El Laberinto del fauno (2006)

«El laberinto del fauno» (2006)

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Bien y Mal

Esto fue un proyecto ambicioso. El director estava intentando produzir algo importante. Y si que tiene momentos muy bonitos, llenos de intensidad y poesia visual, algo que calenta un espectador pero no es inmediatamente sinónimo para bueno cine. Directo a lo que quiero decir, no me gustó de verdad esta película, a pesar de la aplastante mayoria de buenas críticas y simpatia de la audiencia. La estructura narrativa es clara y simples: tenemos una história que pasa en un tiempo histórico «real», y tenemos otra línea que es «mágica» y ocurre (tal vez) en la cabeza y visión de una niña. La primera línea deberá representar la crueldad y violencia del mundo real, justo en el médio de un contexto bruto de guerra; la segunda línea es el escape para aquellos que pueden «ver» magia, aqui representada por nuestra niña. Ella le libros, muchos, libros de histórias, y esas histórias pasan para el mundo que ella crea, y esto representa en verdad lo que del Toro en verdad queria hacer, cruzando referencias y creando un mundo mágico resultado de la mezcla de várias histórias para «niños». Bueno, aqui está el problema, para mi. Fernando Pessoa defendia el paradoxo de que una história para niños nunca deberá ser escrita para niños. Lo que el queria decir es que siempre se deberá dar zumo para las mentes de un adulto. Asi, las buenas histórias para niños siempre incluen paradoxos, ambiguidades y decisiones dificiles, recuerda Alice, recuerda Andersen, recuerda los hermanos Grimm, recuerda Sophia Mello Breyner… una buena história para niños, mágicos o no, es muchas veces una síntesis de princípios complejos que existen en un mundo gris, para allá del negro y blanco. Bueno, aqui todo es negro o blanco. Uno sabe, del inizio, lo que es bueno y lo que es malo, mismo el «fallo» de nuestra niña viene de «desobediencia», no tanto de tentación. Y esa es una visión pobre, para mi, y una que no corresponde a la forma como todo esto fue hecho. Porque hay momentos muy fuertes aqui. Los personajes de fantasia son muy motivantes, el Fauno es fantástico, la forma como su evolución está hecha con el desarollo de la película; el personaje con ojos en sus manos es fantástico, toda esa escena está executada de forma brillante. Y algunas referencias son de verdad cariñosas. Las actuaciones son buenas también. Pero algo no va bien aqui, y eso es lo que yo dije. Es como si el vencedor de la guerra hubiera sido el capitán, y quien hice esta película piensa solo según una visión, bueno-malo, por extremidades, justo como el capitán habria enseñado a sus hijos… asustador…

Mi opinión: 2/5 esto podrá ser una buena experiencia visual, si uno puede olvidar los puntos flacos de que yo hablé. Yo no pude.

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Call Girl (2007)

«Call Girl» (2007)

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sobre cine:

Pensé várias cosas mientras y despues de mirar a este. Y hay una discusión que necesito trayer para aqui antes de comentar esta película especificamente:

Esta es una película por un director que no quiere ser un autor. El tiene el entendimiente que la autoria mató el cine europeu, el tiene aún una fecha para esa muerte, 1963, cuando Fellini llamó a su 8 1/2 «Fellini’s 8 1/2». Tengo la sensación que Vasconcelos mira a los autores que quieren ser mirados como autores como snobs. Asi, le gusta el cine americano y rejecta la forma como el cine europeu, en general, se desarolla ahora y en los últimos 40 años. Comprendo muchas de suas preocupaciones y críticas, comparto esas preocupaciones, necesitamos (en Portugal y buena parte de Europa) de una indústria de cine, películas que puedan pagarse y permitir asi que otras películas se hagan, y lucros que se compartan. Pero discordo profundamente con la idea implícita (o ni tan implícita) que cine ‘comercial’, ‘industrial’ es un concepto opuesto a cine de ‘autor’, a cine con ‘huella’, y creo que las mejores películas comerciales tienen ideas visuales muy interesantes e motivadoras y conceptos fuertes por detrás, el mismo tipo de ideas que están en la origen de las películas de autor. Asi, no me interesa la separación entre las creaciones de autor y industriales, y critico Vasconcelos porque es tan snob con relación a las concepciones autorales de cine como muchos autores snobes tienen con relación a el cine industrial. Muchos de los mejores autores, para mim, empezaran a hacer cine produzindo en contextos comerciales (Wilder, Ray, Hawks, Welles! ), muchos empezaran en contextos underground y produziran su material importante para las audiencias mainstream (Hitchcock, Lang, Almodóvar, Kubrick, Park), y algunos de los más interesantes cineastas de siempre siempre estuvieran contra la idea de se quedaren industriales y a pesar de algunos se quedaran muy conocidos, siempre produziran su trabajo algo lejos de la exposición pública (Godard, Antonioni, Medem, Kar Wai). Todos estes ‘autores’ son personas que yo admiro, y en verdad creo que hay muy más en comun entre Kubrick, Welles y Medem que entre Welles, Hawks o Ray.

