Cobra (1986)

«Cobra» (1986)

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dureza aburrida

He consumido una cuantidad razonable de acción ultimamente, porque estoy interesado en seguir las tendencias. Esta línea específica de los años 80, del tipo duro, estuvo muy presente en mi infancia y, para lo bueno y lo malo, forma una buena parte de mis memorias cinematograficas más antiguas. Bueno, tu no eliges lo que te llega cuando eres tan joven.

Dentro de esa tendencia, este Cobra podrá ser uno de los clichés más claros. Eso porque este filme es todo sobre los otros filmes de acción de los años 80 que ponian esos gigantes de acción, como Stallone. Es como si esto hubiera sido escrito por dos tipos que habían justo mirado todos los otros filmes de Sly, más los de Seagal, más los de Chuck Norris… miremos esto como un adolescente: la justicia esta podrida, a no ser que alguién, Cobra, El Hombre, la ponga en sus proprias manos; «this is where justice ends, and i begin…» el tio es implacable, pero moralmente superior, ignora las reglas, pero solo para hacer lo bueno, y proteger los oprimidos. El malo es de lo peor, fisicamente amenazador. Ah, y él tiene un equipo de motoqueros, una especie de versión aguada del Wild One. La pelea final es mano a mano, entre el policia y el malo, una especie de Boss del final de los niveles de un juego de video. El escenario amenazador esta aqui también, lleno de elementos peligrosos, en este caso una fundición de hierro. En un cierto puto, tenemos una fuga paralela, donde el heroe tiene que proteger a una mujer, primero como extraños, pero luego enamorandose, y asi revelando la naturaleza más humana en el heroe duro. La mujer existe como un objecto para ser apreciado por las audiencias masculinas, y también para garantizar que esas mismas audiencias van a mirar el heroe como un sujeto deseable (un ídolo). Bueno, es todo.

Esto es consumible, y eventualmente es lo que pretendia ser, un filme para llenar tiempo. Pero no hay mucho más aqui. A estas alturas ya Stallone estaba aprisionado en su proprio personaje, queriendo salir sin conseguir (como él mismo admitió). Las secuencias de lucha y acción son aburridas hoy, y ya en esos días había cosas mejor hechas.

Hay el interes de mirar como Stallone y la en esos días seductora Brigitte Nielsen actuan juntos. Ellos estaban casados, y supongo que enamorados. Hay una tensión positiva en la forma como se encaran, notable en la escena de la habitación que anticipa la secuencia final.

Mi opinión: 2/5

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Peur sur la ville (1975)

«Peur sur la ville» (1975)

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Popeye va a Paris

Hay una relación muy interesante entre el cine americano y francés de los años 60/70. Todos sabemos que empezó con los tipos de la nouvelle vague, primero como criticos, liderados por el notable Bazin. Ellos fueron formidables en la forma como han elevado maestros no reconocidos, simplesmente considerados gente competente; Hawks, Ray, Hitchcock(!). Luego como directores, y allí las cosas son más calientes. Godard, el más radical, llevó a todos hasta un mundo auto-referenciado de citaciones cinematográficas. Belmondo era el personaje central de esa demonstración sufocante. Curiosamente, al citar a los americanos, los franceses han conduzido las tendencias en los años 60, y obligaron los americanos a seguirlos. Pero me parece que la revolución francesa era más pobre de lo que prometia incialmente (además como muchas revoluciones francesas!), y pasada la excitación de tener filmes orientados explicitamente para ser sobre filmes, el entusiasmo desapareció. Asi, mucho antes del final de los años 60, la nouvelle vague estaba, en su sentido original, muerta. Godard perdido discursando sobre idealismos ingénuos, Truffaut, Resnais, Demy… haciendo sus trabajos personales, en verdad más interesantes (para mi) que su trabajo original, pero totalmente fuera de lo que la nouvelle vague ambicionaba. Fue allí cuando algunos americanos reganaron el liderazgo. Coppola, Scorcese, Lucas, claro. Pero notablemente, tenemos una tendencia de filmes de acción que realmente merecen la pena ser vistos. Siegel, Frankenheimer, y el increible Friedkin. Ellos marcaron la tendencia que tenemos aqui. Por eso, este filme es un producto muy curioso y interesante, nacido de la relación simbiotica entre las tendencias americana y francesa. Belmondo es la herencia de la nouvelle vague original, incluso en su (bizarra) caracterización (el cigarro, la postura de duro), bien como la citación cinematografica explícita; justo al inizio, el trozo Jean Gabin. Por todo esto ya es bueno mirar este filme, si conoces el contexto, si conoces las referencias.

