Chaplin (1992)

«Chaplin» (1992)

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Más cine, menos informaciones…

Las curiosidades de IMDb relativas a Attenborough dicen con relación a su pensamiento cinematográfico: «Sus filosofias incluen creer en contenido por oposición a el estilo y sinceridad por oposición a la inteligencia».

Por veces estas cosas van bien en sus películas pero el facto es que en arte, la sinceridad casi siempre se obtiene a través de la inteligencia, y la honestidad tiene poco que ver con la verdad. Chaplin lo sabia, asi ninguna de sus pelis es «verdadera» en el sentido estricto de la palabra pero todos son encima de todo honestos. Por eso no me gustó esa película: porque no conseguió alcanzar el «contenido» del trabajo de Chaplin. Attenborough es, a pesar de eso, muy competente, asi como su trabajo de cámara, muchas veces interesante (a pesar de, en lo que toca a eso, ser mejor mirar a su A bridge too far) y ese aspecto hace esta peli en parte merecedora del tiempo.

«-que hacemos? -sonrisas»

Para mi, Chaplin es uno de los sinónimos para emoción en cinema. Películas hacen parte de la vida de las personas. Muchas llegan a esas vidas condicionadas por el contexto, es como decir, son las que las personas tuvieran la oportunidad (buena o mala suerte) de mirar. Chaplin entró en mi vida muy cedo y, por mucho tiempo, nunca entendi exactamente lo que el hacia, no me recuerdo mirar una película suya completa en mi infancia, pero muchos pedazos son parte de mis memórias visuales (Chaplin para niños). Crecer y comprender como todo el drama, toda la emoción (para allá del «gracioso») existe en el cine fue una verdadera revelación para mi y un pasaje para el cine como arte. El efecto «payaso», el charlot siempre sonriendo siempre es capable de provocar el bello y el horible, el oscuro y el brillante, oscuro en lo que muestra, brillante en lo que provoca. Esto es humanismo en cine, en mi visión personal. Por lo que se, Chaplin está en el topo de aquelles que intentaran dominar esto.

En esa peli particular, la emoción se deja para el final; que está completamente hecho siguiendo Cinema Paradiso. Pero su fuerza existe porque simplemente muestra las películas de Chaplin. La opción mejor aqui habria sido, en mi punto de vista, realzar el «contenido» al invés de los «factos». Asi, vuelvo a la citación en IMDb, lo que creo que tenemos aqui es una noción diferente de «contenido» (diferente de mi concepción) que, para Attenborough, terminó como una colección (para mi un poco aburrida) de factos, haciendo secundário el cine. En esa peli, Chaplin dice «si me quieres conocer, mira a mis películas». Eso seria la llave.

A pesar de todo, Downey Jr está muy muy bien aqui y su actuación física és notable.

Mientras, mi película biográfica favorita sigue siendo «Life and death of Peter Sellers», ya que llega muy mas cerca a la alma del artista.

Mi puntuación: 2/5 en general un fallo, pero no es muy malo para mirar (debido a la actuación de Downey Jr y alguno trabajo de cámara).

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Mary Reilly (1996)

«Mary Reilly» (1996)

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Malkovich, Jekyll y Hyde

Esa película me deja inquieto. Supongo que ese seria su objectivo. Pero lo que pasa es: la distáncia del tiempo me deja buenas sensaciones, y mi memoria guarda buena opinión de el. Pero mientras lo miro, y ya lo hice algunas veces, no encuentro motivos para corresponder a mis recuerdos de miradas anteriores. Yo he pensado sobre eso y creo que tudo se resume a un elemento, que es Malkovich. Julia Roberts es inutil, ella es un ornamento, la chica que esta alli para se asustar y representar el «caminando en la oscuridad enfrentando sus miedos y ganando». Todo bien. No tan bien cuando ella deberia dar a nuestro Hyde el suporte y emprestarle sus miedos y malas memórias, ella no lo hace por completo, y eso es un punto malo. La dirección de Frears es correcta, el comprende ritmo y como construir una pelicula llevando en cuenta el enredo. Todo bien.

