir.

No meu caso pessoal, como amante de cinema, liguei-me sempre mais à obra do Antonioni, sem questões pessoais são dois mestres-génios-pessoas que a partir de 30 de Julho de 2007 ganharam o direito a ser imortais.

Para mim não é este o momento dos discursos longos. É o momento de quem tiver acesso agora mesmo, pegar no primeiro filme que estiver na superfície da memória de cada um e rever, 1 minuto, 2 minutos, dois planos ou o filme todo, ou todos os filmes. É provavelmente o que vou fazer.

Ingmar Bergman (1918-2007)

Michelangelo Antonioni (1912-2007)

The Black Dahlia (2006)

“The Black Dahlia” (2006)


IMDb

El problema con enredos pesados y una visión cinemática

Yo pongo Brian De Palma en un lugar alto en mi lista de directores con interes. Eso significa que, haga lo que haga, siempre voy a querer mirar a sus trabajos, mismo si al final me quedo desilusionado. Eso pasa porque el tiene una forma muy personal y altamente cinemática de mirar a las cosas y contar histórias, y siempre empieza por esa visión. Asi, no concordo con la opinión de los que desprecian De Palma por consideraren que el trabaja como fotocopiadora de los estilos de otros directores. Pienso, si, que el denota várias influencias, claras como agua, pero al final siempre surgen filtradas por su magnifica forma cinemática de explorar lo que vemos. Y enfatizo esa última palabra porque con De Palma, todo tiene que ver con lo que vemos… COMO, mas do que QUE.

Dicho eso, creo que esa película es un trabajo menor suyo. No quiero decir que no se debe mirarla, pero es peor que la média de las pelis de De Palma y a kilometros de sus mejores momentos. Ya lo he visto hacer mejor con peor material. Y hablo de “peor” o “mejor” con relación a lo que mejor serve el estilo de ese director. El problema aqui parece ser la exagerada complejidad del enredo, que al invés de se quedar más y más sencillo como forma de realzar los complejos movimientos visuales que le gustan, se queda más y más pesado. De Palma necesita que sus audiencias esteyan suficientemente elucidadas sobre el enredo para que puedan apreciar su trabajo visual (eso porque el espectador médio nunca abdicará de seguir con atención la história y siempre la pondrá defronte de otros elementos más profunda e especificamente cinemáticos).

Este facilmente será relacionado con Chinatown y LA Confidential y naturalmente designado como “neo noir” o otro nombre extraño que le llamen. Noir se desarollo alredor de personajes que agian en la oscuridad, conduzidos por la coincidencia, o el destino, o ambos, en suma, siempre por fuerzas superiores a si mismos. Aqui, para allá de esa concepción tradicional, tenemos la cámara “de dios”, y un plano memorable que yo relaciono (otra vez las influencias) con la escena inicial de Touch of Evil, de Welles. Ese plano pasa en la escena donde el cuerpo de la actriz pretendente es econtrado sin vida y un tiroteo toma lugar. Eso es exploración espacial, conduzida por un ojo a quien es permitido todo, mira solo a la soma de lo que todos los personajes juntos miran. Ese es el mejor momento de cine, más cerca de lo que le gusta a De Palma, y que merece una buena análisis.

La otra referencia que me pasó tenia que ver con la estructura narrativa en Sunset Boulevard. Este era un ejemplo fantástico de como construir una história con vários niveles, una obra maestra en la escrita para cine: y tenia una película dentro de la película. El proyecto de juventud de Gloria Swanson, dirigido por Stroheim y que era mirado por sus respectivos personajes en Sunset Blvd. Aqui no tenemos esos simbolismos, ni la intención de los tener, pero tenemos una película que conduz el enredo, y crea un personaje muy interesante que nunca miramos vivo exceptuando eses pedazos de película (hablo del personaje de Mia Kirshner) y nos enseña (como a nuestro detective noir) lo que necesitamos saber. Aunque la locura del personaje de Fiona Shaw (representada con grande importancia cerca de unas escaleras, recordan Sunset Blvd?) lleva a una relacion entre las dos películas. Hace poco tiempo mire a “professione: reporter” de Antonioni, y creo que en la película del italiano, la “película dentro de la película” tenina un efecto similar a lo que De Palma hace aqui.