Pero en su esencia, y desde el punto de vista de los inversores, esto es un filmes de acción, que compra las tendencias para la acción en esos dias y, para mi, hace un trabajo muy bueno. Tiene un enredo, descartable excepto por la situación de poner dos policias (bueno-malo) y el ambiente general que todo tiene. Hay un asesino, loco traumado, y un aspecto interesante. La historia anuncia que su propria solución esta en la mirada. Por eso Minos es un tío con un solo ojo, que al final es descubierto cuando Belmondo prueba su conexión al ojo de cristal. La primera vez que vemos el asesino, cerca al inizio, tenemos un ojo en la pantalla, para enseñarnos eso. Asi, la pista es que tendremos algo hecho en el ojo.

Y tenemos eso materializado en secuencias de acción. Aqui hay material impresionante. El truco es extender al maximo posible las secuencias de persecución, cambiando escenarios, cambiando medio de locomoción (a pie en los tejados, coches en la ciudad, metro/tren). Hay una secuencia longa especifica que es notable. Realmente esta bien pensada, bien integrada en la ciudad, con momentos cuidadosamente encuadrados. Es divertido asistir, y hace todo de una forma visual. Normalmente no hago resumenes de los filmes, pero aqui creo que vale la pena una mirada más detallada a la secuencia. *spoilers desde aqui* Tenemos Belmondo, que sorprende a Minos, que acaba de matar a más una mujer. Él lo persigue por los tejados, hay tiros, acrobacias en las cubiertas, y unas miradas rapidas y deliciosas a la ciudad, Paris. Luego tenemos la transición para las galerias Lafayette, a través de un almacen de muñecos de exposición de ropas, que realmente son utilizados en la escena. Tenemos el trozo Lafayette, ahora estamos en el espacio publico. El asesino coge una moto, Belmondo y su parcero empiezan la persecución en coche. Ahora estamos en la ciudad, nivel zero, muchos puntos de contextualización (notablemente la opera de Paris). me gustó como han filmado los tracking shots desde el interior del coche de la policia. En este momento, hay una persecución paralela que toma lugar, de un viejo criminal que Belmondo estaba seguindo. Dos otros policias lo siguen, mientras Belmondo aún persigue al asesino. Lo interesante aqui es que, si conoces a Paris, comprendrás por lo que dicen los personajes, que las persecuciones estan muy cerca. Asi, sabrás porque a dado momento Belmondo desiste del asesino para empezar a seguir su vendetta personal. Eso lo hace. esto permite refrescar la secuencia, que a estas alturas tendrá probablemente ya 10 minutos. Hay un trozo más con coches, que nos conecta para el nuevo sujeto perseguido, y entramos en el metro. Subterraneo y elevado. Belmondo en el tren, túneles, él entra, atira sobre el tipo. Fin de historia. Es complejo, muy bien concebido, con un buen sentido de colocación en la ciudad. Belmondo tiene cualidades físicas, hace su proprio doble. Esta secuencia claramente seguia la similar en French Connection. Esa era más nueva, pero esta es más compleja, es una extrapolación de la original. Vale la pena mirar.