Para allá de todo, tenemos Malkovich. El tiene una forma de representar que muchas veces da la sensación que no está representando nada. Esa es una sensación falsa y, en muchos casos, creo que resulta positivo en sus actuaciones. De algun modo dale una sensación de várias camadas, la del personaje que representa, el próprio, y la forma como interpreta su personaje, casi como si siempre estuviera haciendo anotaciones personales sobre lo que piensa de sus personajes (curiosamente eso desaparece en sus actuaciones en las peliculas de Oliveira, pero eso es otro tema). Aqui en esta película esto resulta de una forma diferente. Por un lado el no hace la oposición tan radical entre Jekyll y Hyde que a uno le gustaria mirar. Por otro lado esto realza la conección interior entre los dos, y la anotación que todos contemnemos Jekyll y Hyde, y que la definición de la personalidad de uno viene de la resolución de ese conflicto interior. Este conflicto es lo que Malkovich lleva para su actuación (actor vs personaje comparable a Jekyll vs Hyde). Esto fue con probabilidad lo que me confundió y al mismo tiempo el elemento más interesante en esta película.

Mi puntuación: 3/5, trabajo sólido, puntos malos pero elementos interesantes, como referido.

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Girl with a Pearl earring (2003)

«Girl with a pearl earring» (2003)

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Hiper-realismo y luz

Luz como un manto: la ventana fue abierta y la luz entró. Cubrió superfícies, cubrió alguién. Con Vermeer, todo es sobre realzar personalidades a través da sombras y superfícies que definen personajes. El siglo XVII holandés produció Vermeer y Rembrandt. Ambos cambiaran el sentido de la luz en composición y contenido y escribieron un capítulo fundamental en la construcción visual (composición). Pero mientras con Rembrandt tenemos la luz como un foco, que domina y conduce los otros elementos, cuya personalidad y sentido son moldados y submetidos a esa luz escojida por el pintor, con Vermeer tenemos una otra situación: luz como un manto, tranquila, pacífica luz, aquella que vien a través de un vaso en una mañana nublada de sol. En general el siempre utiliza la misma luz, y permite que ella descubra lo que hay para descubrir en el modelo («you looked into my soul»). El resultado final es como una fotografia del personaje, abajo de la superfície (como la cámara oscura que «muestra» la pintura). Este es un tema muy fascinante y, en lo que dice respecto al cine, es al mismo tiempo muy dificil y muy fascinante de trabajar. Esto pasa porque el cine es, antes de más, hasta este punto, sobre imagen, y este tema es imagen, y eso lo hace muy cinemático. Asi olvida la história, olvida la narrativa convencional, para hacer esto, uno necesita hacerlo visualmente. Y pedir ayuda a la luz. Aqui es donde Eduardo Serra entra. No es común para mi concordar con la mayoria de las opiniones sobre quales fueran los puntos más altos en la vida de las personas, pero aqui creo que esta película tenia las medidas perfectas para Serra trabajar. Y el cumple. Todo el equipo y actores (claro que estoy exagerando) están aqui para dar a Serra material para fotografar. Y el hace Vermeer tan bien… La fotografia es la presencia más fuerte de Vermeer en esta película, su luz es un personaje. No «existe» de verdad, pero es tan físico. Asi, tenemos aqui hiper-realismo en cine; más verdadero que la verdad. Firth podria ser una mala elección, pero hace bien aqui, y Johanson es toda sobre cara, lábios, cabello y mirada. Es asi que ella se queda bien.

Mi puntuación: 4/5 Una película muy buena sobre pintura que de verdad es coherente con la arte que representa.