Eso y una interesante inversión de papeles que hacen la morena (Swank) la “femme fatale” al invés de la tradicional rubia (que seria Johanson) son los elementos buenos. La coneción fraca entre el enredo pesado y la voluntad que De Palma tiene de libremente explorar y procurar cosas (recordar Blow Out) es el mayor fallo y su consequencia es que la película caso nunca consigue captivarnos, casi siempre falla en trayer hasta nosotros los elementos necesarios para justificar los bonitos planos de De Palma.

Mi puntuación: 3/5

Ese comentário en IMDb

Blade Runner (1982)

“Blade Runner” (1982)

IMDb

Impresionismo con contornos de distopia

Antes de todo, Blade Runner no trata de una historia, no trata de personajes, no trata de algo concreto. Trata de paisaje, de la ciudad como reflejo de la civilización. Habla de corregir nuestro presente, conociendo lo que pasó en nuestro pasado. Por eso, el futuro es utilizado, y la ficción científica también. Puede parecer paradoxo, pero el modo futuro pone el espectador con la distancia necesária con relación o lo que es supuesto “mirar”. Y lo que se mira aqui es fundamental, no por causa de los escenários fantásticos, no por causa de la previsión fantástica de lo que la ciudad vendría a ser en años próximos, pero porque mostra lo que ya esta defronte de nosotros. Practicamente todas las películas de ficción científica hacen previsiones de ciudades completamente nuevas, basadas en lo que es “futurístico” en el momento de la concepciónd e la película, de obras primas visuales como Metropolis hasta versiones comerciales de mundos futuros como “Demolition Man”. Ridley Scott propone una ciudad que existe ya, hoy, ahora. Nosotros llegamos al futuro desde el presente, nuestro presente, y eso conectanos donde el modo futuro nos hacia sentir distantes. Todo es premeditadamente lanzado a nosotros con una envolvencia distópica, caótica, que hace estremecer, no porque es oscuro y lluvioso, pero porque pasa en una ciudad que existe ya, en edifícios con más de 100 años ahora. Sebastian vive en un edifício neoclásico del final de siglo XIX con gran probabilidad, las raízes de todo que es malo y perverso en ese futuro de Scott estan asumidamente en nuestro presente. Obviamente, todo el director de ficción científica es, antes de todo, un habitante del planeta Tierra, pero aqui el hace un esfuerzo para mostrarnos eso a nosotros, espectadores.

Asi, todo es clásico, Sean Young, una replicante que no lo sabe, tiene una belleza clásica, su caracterización, la forma como se mueve, como habla. Ella toca el piano. Ella tiene memória. Ella es humana, excepto por el facto que es una replicante, creada por los hombres, y aqui es donde los hombres son elevados a la categoria de dioses, de la misma forma que elles crean con la misma perfeción que los dioses. La cámara es Deckard, la cámara es el observador, y ese observador trabaja sobre los edifícios, sobre la humanidad, trabaja en la última planta del complejo industrial similar a el Olimpo de Tyrell. Lo que se hace aqui es un cambio en la noción de escala temporal, para hacernos volver a la Tierra. Si Dios es eternidad, y la vida humana un segundo en esa eternidad; lo que miramos es la vida humana quedarse la eternidad posible, y los 4 años de vida de los replicantes solo una pequeña pasaje por esa realidad. Siempre que los replicantes son hablados en Blade Runner somos de verdad nosotros que somos hablados. Al final, eso puede tratar de quedarnos en la realidad de que el tiempo es precioso, y que 4 años pueden significar mucho, si bien utilizados. “todos los momentos se quedaran por el tiempo, como lágrimas por la lluvia”, dice Rutger Hauer. Eso habla de mantener la memória para la eternidad, seya la eternidad lo que seya.