Mi opinión: 3/5

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Guantanamera (1995)

«Guantanamera» (1995)

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la honestidad de una visión

Si te preocupas con la evolución del pensamiento relacionado con la organización social, tendrás necesariamente que pasar por la más grande fractura en el mundo pos-2ªguerra. la cortina de hierro. es contigo hacer tus opiniones con relación a lo que cada lado tenía para oferecer, o con que lados de cada lado concordas. Para ayudarte en esto tienes que confiar en las historias contadas por los que han vivido, en la piel, los problemas y ventajas de esos mundos. Estoy hablando de pensadores serios, o personas con historias honestas para contar. Si aprofundizas la pesquisa del ramo sovietico de la cortina, tendrás necesariamente que enfrentar el caso cubano. Es una historia fascinante. Y dentro de esa historia, hay unos pocos contadores de historias honestos. Korda, y Gutierrez-Alea son los más significativos, trabajan con imagenes. Pero mientras Korda es importante fundamentalmente porque acompaño el proceso, la revolución, Gutierrez es alguién que estuvo en el inizio, y siguió contando su versión honesta de la realidad hasta su muerte. Poco antes de eso, hizo este filme lindo.

Asi, sabremos que en sus filmes miraremos la narrativa de alguién que nunca paró de cuestionarse, y denunciar lo que creía no estar bien, tanto como había denunciado los abusos pre-Castro, y tanto como abrazó genuinamente la revolución. Esta es su visión, en medio de los años 90. Desencantado, cínico, irónico. Pocas veces ha sido la road-trip tan metafórica, tan llena de la noción de viaje, por el tiempo, y no por el espacio físico. También puedes poner el peso simbólico que quieras en el muerto que transportan ellos. Pero lo que a mi me interesa es el talento puro como contador de historias cinematograficos. Mi apuesta es que él empezaba con imagenes, sueltas y desconectadas que él queria pasar. Tal como el plano final en este filme. Luego, él trabaja mucho en la construcción de una estructura narrativa que pudiera competente, coerentemente y, digo yo, poeticamente, integrar todas sus múltiplas visiones. El gracioso de este filme es como la multiplicidad de visiones da la misma mente esta reflejada en las varias líneas dentro da la historia, las historias en la historia, cada una con su proprio tonto, y su modo. Tenemos el culebrón, que rodea la vida graciosa de Mariano, multiplas mujeres que significan basicamente sexo, y un amor platonico, con dificuldad en consumarse. Tenemos la crítica cínica del regimen totalmente invertida en la estupidez del negocio de funerales. Esa cosa de inventar reglas para popar combustible; todo representado por el marido burocrata y frigido, un retrato triste de un sistema ya triste en ese momento. Luego el drama más pesado cayer sobre la más delicada alma de los personajes vivientes, el viejo viudo, marido de una artista fallecida, él que nunca pára de preocuparse con las personas, quizás la única historia de amor en la historia (no se si considero la profesora una mujer enamorada). Alea no se resguarda en el cinismo, asi que el humor negro del cadáver, cerca al final, realmente causa una sensación de desconforto en nosotros. Todas estas líneas están perfectamente integradas por una road trip bien hecha, y una adaptación buena de una canción eterna, que por casualidad es un avatar de la alma cubana.

Esto es como un filme italiano pos-moderno y «dulce», pero mejor, porque tiene más significado.