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Nick of time (1995)

«Nick of Time» (1995)

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espacio y tiempo

Me gusta este proyecto en particular, me gusta Badham en general. El es normalmente capaz de construir el mundo de sus películas al redor de ambientes muy contenidos, espacial y temporalmente. Mismo en Saturday night fever esta característica era visible, de una forma sutil: ahí teniamos una película que era sobre una época, una cierta juventud, en una cierta porción del mundo; se puede hablar de contención espacio-temporal en un sentido de cultura pop. WarGames era también sobre eso, perseguir el tiempo era la escusa para aumentar la tensión, y construir el suspense de una forma cinemática. Aqui tenemos el punto de partida de WarGames, un tipo tiene que hacer algo en una pequeña porción de tiempo, o algo terrible pasará. La cosa terrible y la acción que el deberá cumprir están localizadas en la misma manzana de la ciudad, asi que todo se desarrollará al redor de eso.

Aqui Badham tiene un elemento más fuerte, comparando con WarGames: el tiene Depp. Estamos mirando uno de los mejores actores de la actualidad, aqui en un tiempo en que el arriesgaba (aún) más. El intentó muchas cosas, esa es una más. El es uno de los pocos actores que pueden solos, transportar toda una audiencia y tornar credible lo que podria ser cuestionable, y aprofundar su performance con la superposición de cuestiones interiores, aqui sobretodo relacionadas con la lucha Cumprir la «misión» o intentar abortarla: su hija vs «la cosa cierta». Es material bastante repetitivo, pero la cuestión con los grandes actores siempre esta en «Como» al invés de «Que».

No pude quitar de pensar lo que De Palma podria haber hecho con ese. 3 años despues, el dirigia su muy personal Snake Eyes, uno de sus ensayos sobre el comportamiento/movimiento del ojo cinematográfico. Ahí, la sensibilidade cinemática de De Palma estaba recogendo los frutos de los experimentos de su vida sobre movimiento de cámara y trabajo visual, pero todo el resto era tan amador, actuaciones, mismo alguna escrita (toda la que no interesaba a De Palma) que la experiencia perdió algo. Ese mismo guión con Depp, podria ter llevado la experiencia hasta otro nivele. Pena. De cualquier forma, John Badham es competente suficiente para hacer esto merecedor, y el sabe como se mover. Walken es (como habitual) exagerado, el es el tío «esperto con las palabras»; en general es reconocido por la audiencia, pero no es lo que me gusta. A pesar de todo, esta fue una buena experiencia. Intenta si no lo has hecho.

Mi puntuación: 4/5
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North by Northwest (1959)

«North by Northwest» (1959)

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James «Hitch/Grant» Bond

Creo que es fantástica la actitud que algunos artistas tienen con relación a su actividad. Hablo de aquelles que, en una vida de creación persiguen vários objectivos, várias idas diferentes, muchas veces indefinidas en el inizio y, una vez definidas con precisión y creado algo importante con eso, parten para otras nuevas exploraciones, dejando muchos otros artistas quitando sus conclusiones sobre lo que pasó. Hitchcock sufrió influencias, claro, pero lo que el permitió que aconteciera después de si lo pone entre los más memorables inventores en la historia del cine. Asi, Hitchcock fue influente con vários de sus trabajos:

Rope (La soga) – y como consecuencia el muy notable «Dial M for Murder» y la obra maestra absoluta que es «Rear Window»; esto fue donde el exploró al máximo el potencial de su ojo de la cámara, tan influente en los años seguintes, de verdad me gusta mucho esa fase;
. Vertigo – el trabajo donde Hitch reflexiona sobre el papel que el actor puede tener y la superposición de papeles (papel dientro de papel, actor dientro de actor, y la forma como el observador lleva eso) asi como la forma como um escenario puede influenciar una acción o modo solo por existir;

. North by Northwest – la primera película de James Bond, Hitch and Grant son los padres del personaje en cine, es interesante como, años más tarde, Hitch utilizaria Connery, el primero Bond oficial, en su tardio «Marnie»