Mi convicción es qu, hasta ahora, tenemos simplesmente bueno y malo cine, y transversal a esta idea es la que tenemos las películas con buena máquina de distribuición y marketing por detrás, y que asi llegan a todo el mundo (películas de las majors americanas, algunas producciones franceses de Gaumont, algunas producciones inglesas y el cresciente cine español, con su grande Sogecine y la cresciente popularidad de los autores españoles). Asi, tenemos muy buenas películas y malas películas que son (en los dos casos) bien o mal distribuidas. El entendimiento de si el autor queria o no dejar su huella es, para mi, secundário. Lo que quiero decir es, no es Hitchcocl uno de los autores más reconocidos?, no podemos identificar sus películas solo con un par de planos suyos? Que es el cine de Scorcese, Coppola o Spielberg si no cine de autor con grandes presupuestos? Blade Runner es más «fácil» de mirar que Le mépris? Magnolia que La ardilla Roja? Yo he mirado con igual emoción lo que entendi ser la esencia de cada una de ellas. Y, hablando de eso, creo que las 4 son películas de «autor». En mis comentários, siempre intento someter todas las películas al mismo tipo de critérios, rechazo la actitud de aquellos que rechazan una película porque a demasiadas personas le gusta esa película asi como rechazo la de aquelles que rechazan una película porque es demasiado «intelectual» (creo que esta es la palabra más utilizada por ese tipo de creadores de opiniones).

He pensado mucho sobre este tema, hice una buena cuantidad de pesquisa sobre Vasconcelos y su visión específica de cine antes de mirar a este Call Girl (he también mirado a alguno de su trabajo anterior), y respecho su visión, pero tenia que poner mi opinión, porque creo que mucho de lo que digo encima influencia las opciones (buenas y malas) de la película que ahora comento.

la película:

Ortografia cinematográfica

Hube cosas muy interesantes aqui, cosas no tan comunes en películas portuguesas, asi como cosas que para mi fuiran confusas.

Su mayor fallo puede ser intentar ser várias cosas al mismo tiempo. No que no seya posible eso, pero no está bien hecho aqui. Asi, tenemos alguién honesto, pero sin moral (su punto flaco), mucha corrupción, y algunos temas de redención (amor?). Podria ser una película de impacto social (Portugal SA, hecho hace 4 años, lo hice con relativa cualidad); en América podemos mirar a películas como ‘Wall Street’, ‘All the president’s men’ o ‘Wag the dog’. Podremos conectar eso con una construcción noir? tal vez. ‘Wag the dog’ lo hice. Aqui tenemos el detective, tenemos la ‘femme’, que tal vez seya fatal. Hablemos de ella:

El director (y supongo que la voluntad colectiva de los amantes de cine portugueses) está intentando definir la imagen de nuestra chica. Ella tiene talento, creo, ela puede tener el aspecto, si bien filmada, pero ella necesita una personalidad cinematográfica. Hasta ahora, el cine nos ha dado várias posturas femininas, hay que optar cual va mejor con ella. Yo no creo que ella pueda ser Marylin Monroe, como fue sugerido aqui, a pesar de mezclado con la idea de mujer que domina, como Sharon Stone la representó en el inizio de los años 90. Pero personalmente creo que ella podria ser la rubia de Hitch, pero morena… esto es intuición o prejuicio, no se). Asi, ahora, yo haria de Soraia Chaves una Novak, Hedren o Kelly. Ella no podria entrar en la tradición Hepburn-Hepburn-Roberts, ni la paralela tradición Falconetti-Karinna. Todas estas mujeres hiciran su carrera basadas en su face, sonrisa, expresión. Soraia va mejor, creo, con los pequeños movimientos, las acciones implícitas, ella es más Dietrich que Monroe. Pero también tiene el «sexo en la face» como Hitchcock podria haber dicho. O tal vez ella haya sido mal retratada hasta ahora en su corta carrera. Vasconcelos la ha comparado a Ava Gardner; seria interesante mirarla como Ava en el futuro. Esperar y mirar.