Mi opinión: 4/5

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The Private Lives of Pippa Lee (2009)

«The Private Lives of Pippa Lee» (2009)

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Temas centrales

Hay cada vez menos personas en las salas de cine hoy en día, y cada vez más filmes salindo cada semana. Mundo raro, este. En el medio de esta locura, hago apuesta en intentar adivinar cuales, entre la avalancha de filmes en catálogo, serán buenos. Algunos son opciones faciles, porque tienen personas que me interesan. Otros son pura suerte (me gusta decir intuición). Este es uno de esos. Si, tiene Robin Wright, que me impresionó en mis revisiones de Breaking and Entering (no tanto la primera vez que la vi, tengo que reescribir ese comentario). Aún asi, este fue un tiro en la oscuridad. Pero por veces el destino y alguna capacidad para predizir una experiencia se juntan. Por eso, pude ver este filme en una sesión golfa, en una sala totalmente vacía. Fue formidable. Y el filme es precisamente sobre rodear varios conceptos de solitud, de vacío espiritual, de objectivos vacíos. Este filme es un regalo precioso. Me fue dado, solo para mi, y me hizo compañia.

Tenemos aqui una vida central, la de una mujer que parece afectar las vidas de todas las personas que la rodean. Sin querer. Ella recibe lo que le pasa, no lo que quiere. Eso es de igual forma su maldición y la luz de su ser. Para representar esta mujer, la directora (también mujer), elegió una mujer joven y interesante, Lively, espejada en una persona muy interesante, Wright Penn, cuya más grande cualidad como intérprete esta en el como utiliza a su face. Por eso empezamos la película en su face, en gran plano extremo. Sus expresiones dicen todo que queremos saber sobre lo que su personaje esta sentindo en cada momento. Dos tipos de actuación, una externa, por Lively, otra interna y concentrada, la de Wright. Asi que eso esta en coerencia perfecta con la idea de una mujer que aparentemente se apagó de una verdadera existencia, verdadera vida, para tornarse la sombra de alguién que en un momento trágico tuvo su vida conectada a ella. Opciones sensibles.

La grande cuestión aqui podrá tener una naturaleza auto referencial. Vidas vacías implican que no se crea nada? Al final, Pippa siente el mismo tipo de frustración que su marido sentió cuando comprendió que no sería nunca un escritor. La cuestión surge por diversas veces, notablemente cuando Sam pregunta a Pippa cual es su actividad creativa, al que ella le contesta que trabaja en una tienda de ropa. En ultima análisis, la luz creativa que rodea a Pippa es ella misma, como tema, y como dínamo de las vidas que la rodean, alguién que agita y perturba. Por eso tenemos el personaje de Julianne Moore, para realzar Pippa como tema, no creadora. Por casualidad, Moore es perfecta porque ella es dificilmente una marioneta en medio de la arte en que participa. Ella siempre tiene un papel importante como creadora. Auto referencia, otra vez.

Hay la madre, enferma, viciada, y obsessionada con su hija, hay Sam, siempre enamorado, hay el personaje de Arkin, que materializa en Pippa la frustración de una existencia sin creatividad. Hay el personaje de Bellucci, ella misma una competidora por el papel central, que no resiste a ser sustituida.

Todo esto es Rebecca Miller, que escribe un libro, eventualmente como una proyección de ella misma, y extende la noción hacía un filme, personal, intuitivo. Una buena experiencia.

Mi opinión: 4/5

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Sherlock Holmes (2009)

«Sherlock Holmes» (2009)

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Actor, y sentido de Lugar

De cierta forma, siempre he evitado las representaciones en cine o tele de Sherlock Holmes. Los personajes me parecen fascinantes, pero siempre me ha parecido más invertido en la literatura, no en cine. Sus deducciones, la forma como rodea los mundos que investiga, son un festim para mentes que pensan. Incluso cuando sus deducciones son exageradas (y eso pasa bastante!) uno no puede dejar de sonreir con su inteligencia. Más que eso, el personaje es una pieza perfecta invertida en un mundo inteligente, irresistible y fascinante. Londres. Esa cuestión es visual, y un buen terreno para invertir un mundo cinematografico. Pero, al contrario por ejemplo de lo que pasa con casi todo de Agatha Christie, la inteligencia de Doyle esta basada en una lógica deductiva pura, no en la mecanica del mundo. Mira como los crimenes de Agatha Christie son muchas veces una cuestión de comprender como las cosas pasaron, espacialmente (murder on the oriente express es el zenite de esto). Supongo que Doyle formó su mente antes que el cine tuviera algun impacto significativo en la forma como nuestras mentes funcionan.