Soy un fan de James Bond, el hice parte de mi infáncia, y adolescencia, y tiene aún un lugar en mi imaginación pero, de un punto de vista cinematográfico, esta su última «revolución» es, para mi, la menos interesante. A pesar de eso, que gran película esa es. Hitchcock introdució con una cualidad cinemática sin precedente el tema de la película de persecución, donde cada dia seguinte está incierto en lo que toca a localización y acciones, donde los temas sexuales siempre están contidos en una mujer bonita con objectivos inciertos (la rubia de Hitch!). Cary Grant era ya el primero Bond antes de Fleming crear el personaje asi, de un punto de vista, esta película es la primera hecha por Hitch en que lo que de verdad vale es el estilo. La historia está llena de problemas y incoherencias pero eso pasa con 90% de las pelis (sobretodo de acción). Herrmann hace aqui una de sus bandas sonoras más sutiles y buenas en películas de Hitchcock, y todo tiene un bueno gusto irresistible, mismo si lleno de clichés «hitchcockianos» (el sítio icónico para el momento importante de la acción, en este caso Rushmore, Hitch apareciendo justo en el inizio, la rubia…)

Muchas veces, apreciar el trabajo de un director tiene que ver con cuestiones personales, en ese sentido, me gusta muchissimo el trabajo de Hitchcock, pero quitando eso, todo el mérito que el tuve debe ser reconocido y, en mi punto de vista, este es un de sus (en este caso no tan brillantes) hechos.

Mi puntuación: 4/5 esto resulta, creo, por su energia y ritmo.

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Le Mari de la coiffeuse (1990)

«Le Mari de la coiffeuse» (el marido de la peluquera, traducción libre)

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Intimidad y una escena de amor

Esto tiene todo que ver con intimidad. La escena de amor no tiene nada que ver con sexo, aunque el sexo haga parte de ella. El momento en que Mathilde se tira por la puente, toda la secuencia, desde el acto sexual en una cadera hasta su súbita escapada en el medio de la tempestad es aparentemente tan casual que se queda arrasador de una forma increíble. Esta tiene un lugar en mis memórias como una de las mas fuertes escenas que ya he visto.

Esta película retrata espontaneidad, a pesar de utilizar enredos completamente irreales,  escenas, diálogos, situaciones, etc. Como está hecho eso? A través de la mente. Lo que pasa es espontáneo no en la vida real, pero en nuestra imaginación. Pedir la mano a una mujer, hacer amor con ella mientras ella lava el pelo a alguién; esas son fantasias, enfatizadas por las danzas espontáneas indianas, y la completa oscuridad con relación a el pasado de nuestro personaje.

Los franceses son buenos haciendo este tipo de drama/comédia del día a día, que aparentemente son naturalistas pero en verdad son muy irreales (este tipo de película está en la origen del fenómeno Amélie Poulain). Supongo que estas películas valen basadas en 3 elementos fundamentales:

. personajes femininos seductores (Audrey Tatou era seductora por el lado inocente, Anna Galiena por el lado misterioso, en mi caso prefiro Galiena)

. capacidad cinemática para llevar bien la abstracción en los elementos del enredo, abstracción de las definiciones de los personajes y elementos aparentemente absurdos (eso motiva una abordagen imaginativa para filmar escenas de nuevas formas, la nueva vaga francesa era buena en esto, estes directores posteriores como Leconte aprenderan la lección, creo)

. una image que atribua una unidad recordable despues del visionamento (aqui tiene que ver con luz, el escensario interior y cabello, que unen todas las escenas). La luz es, una vez más, resultado del magnífico trabajo de Serra. Su abordaje tiene todo que ver con el modo cinemático; yo ya habia elogiado su trabajo en Blood Diamond, aqui reafirmo mi admiración; el de verdad consigue adaptarse a las circunstáncias, ser ello mismo y resolver los problemas sin se hacer notar en demasia.

Mi puntuación: 4/5 Este es el equivalente francés a «la teta i la lluna» (que pasó 4 años después) y yo recomendo su visionamento.

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The Fountainhead (1949)

«The fountainhead» (1949)

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Arquitectura (y Cine) a la superficie

Ese fue una terrible desilusión, no una buena experiéncia, muy al contrário. Ya que soy un estudiante de arquitectura, casi completando la formación, me relacioné con el tema de una forma más próxima que el espectador habitual.