Los hombres se quedan reflectidos en sus creaciones, sus imperfeciones, pero también sus qualidades, aparecen en lo que el crea. Asi, con el desarrollar de la película, cambiamos nuestra mirada sobre los replicantes, de sentimiento de amenaza hasta empatía, de deseo de eliminar (como sentimiento de sobrevivencia) hasta deseo de abrazar y consequente sensación de perda por el desaparecimiento de los replicantes. Eso es cuando eses replicantes se quadan hombres, cuando comprendemos que no es esta hablando de robots, pero de nosotros. “pena que no viverá, pero por otro lado, quien viverá?” esa es la frase final, nada es eterno, creación o su creador. A pesar de eso, la visión del inevitable de la muerte no hace Deckard desistir de correr por la vida.

Un otro aspecto aqui es que no hay una “banda sonora”, no hay “música” en esa película, solo “paisajes sonoros”, tan distópicos como la ciudad, tan negros como ese futuro, tan vazios como si no hubiera futuro. Eses sonidos son la historia de esa ciudad, son la historia de nuestro pasado, como contado en nuestro presente, donde no hay memoria, donde las memorias son olvidadas, o inventadas como, una vez más, un truco de sobrevivencia. La memória es un cojín para las emociones, dice Tyrell, el es Dios, el sabe que las emociones son necesárias para la existencia, pero también sabe que no puede eternizar una mentira, el sabe que morirá.

En última análisis, esa puede ser una película de ficción científica fondeada en la noción de película “noir” que, bien explorada, podería quedarse un género por derecho próprio. Se encontrarán practicamente todos los aspectos de las películas noir aqui. Por todos los aspectos hablados, creo que esa es una de las películas esenciales de ficción científica, cumplindo completamente el papel que la ficción científica debería tener, pero que caso nunca tiene. Entre 1979 con Alien y 1982 con esa, Ridley Scott dió pasos seguros en el sentido de comprender de lo que habla la ficción científica y como debería surgir en la produción cinematográfica. Todos los artistas tienen sus limites para la inovación y creación. Aparentemente, el limite de Scott se quedó dibujado aqui. Su trabajo posterior nunca fue tan influente o bueno como esas dos películas, pero lo que nos dió fue más que suficiente.

Mi puntuación: 5/5 Esa puntuación no era necesária, lo que dice seria suficiente.

Ese comentário en IMDb

The Departed (2006)

“The Departed” (2006)

IMDb

Martin mirando a su pasado

Scorcese vuelve a su pasado como director aqui. En sus proyectos más recientes, él venia desarrollando las posibilidades de mover a su cámara alredor, en mi punto de vista con dos objectivos fundamentales: -exploración de espacio, arquitectura, y envolvencias; -provocar sensaciones, en ese caso “agarradas” a un personaje (o vários) y transmitir esas sensaciones a nosotros, audiencia. Hablo aqui, naturalmente, de “Gangs of New York” y de “The aviator”. El primero fue muy más arrojado en lo que toca a eso, el segundo fue mas pensado, tal vez más refinado y multifacetado (introdució el tema de los colores, la evolución del tiempo y revivió su princípio de condución de cámara centrado en los personajes). Yo valoré mucho eses proyectos porque Scorcese tomó algunos riscos y intentó hacer una evolución como director. No llegó a “tierra firme” o conclusiones seguras. Pero ese es el objectivo de experimentar: intentar soluciones.

Con ese, él olvida algunos de eses experimentos. Eso aparentemente. En esa película, Scorcese vuelve a su exploración de personajes. Todo tiene que ver con los personajes. Las acciones se desarrollan basadas en el estado mental y los miedos de los personajes. Hablo, claro, de Damon y DiCaprio. Nicholson ya no es el provocador de miedo de The shining ni el astuto detective de Chinatown (y sobretodo Two Jakes). El puse aqui algo de sus actuaciones cómicas desarroladas en sus proyectos menores de sus últimos años (esa es una nota paralela). Asi, la superposicione de personajes permite a Scorcese hacer con más complejidad el juego que en Goodfellas y Casino era muy más simples (y muchas veces desinteresante). Es una reinvención de su “fórmula” basada, lo creo, en intentar llevar para su exploración vulgar de personajes algunos de los experimentos de los últimos años. Supongo que ese deberia haber sido un pryecto marginal a sus ultimas tendencias, pero espero que el gran suceso que este tuve no haga Martin desistir de las tentativas que estaba haciendo… Concluindo, hasta ahora, The Departed es en la filmografia de Scorcese el mejor ejemplo del tipo de construción que ese director mejor hace: la que utiliza los personajes como línea de condución de todo que pasa.