Asi, el desafio para cualquier director y actor modernos que quieran actualizar a Holmes, es hacer el personaje más cinematografico, más apelativo. Varios trucos son utilizados aqui, muchos con sucesso, aún que directos. Uno es el más óbvio, hacer Holmes un personaje de acción (hecho que en verdad esta en su dna original, aunque las producciones de tv lo ignoren normalmente). Esto podría ser un fallo, y hacer esta versión ridícula, pero por ahora hay ya un sentido de ironia y lucidez en los filmes de Ritchie (desde Lock Stock) que le permite sustentar un personaje de acción del siglo xxi con las ropas de Holmes, y que sea soportable. Un truco menor aqui es la asociación de la deducción con el proprio proceso de lucha física, que crea algunos momentos Matrix. Bueno, son soportables, aunque no sean particularmente interesantes. En el grande arco, hay buenas secuencias de acción, porque como con cualquier acción competente hoy en dia, considera los elementos que rodean el espacio, y los utiliza.

Pero hay dos cosas impresionantes en este filme, que lo ponen en un nivel diferente de interes.

Una son las actuaciones. Jude Law es un tipo inteligente, un actor interesante cuya más grande cualidad es la forma como se mezcla de forma anonima con el contexto que deberá integrar. Él es deliberadamente una pieza de una tapeçaria más ancha, y eso es realmente admirable. No hay muchos actores que puedan decir que lo hacen de forma competente. Pero el re del juego es Downey Jr. Él es la pieza dorada en el puzzle de la actualización de Holmes. Seguramente habrá un antes y un despues en el personaje Holmes, con este filme. El tio es capaz de trabajar sus actuaciones en varias direcciones, y cada una tiene una conexión perfecta a lo que la rodea. Asi, él cede a las necesidades de Ritchie, y introduz humor, ironia, y auto consciencia al personaje, para hacerlo utilizable para los guiños de ojo del director hacía la acción. Él invierte totalmente en la creación de un personaje que se mezcla con la textura del contexto, aunque sea distincto de ella. Y mientras lo hace, él pone la audiencia en el juego, asi que hacemos todo con ele, lado a lado. Deduzimos, sonreímos, corremos, todo con él. Asi, si la película no tuviera otras cualidades, Downey Jr lo haria interesante porque él, solo, soluciona uno de los problemas más basicos de todos los filmes: encontrar un canal que las audiencias puedan cruzar con seguridad hacía el juego que alguién (el director) propone. Él es uno de los mejores de siempre.

Pero hay otra cosa impresionante aqui, que supongo tiene mucho que ver con los varios tipos envolvidos en el proceso de producción del filme. El resultado es un sentido de lugar increíble. Londres, siglo XIX. Todas esas calles sucías y com lama, toda la porqueria. El fascínio de los locales interiores, como el laboratorio del enano. La forma como esos escenarios son usados en las escenas de acción. Todo eso es competente, más que competente. Está perfectamente renderizado, cuidadosamente fotografiado, suena un poco artificial, pero supongo que eso es una cuestión de gusto. Pero lo que es realmente distinctio es el uso del puente de Londres. Mira como eso es anunciado, temprano en el filme, con una perspectiva similar a la que tendremos al final. Luego, una secuencia formidable, cuando Irene Adler atravesa los subterraneos, sube, y terminamos con un plano aproximado de ella, en un local no identificado. El ángulo abre, y estamos en el local de la escena final, que es interesante solo por estar allí. Asi, esto fue una forma única de utilizar un local, al invés de simplesmente enseñarlo. Lo que quiero decir es, cuantos filmes has visto que enseñan la torre Eiffel? inúmeros. Cuantos la utilizan realmente? no tantos. Esta es una de las mejores ciudades de Londres que hemos visto nunca.