Aparentemente, este Howard Roark fue vagamente inspirado en el maestro americano Frank Lloyd Wright. En primero lugar, Wright no fue tan radical con relación a la arquitectura de su tiempo como fuiran los europeos de eses dias (como Le Corbusier, Van der Rohe, Loos o mismo Taut). El fue un génio en su próprio derecho, pero su trabajo, a pesar de fantástico, está hoy datado y mismo en su momento más ligado a la tradición que lo de los nombres de que hablé, y sus edifícios más arrojados (formalmente, quiero decir) solo surgiran en la segunda mitad de su vida profesional, ya en un contexto cultural diferente. Asi, el retrato de el personaje de Cooper podrá ser más un reflejo de el (super) ego americano, consequencia de su reciente «vitória» en la segunda gran guerra (esta arrogancia tendria su mayor momento en el inizio de los años 90, pero esto es una observación paralela.

Cine y Arquitectura:

De cualquier forma, lo que de verdad me enfadó aqui fue que esa película tiene en si exactamente los mismos defectos apuntados a los detractores de Roark. Yo no he leido el libro, al que parece tuve mucho impacto en la juventud americana de ese tiempo, y tenia que ver con individualidad y espírito de creación. Tampoco puedo hablar sobre lo que su autora comprende con que la arquitectura tiene que ver (no solo la de los últimos 100 años) . Pero puedo justificar que las personas envolvidas en esa pelí no saben nada de el tema: lo que los arqutiectos modernos hiciran fue separar la arquitectura de las nociones decorativas y de escultura en que los creadores románticos estaban envolvidos. Eses arquitectos comprenderan que arquitectura es primero que todo sobre espacio, sobre movimiento, sobre la quarta dimensión, y rechazaran la idea de someter sus edificios exclusivamente al interes escultural. La primera escena donde Roark presenta su rasca-cielos y lo mira quedarse «destruído» por los elementos neoclásicos junto con una otra escena en que Roark dibuja una fachada neoclásica para provocar a Wynand son las pruebas que el modernismo en arquitectura no fue minimamente comprendido por quien concebió este proyecto, y que lo miraban solamente como un «estilo» para ser utilizado en el mismo plan de «neogótico», «neoclásico», «neo cualquier cosa»… Esto es concebir arquitectura por superfícies, eventualmente volumenes, no espacio, no como se vive ese espacio. Líneas «rectas» y volumenes puros no son nada si no estan suportados por nociones más profundas. Y es imperdonable que esto no haya sido considerado, especialmetne 9 años después de Welles dirigir Citizen Kane y introduzir (algunas) nociones de como comprender un espacio con una cámara. Welles debería haber hecho este. El podria hacer un tema con arquitectura (Hitchcock hice su brillante exploración espacial «Rope» (La soga) solo un año antes de este).

Lloyd Wright comprendia plenamente lo que era espacio, no estes, no Roark. El es un heroe romático, lleno de sentimientos melodramáticos, esperando su amor perdido, su mujer desaparecida, el tiene precisamente la personalidad de los que, en el siglo XIX escojeran vivier de nuevo el pasado y estilos contra los quales Roark esta, por supuesto, luchando.

También la idea de «génio», de creador es, yo diria, perigosa aqui. La arquitectura se separa de las otras artes precisamente en el punto que tiene una responsabilidad social, impacto social y asi, el mayor drama y la mayor glória de un arquitecto son, al mismo tiempo, la capacidad de hacer coexistir sus convicciones personales y las necesidades de una audiéncia (cliente) y asi crear verdadera arte (arquitectónica, no escultura, no decoración) que con suceso jutne concepciones individuales con necesidades colectivas.

Mi puntuación: 1/5, uno de mis mayores desilusiones ultimamente, yo de verdade queria asistir a esta… a no ser que uno tenga un especial interes en arquitectura (y asi podrá obtener algun interes histórico sobre donde surgiran algunas expresiones llave de la arqutiectura moderna) se deberia mantener lejos de ese. Se puede quedar danificado si no se sabe tanto del asunto.