De vuelta al enredo: tenemos las sugerencias noir y los fallos sociales. Pero el juego está abierto, el mistério inexiste, y aparte de la moralidad y reales intenciones de nuestra chica, hay poco más que descubrir aqui. Asi el noir, que podria funcionar, está ausente. Por noir, yo entiendo la capacidad para poner el espectador mirando la visión específica de un personaje (aqui ese personaje podria ser Ivo Canelas) y dejar el espectador saber tanto como ese personaje, pero con el sentimiento que alguna fuerza exterior, diós, un personaje superior, está movimentando y marionetando toda la acción, fuera de nuestra mirada. El facto de que Canelas tuve en el pasado una relación con el personaje de Soraia podria haber funcionado con perfección en esta lógica de fuerzas superiores, destino… el cine americano está lleno de buenos ejemplos de como hacer esto. En verdad, justo antes de mirar a esta en el cine, he mirado a Ace in the Hole, de Wilder (un «no»? autor) y está todo allí: la ambiguidad de saber si Douglas escribe o no la história, o de quien la está escribindo. Una película debe tener nociones profundas como esa para funcionar en perfección. Sino, estará incompleto. Esa es una lección que uno puede sacar del cine americano, y no puedo comprender como Vasconcelos no la sacó (ya que el escribió esta história). Asi, en el momento que se toma la decisión de dejar el espectador saber todo que pasa, cada movimiento, dientro y fuera del «palco», el interes se reduce a las actuaciones y la dirección. Aqui tenemos los puntos más fuertes de la película, que hacen la experiencia suficientemente buena. La última expresión en la face de Nicolau Breyner quebra el corazón, esa capacidad que Breyner tiene para contar tanto con una simples sonrisa es algo que llevaré conmigo siempre. La mirada superior como esto está grabado ayuda. Y la dirección está muy focada, muy más que la línea narrativa o la escrita. La edición no es perfecta, pero es competente. Vasconcelos tiene una forma muy interesante de «desaparecer» para realzar sus histórias y escenas específicas (aqui el es de verdad lo que quiere ser) asi sus movimientos siempre son sutis y suficientes.

Asi, creo que se necesitaba una escrita más fuerte aqui, para llevar todo esto para un nuevo nivel, el tipo de escrita de ‘Os imortais’, que fue muy más claro, focado, y interesante. Este tuve problemas de ortografia cinematográfica, y eso prejudicó una buena parte de la experiencia.
Mi opinión: 3/5 las actuaciones y la dirección compensan los fallos

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Die Hard: With a Vengeance (1995)

«Die Hard: With a Vengeance» (1995)

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Willis letal, con ayuda

en el inizio teniamos Willis. El tiene cualidades como actor que ninguno otro actor de «acción» tiene antes o despues de el. El hablaba con usted, el espectador. Recuerda los dos primeros Die Hard? El siempre se quejaba, hablaba mal, todo eso solo. Eso no era un monólogo, era un diálogo, con la audiencia, con usted. Era un diálogo porque tenia una contestación, la audiencia se tocaba, se interesaba. Asi,, en lo que toca a eso, creo que nadie estuve tan cerca de igualar las cualidades de Willis, y tuvimos algunas tentativas desastrosas, Nicolas Cage aparece en primero aqui. Bueno, hube películas que ya intentaran abordajes más directas para intentar tocar la audiencia, como con High Fidelity (Cusack) o Alfie (Law). Die Hard 1 fue un marco por la actuación en cine solo por esto. Junto con esa primera película, tuvimos la primeira Lethal Weapon. Otra abordaje, otro marco. Este era más fácil, porque no dependia tanto de la cualidad del actor que actuaba, sino del chiste que los dos podrian crear juntos al comprender sus diferencias y al luchar con ellas. Porque esto era más fácil, y porque nadie podria hacer lo que Willis hacia tan bien como el, esta segunda fórmula se quedó la más utilizada. Y aqui tenemos este Die Hard confiando en la idea de que 2 es mejor que 1. Asi, tenemos Glover representado por Jackson, la mayoria de los chistes y las bromas llegando de el en confrontación con McClane. Die Hard se queda Lethal Weapon, tal vez porque Willis queria intentar, pero con gran probabilidad, porque los productores creian que era más «seguro» asi.