Mi opinión: 4/5

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Body Double (1984)

«Body Double» (1984)

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ojo ciego

Hay solo unos pocos temas que son más adecuados al cine que a cualquier otro médio, o forma de arte. De esos temas, el voyeurismo es seguramente uno de los más explorados, y por eso tiene más soluciones y experiencias. Eso probablemente pasa porque el voyeurismo es seductor, y permite diferentes abordajes (al contrario, por ejemplo, de la exploración espacial). De igual modo, el voyeurismo es rentable y puede ser adaptado a diferentes géneros. Y es increiblemente eficiente en la forma como pone la audiencia en la pantalla porque independentemente de quien, o lo que sea el voyeur en el filme, nosotros como espectadores somos también espectadores. Por eso supongo que el hecho de que el voyeurismo encaja en el cine mejor que en cualquier otra forma de arte es una cuestión puramente tecnica, relacionada con las proximas caracteristicas del medio; pero el hecho de que nos guste tanto el voyeurismo es porque nosotros somos naturalmente seres voyeures.

Por todo esto, hacer algo sobre ser voyeur que sea al mismo tiempo interesante y original puede ser algo bastante dificil. Pero de Palma intenta. Intenta mucho, es suficientemente inteligente para aprender con cada experiencia anterior, y tiene suficiente valor para intentar cosas nuevas, una vez atingidos los objectivos que pretendia. Injustamente, para mi, él tiene la fama de copiar a los maestros, buscar lo que hacían ellos y repetirlo haciendo algo parecido. No me parece que él haga eso, o que lo haya hecho ya. Él coge los conceptos que otros (normalmente muy buenos directores) han utilizado, y vuelve a presentar esos conceptos con una visión renovada (y nueva!), muchas veces literalmente con un ojo nuevo. Por veces él ultrapasa los originales. Esta estratégia produció uno de los mejores filmes de siempre sobre construcción de historias y el ojo: Blow out, una transformación de Antonioni. Porque ese filme fue tan bien sucedido en la forma como llegó a lo que se pretendia, él empezó a hacer otras cosas.

Aqui él intenta hacer Hitchcock. No el tipo de Rear Window, sino el de Vertigo. Hay un mundo, desconocido para nosotros, desconocido para nuestro representante en el filme, el espectador. Él construye una historia, comprende el mundo solo por mirarlo. Su envolvimiento en el desarollo de ese mundo llega tarde en el juego, y no es asi tan importante. Él tiene el ojo del detective. Aqui invadimos el territorio noir, la colocación de elementos del mundo de tal forma que nosotros/él tenemos necesariamente que encontrarlo. Aqui el gatillo del interes del personaje es sexo, como lo es tantas veces en historias voyeuristicas.

Asi, de Palma sabe donde va, experimenta con basis solidas. Pero no logra atingir lo que quiere aqui. Para allá de la estructura basica de lo que él pretende hacer, casi todo el resto juega contra la idea. Su cámara no es fluida, sensíble, en plan serpiente, como en Blow out y como sería en los años 90. Hay algunos planos y secuencias inteligentes y bien imaginados, pero solo valen por si mismas, sin integración en una estructura más ancha. Melanie Griffith no vale para mi. Prefiero mucho más Karen Allen, especialmente cuando Brian estaba enamorado de ella, eso pasaba para el filme. Griffith es fragil y insegura. Es una adolescente, no con el fascínio de una Lolita, sino simplesmente ingénua, y eso la pone fuera de la historia. La banda sonora es terrible, una de las peores que he escuchado nunca, peor que en muchos de los filmes serie b que están estilisticamente cerca de este.

Mi opinión: 2/5 si conoces a de Palma suficientemente bien, apreciarás el concepto general aqui. Pero hay mejores sítios que visitar para ver sus ideas florir.

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