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Adeus Pai (1996)

«Adeus pai» (Adiós padre, traducción libre)

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Soñar con una cámara

*** Este comentário puede contener spoilers ***

Esta película, por todo que muestra, solo podria haber sido filmada en Azores. Archipiélago en el medio del Atlántico, el presente dice que es território portugués, con gente portuguesa, el mito dice que podrá haber sido el topo de las montañas de Atlántida; país de los sueños de toda la civilización occidental, viviendo hoy (y hace 11 años, el año de la película) en la iminencia de la auto-destrucción, por alimentar la evolución del «material» en detrimento del «espiritual», cada dia más perdido, cada dia más necesário. Azores, islas de sueños; esta película es un sueño y su tema es precisamente lo que estamos perdiendo. Elegir Azores es procurar la origen, es procurar pureza.

História

Un mecanismo simples – narración en voz off, esto es asumido desde el início, nosotros no sabemos hasta muy cerca del final que es el chico, la voz off, quien crea todo el enredo con el desarrollar de la película. La segunda parte es la revelación de todo. Se revelan las fuentes de la inspiración, en la más inocente y abierta de todas las mentes, la de los niños.

«era una vez un hijo que queria tener un padre que quisiera tener un hijo». Eso ace el resumen… esto es narrativa por capas de grán calidad.

Trabajo de la cámara

Este es un de los más inteligentes y sutis trabajos de cámara que he observado ultimamente. Se puede considerar que la cámara es aqui un complemento del diálogo, las descriciones que no obtenemos con el diálogo o la narración off; la cámara es la imaginación del niño. Sutileza es su marca caraterística. Trabajo sublime, siempre adecuado en cada momento, en cada intención.

Fotografia

Muy buena, impresionante. Es muy difícil encontrar ese tipo de precisión de contrastes y ese entendimiento/interpretación de la luz de un escenario (a pesar de ser grabada en localización real, fue temporariamente un escenario), mismo con producciones con mucho dinero. Este es el trabajo de un pintor, los pintores barrocos, en especial Rembrandt, trabajaran la luz con el mismo entendimiento. Una vez más, me quedé impresionado.

Música

En un momento en que Delfins eran una banda cuyo trabajo tenia un buen nivel, a pesar de desconocidos fuera de Portugal (los extranjeros pierden), la banda sonora está hecha por un tema agradable, cautivador, y un número necesário de temas instrumentales simples, casi de pop/rock minimalista. Trabajo sólido, tal vez no atingindo la calidad de la fotografia y cámara en termos de adecuación a los momentos, pero mismo asi bueno.

La película es una fábula de mala comunicación y relaciones vacias, redimidas por el sueño de el que no está aún corrompido. Es una história de quebra emocional, sentimientos no desarrollados. Por fin, el cáncer occidental contemporánio que es la desproporción entre los valores de la vida cotidiana y el dinero. Para mi, más importante que comprender los mecanismos mentales por detrás de la narrativa, trabajo de cámara, etc. es la capacidade de uno se sentir invadido y de se identificar (más o menos) con todo eso. Eso puede decir algo sobre usted.

Mi puntuación: 4/5 (casi llegando a 5)

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School of Rock (2003)

«School of Rock» (2003)

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«B(l)ack to the past»

Tengo que mirar a el reciente film de Jack Black sobre Tenacious D para escojer en que pelicula relacionada con música me gusta más ver Black: las dos opciones para mi son «tenacious d, the pick of destiny» o «High Fidelity». Este «school of rock» no concurre. Por cierto no.