Por las cuestiones técnicas, ese es obviamente casi perfecto; y yo quize mirarlo sin mirar a el original que tuve un “remake” aqui. No queria influencias de esa otra pelicula en ese comentário.
Mi puntuación: 4/5, a pesar de todo, espero que Scorcese continue su tendencia de los ultimos 5 años, el puede llegar a algun sítio nuevo, para sus padrones.

Ese comentário en IMDb

Y dios creó a la mujer (1956)

“Et Dieu… créa la femme” (1956)

Director: Roger Vadim

Guionistas: Roger Vadim and Raoul Lévy

Género: Drama

IMDb

auto-biografia cinematográfica

“el problema con el futuro es que siempre aruina el presente”, dice Bardot al inizio. Mi intuición relaciona esta frase con el papel que esa película tendria en el contexto del cine en los años seguintes.

Esa es una película importante de un punto de vista sociológica y cinematográfico pero NO es una buena película. No tiene un enredo fuerte, ni una idea fuerte ni actores fuertes. Pero tiene BB y una revolución que se adivina y que pasaria solo 4 años después y que muestra sus garras aqui.

Fenómeno social

Brigitte Bardot apareció aqui. La primera escena dale un lugar en la imaginación colectica de toda la sociedad ocidental. LA película restante define una nueva personalidad para un sex symbol, que es el que no es tan diferente de la persona normal, solo más bonita. Esta es su película, y ella es la única que a recordar después de mirar a la peli (ella, no su personaje).

Cuestiones cinemáticas

(1) No puedo decir exactamente hasta que punto Vadim estaba consciente de lo que estaba haciendo aqui, o si el adivinaba que estaba, con gran probabilidad, empiezando algo que tendría consequencias en el cine hasta nuestros dias. A pesar de todo, lo que el pretendia contar en esa peli era su própria historia, en la que Bardot era, en ese momento, el personaje principal. Carradine (Jürgens) era, supecho, el próprio Vadim. Bardot es liberal, hace lo que quiere, por inocencia y juventud. Carradine tiene más experiéncia, mira a todo o, al menos, sabe de todo, permite todo, pero siempre controla a la distancia, siempre se preocupa con lo que pasa y siempre hace planos sobre eso.

(2) La composición ya no es antiquada, aunque el enredo y los temas tratados puedan hacer referencia a un tipo de comedia ligera clásica, utilizada con gran frequencia en ese tiempo. Los movimientos de la cámara son ambiciosos, pero inutiles casi siempre. Vadim intenta cambiar algo, pero no era suficientemente competente para hacerlo compensador (ese trabajo iba a ser hecho sobretodo por Godard, y Truffaut). También la forma de desarollar-clímax-conclusión ya no se aplica tan claramente aqui.

Asi, esa película es (1) auto-referencial a su autor y (2) procura una forma personal y inovadora de contar una historia (película sobre cine). Eso la hace, tal vez, la primera película construída de una forma “nouvelle vague”, 3 años antes de “4 cents…” y 4 antes de “a bout de souffle”. Aqui, como con Barbarella, Vadim introduce elementos de inovación, que iban a cambiar la cultura y pensamiento pop, sin producir algo realmente bueno, muchas veces, el opuesto.

Mi puntuación: 3/5 Esa es una película importante perono tan buena para mirar.

Ese comentário en IMDb


Destaques

Una de las películas que mas espero; sobre un libro de Saramago, dirigido por Meirelles, con Julianne Moore. Mira Diário de Blindness, mantenido por Meirelles (en portugués)