A pesar de todo, el enredo salva muchas cosas. El malo es más inteligente que atlético, el controla, y la história tiene todo que ver con el bueno intentando comprender el plan inteligente que el malo tiene. Las surpresas entre venganza-robo y la comprensión de quien controla todo están muy bien hechos, asi que este resulta como una buena experiencia. Ayuda a establecer algunos padrones para lo que hoy esperamos de una película de acción (esa noción está ahora mismo siendo cuestionada por las películas de super-heroes) pero este no es tan influente o bueno como los dos primeros Die Hard.

Mi opinión:3/5

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To catch a thief (1955)

«To catch a thief» (1955)

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Necesitaba más «Rope» y menos Bond

Comentar películas como esta dame momentos en que pienso realmente en no atribuir puntuación a ninguna película en general. Eso pasa porque es tan confortable admitir que una película es muy buena como es incómodo decir que uno nos es bueno, sobretodo cuando es una película de Hitchcock, con la carga de melancolia y el número de seguidores en el mundo de los films que este tiene. Pero, para mim, esta no es una buena película, no según los padrones que Hitch estableció para sus películas. Esta es una afirmación importante para mi: lo puntuo sobretodo (pero no solo) con relación a el trabajo de AH.

Aqui, el estaba just «salindo» de su pesquisa sobre movimiento de cámara, que tuve su punto más alto el año anterior con la obra maestra «Rear Window». Hitch siempre perseguia nuevas ideas cuando estaba ya satisfecho con las conclusiones hechas, asi no es raro en su trabajo que una nueva película tenga cinematicamente muy poco que ver con la película anterior. Esta es esa situación. Con esta, el empeza a trabajar con algo que, en sus films, culminó con North by Northwest, pero en el cuadro mayor (es como decir, la evolución de los films) aún tiene repercusiones hoy. Tiene que ver con envolver la película con una manta de glamour, elementos escapistas apelativos, algo que al final podremos hablar estilo. Asi, la Riviera francesa es utilizada. Es puro glamour, y la clase de Hitchcok se observa justo el la primera escena: tenemos vários planos cortos de robos de joyas, y mujeres gritando cuando descubren el robo. En el último robo, la víctima va al balcón, y grita para una fantástica mirada de la bahía de Nice. Esto marca el tono, enforma el ambiente. Las primeras escenas son esenciales, aqui no es excepción. Para ayudar a el ambiente, el confia en Grant. Aqui se estaba creando el personaje de James Bond, que más tarde se quedaria el fiel emulador de este «estilo» que Hitch estaba creando. Grace Kelly hace, para mi, su actuación menos interesante en pelíuclas de Hitchcok, a pesar de este ser aparentemente perfecto para ella. Ah, y es suficientemente aterrador pensar como el film se quedó vida cuando Kelly perdió su vida en las condiciones conocidas, en la carretera donde sigue con gran velocidad aqui, pero esto es una nota paralela.

Lo que no funciona aqui es que todo esto es demasiado estático, demasiado basado en escenarios. Hitchcok trabajaba y preferia normalmente los escenarios artificiales que locales reales. Creo que aqui el confió demasiado en el paisaje, y dejó la maestria y conocimiento que ganó en proyectos como Rope o Rear Window. El comprendió eso, creo, y lo corregió más tarde, con North by Northwest, que es el topo de esta investigación de como hacer una película basandose en estilo. Ahí, el incorporó alguno dinamismo con el uso de algunos movimientos de cámara e sobretodo por elegir bien el punto de vista, la perspectiva. Aqui, el confió tanto en cosas exteriores a su control, que todo este no funciona bien, no para mi. Curiosamente, la película no está datada, es apreciable en muchos aspectos, pero el ritmo no va bien, la acción se arrastra, y las surpresas en el enredo que normalmente Hitch subraya con elementos cinemáticos, de preferencia trabajo de cámara, aqui solo acontecen, uno tras otro.