Yo doy un gran crédito a Black, por sus dotes de comédia muy completos, el junta con éxito la comédia física, verbal y gestual. Tan importante como escucharlo es mirarlo. En «Alta fidelidad» el estaba completamente adaptado y integrado en un bueno equipo (actores, productores, directores) y contribuia para una construcción muy inteligente, y un muy bueno guión. Aqui el es primma donna. Y cumple su parte. Si hay un buen motivo para mirar a este es por la actuación de Black. Y eso es todo. Todo el resto es simplesmente descuidado

La mayor desilusión es, sin duda, Linklater. Al que parece, con este, el baja un escalón en dirección a la inutilidad por la «blockbusterización» de su, en tiempos, inteligente y personal estilo de cine. Eso ya pasó antes, me recuerdo Frankenheimer. En su juventud (no que seya viejo ahora) Linklater hice trabajo sério, por alguién con talento y pertinente. Después el tuve «before sunrise» donde se reveló nuevo y fresco, con todas las qualidades y la espontaneidad de las películas de bajo custo. «Before sunset» no tenía ya nada de eso, pero era aún competente y tenia algunos buenos elementos. Este es una desgracia. Tengo que mirar a «Fast food nation» para comprender si esta película esta para Linklater como vários otros films (Jack, The rainmaker, etc.) están para Coppola (basicamente creadores de dinero) o si el en definitivo desistió de intentar hacer algo que en tiempos hice bien.

Mi puntuación: 1/5 No es necesário mirar a esa, excepto por Black.

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Nadie conoce a nadie (1999)

«Nadie conoce a nadie» (1999)

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Sevilla necesita más

Tuve una desilusión con esta. No porque es en verdad una película mala, pero porque algo tan mejor podria haber sido hecho aqui.

Llegué a esta porque he estado interesado en el cine español, y ese podría ser un film interesante sin ser lo mejor que España tiene para ofrecer.

Sigue en la línea de Amenábar. Thrillers de alguna forma cerrados, apelando a una procura interior, solucionando conflictos en abstracto, viviendo mundos paralelos, paralelos a la realidad que es tan «normal» cuanto posible. Eso resultó con «Abre los ojos» a causa de el mundo de sueño vs infierno. Aqui la mezcla esta entre vários mundos «extraños» o «no normales»:

– el siempre fascinante periodo de las ceremonias religiosas en la Andalucía española;

– el mundo del «juego», inventado por el personaje de Mollà, con el que Simón (Noriega) llegará a su conflicto interior;

– Noriega, una vez más representando su personaje de «abre los ojos», escoja segura de la producción, sin riesgos;

Este falló debido a vários aspectos: uno relacionado con la dirección, que tiene que ver con no ser capaz de «segurar» interés hasta el final, la película muere luego que el casco histórico de Sevilla es cambiado por el sitio de la Expo92. Eso me lleva al segundo aspecto, escojer Sevilla en su momento más visceral, más mediterránico del año, y sobre eso construir una história Amenábar de completa abstracción interior es un fallo por princípio. Ninguna historia puede aguantar delante de esas fuertes tradiciones. O se hace una película «sobre» Sevilla, sobre religión, y alli si introduce conteúdo en esa base (estaba seguindo eso hasta la mitad) o se separa toda la história de cualquier contexto identificable (ejemplo una vez más: Abre los ojos) y sobre ese espacio abstracto/normal/universal/etc se construe lo que seya que se pretende. En esta segunda situación, es necesário mantener interés con pensamiento fuerte y construcción inteligente. La primera situación es más documental en cierta medida, la segunda puede (o no) resultar más inteligente.

Al final, intentar mezclar ambas fue el fallo aqui. Ok, la banda sonora de Amenábar, seguindo Herrmann es buena, trabaja bien el ambiente, hay buenos planos de Sevilla, que exploran algunos espacios urbanos, y el nivel general de la producción es muy bueno (los españoles están ahora y estaban ya aqui en un nivel de producción muy elevado). Pero hay muchas cosas muy mejores para mirar de este país. Y aún busco algo que merezca visionamento y que comprenda Sevilla, una ciudad fantástica a qual el cine aún no dió el necesario tributo.

Mi puntuación: 3/5 (sus puntos buenos se basan en la producción, algunas faces bonitas, y los otros puntos positivos de que hablé).

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