Mi opinión: 2/5 a pesar de este ser un clásico, a pesar de yo apreciar mucho el trabajo de Hitchcok, y a pesar de uno poder tener bueno entretenimiento con este, no me conecté con la película, tal vez en posteriores miradas.

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Cristóvão Colombo – O Enigma (2007)

«Cristóvão Colombo – O Enigma» (2007)

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Conectando Memórias

En mi libro personal de referencias, Manoel de Oliveira tiene una abordaje única al cine. Y eso es por dos aspectos, que aparecen vivos aqui como pocas veces antes en su trabajo.

Muchos espectadores (especialmente los portugueses) se quedaran sobre una posición de me gusta/no me gusta basados en los «fallos» imediatamente visibles:- el diálogo, que es anticuado, inadecuado en  practicamente todos los momentos, fuera de contexto, por cierto poco cinemático en la visión que tenemos hoy (y hace vários años) de como un diálogo en una película deberá ser (suenar?). Esto diálogo siempre explica demasiadas cosas, dando al espectador información sobre puntos oscuros del enredo, con dispositivos que, de tan denunciados, son casi infantiles. -despues tenemos las actuaciones, que muchas veces son muy malas, y otras más melancólicas y exageradamente dramáticas que, por ejemplo, los discursos de «gone with the wind». Si usted, caro lector, piensa que es inteligente porque ha detectado todo eso, no es. Todo esto es verdad, y no me importa nada.

Y no me importa por dos cosas:

La primeira tiene que ver con el senso de «posicionamento». Oliveira es un verdadero maestro en la forma como «posiciona» cosas en sus películas. El posiciona una visión, su cámara está parada la mayor parte del tiempo (no tanto en esta película, por casualidad). Eso tiene que ver con su concepción de cine como teatro filmado, pero yo veyo aqui la capacidad para resumir y contar un ambiente/diálogo/sentimiento solo por mirarlos. Antonioni intentó algo similar en una fase final de su vida, pero Oliveira es un maestro haciendo eso. Una nota curiosa es que, aqui, su senso de colocación visual está de una forma rara (para lo comun en Oliveira) cerca de lo que Antonioni podria haber hecho. La cámara se mueve mucho aqui, y llamo la atención para las escenas en Alentejo, los planos de carretera. Uno de ellos, en que el ojo de la cámara no está en la carretera, y miramos por algunos momentos la cámara seguindo el coche. Esta forma de filmar un paisaje ponendo una acción en ella, es algo que Antonioni hacia muy bien. Mira la colocación de los personajes. Ellos siempre empiezan una escena caminando, vindos de algun sítio y se quedan en un punto determinado para servir la colocación elegida para la cámara. Asi, esto no es sobre como la cámara encontra los personajes, pero como los personajes existen para servir la cámara. Justo al princípio tenemos una secuencia de planos interesantes que alterna planos debajo-arriba y arriba-abajo, Lisboa, Praça do Comércio.

El segundo aspecto que me gustó mucho tiene que ver con la forma muy personal que Oliveira tiene de trabajar con niveles de realidad, ficción, y realidad ficcionada. El punto mayor de esta exploración fue «Viagem ao princípio do Mundo», que pongo en una lista especial de películas que pueden cambiar algo sobre uno despues (y mientras) se mira. Ahí teniamos un nivel de realidad ficcionada (la del actor), un registro histórico (el contexto político portugués reciente) y el nivel de la memória de Oliveira. Aqui, el sustitui la ficción por la história real de una pareja real, y sobrepone su nivel personal sobre ese casal. Hay mayor economia de medios aqui, pero «viagem…» es muy más profundo, visualmente y narrativamente. Miralo: tenemos Manuel Luciano (que por feliz coincidencia tiene el mismo primero nombre que nuestro director) y tenemos su mujer. Ellos sirven como motivo para un tipo de film de carretera/viaje. Ellos buscan las pistas para se recontar las origenes de Cristobál Colón. A pesar de crear una fuerte teoria al redor de Colombo, eso puede también ser ficción sobre la realidad. Despues tenemos el tercero nivel. Oliveira representa Luciano como un viejo (y su nieto representalo como nuevo) y tiene su mujer representando la mujer de Luciano. Creo personalmente que Oliveira, en un momento, estaba grabando sobretodo este tercero nivel. Asi, tenemos un número de escenas, con Oliveira y su mujer en grandes planos. Ellos hablan. No creo que estan representando. Creo que son ellos mismos. Tal como en Sunset Boulevard, siempre estamos dentro y fuera de realidad(es). Uno de estes planos necesita descrición: estan los dos sentados en el interior. Ellos hablan sobre sus vidas pasadas, creo que sobre sus próprias vidas, no las vidas que representan, ella proclama su amor por ello, ello contesta que la quiere, y besala en la face. Se quedan los dos tímidos como dos adolescentes. Ello tiene 99 años. Ella menos 10. Esta es por cierto una de las más fuertes escenas de amor en la história del cine, y el punto mayor de esta buena película. La escena sola hace la experiencia buena.
Asi, en la superfície (para mi) la película tiene que ver con un recontar de una biografia que todo el mundo conoce, seguindo con ese objetivo las vidas de una pareja que estudió el tema. En un sentido más profundo, esto habla de «conexiones». HAbla de conectar temas, asuntos, lugares, y sobretodo memórias. Por eso, la história habla sobre conectar puntos sueltos, temas históricos no explicados. Los planos separados aqui siempre están interconectados. Por eso tenemos un plano que mira el mar en Dighton y que corresponde a un plano que mira el Atlantico en Porto Santo; o planos que miran ventanas en vários puntos en el viaje. Hay un punto particular, en que se atravesa una puente en Alentejo, una puente de hierro, tenemos un plano muy parecido con lo que Oliveira hice con la puente D.Luiz en «douro faina fluvial», esta es su própria memória cinematográfica. Visión… Memória, Amor, Luciano quiere a su mujer y su pesquisa, Oliveira quiere a su mujer, y al cine…

Mi opinión: 4/5 si esto estuviera hecho con más unidad, y las actuaciones/diálogos no fuiran tan mal hechos en algunos momentos, y esto podria ser una experiencia capable de cambiar la imaginación de uno. Ah, y la música es fantástica.

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Jeu (2006)

«Jeu» (2006)

Cinanima 2007

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Clip musical
Esto trata basicamente de transformar música (aqui un concerto de Prokofiev) en una banda sonora. Y el camino que se escoje es hacerlo con una forma abstracta, libre de una história, jugando libremente con formas que siempre cambian y se adaptan, colores (rojo, amarillo, azul) colocados con diferentes posiciones y efectos y movimiento. Asi, experimentación es la idea llave y hay algunos resultados interesantes puntualmente.

Me gusto especialmente la alusión al puntillismo de Seurat y Pissarro. Es interesante la forma como los puntos (rojos y amarillos) en movimiento sobre un último plano azul crea la sensación de queda de água, o água en movimiento. Los impresionistas habrian adorado eso.

La idea de movimiento circular en lo que toca al desarrollo narrativo (y en muchos elementos individuales dentro de esa composición como los números iniciales que se transforman en otros números por movimiento circular) también es interesante.

Pero todo esto  tuve poca unidad y a pesar de sus menos de 4 minutos de duración, tiene (demasiadas) porciones divididas y desconectadas. Eso es su punto flaco.

Mi opinión: 3/5 interesante como experimentación

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Lapsus (2007)

«Lapsus» (2007)

Cinanima 2007

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Animación geométrica (geometria animada?)

Es fantástico como las ideas simples tienen una capacidad mayor para captar audiencias. Eso si son realmente simples con, al mismo tiempo, ideas interesantes (y muchas veces complejas) por detrás. Esta es una de esas situaciones. Cuano escribo esto, no conozco aún los premiados de Cinanima 2007 (este comentário fue escrito en Noviembro) pero no me sorprenderia si esta pequeña pieza ganara el prémio de la audiencia. Basicamente, es una exploración de la posibilidade de crear imagenes diferentes con formas similares. La história se desarrolla con la interacción entre esas imagenes, basadas en las mismas formas puras que ganan significados opuestos, cuando pasan de la face izquierda (blanca) para la face derecha (negra) de la pantalla. El humor nasce cuando el director juega con religión de una forma descomprometida y inofensiva.

Mirala, es de verdad una buena experiencia.
Mi opinión: 4/5

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In Memoriam (2006)

«In Memoriam» (2006)

Cinanima 2007

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Que buena experiencia. Esto tiene muchas cualidades, algunas relacionadas con su aspecto visual/edición/sonido y otras  relacionadas con la forma como el drama/história estan construídos. Estes dos aspectos pueden solos hacer una película una buena experiencia (en verdad en algunos casos solo uno de estes aspectos puede hacer la experiencia positiva, si bien hecho).

Asi, me gustó mucho la face de Pierrot, es muy ternurento solo por mirarla, tiene una gran carga de sufrimiento y nostalgia por cosas que no han pasado aún. La edición sonora es muy buena también. Se que es un cliché utilizar cajas de música o cosas parecidas para produzir momentos de ternura en animaciones, pero desprecio el facto de que miro a un cliché si ese cliché está bien resolvido. Esa es esa situación. El taller también está muy bien hecha, la iluminación es adecuada.

Despues tenemos el aspecto que más me ha interesado y que tiene que ver con la construcción narrativa, y los motivadores de la história. Asi, nuestra marioneta se enamora por la creación de su creador. El planea ser correspondido por esa bailarina. Sufre un disgusto cuando comprende que su viejo creador está ahora creando un amante para la bailarina. En este punto, sabemos quien controla, el viejo humano que fue el responsable por la creación de todo el escenario e todos los personajes y história que tenemos hasta ahora, escribe nuestra narrativa. Despues, el mure. Cuando muere, deja nuestro Pierrot con dos escojas. Una, es completar las intenciones del creador y juntar los dos amantes creados; otra, es servir sus próprios intereses y quedar con la bailarina. El interesante aqui es que, de aqui adelante, el escritor cambia, y las decisiones son hechas por la marioneta, el Pierrot. Y cuando el decide hacer lo que su creador habria hecho, esto termina con nosotros mirando el triste payaso controlando la escena final (que el escribió). Asi, el tema es el de la decisión sobre quien decide la história, esto es material muy interesante, y algo que el cine explora con frecuencia. Aqui, está especialmente bien hecho, de una forma clara. Miralo.

Mi opinión: 4/5

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The Pearce Sisters (2007)

«The Pearce Sisters» (2007)

Cinanima 2007

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No se si podria «alimentar» mi imaginación visual todo el tiempo, todos los dias, con animaciones como esta. Lo que quiero decir es, siempre que miramos a una película, cualquiera, animada o no, entramos en el mundo de su autor (al menos cuando el trabajo tiene un mínimo de interes). Pero con las películas de imagenes «reales», ese mundo esta hecho con un número de elementos que el autor coge de vários sítios en el mundo de la «realidad» y eses elementos son después submetidos a la visión y imaginación específicos de su autor. Dos directores diferentes con los mismos elementos produzirán dos trabajos diferentes (asi como dos arquitectos con exactamente los mismos elementos constructivos, programa e local, harán dos edifícios distintos). Esto también se aplica a la animación, cuando hecha sobre procesos de producción «en série», o cuando la concepción visual incluye muchas mentes criativas en el proceso.

Pero cuando tenemos animación de «autor», como en este caso, toda esta cuestión de «entrar en un nuevo mundo» gana un nuevo significado, y visitamos una nueva dimensión. Esto pasa porque todo es totalmente generado por la imaginación de alguién que, claro, se basa en aspectos reales y elementos reales, pero todos los elementos surgen distorcidos e submetidos a una interpretación específica (estilo?), y esto submete eses elementos y todo lo que pasa a nuevas reglas, nuevas leyes. Eso constituye al mismo tiempo el aspecto más fascinante y perturbador de la animación y el que puede mantenerme mas lejos de ella. Eso pasa porque o uno entra de verdad en el mundo, y le gusta estar alli (puedo dejarte feliz, aborrido, reflexionando o con rabia, pero tiene que ser un mundo fascinante y seductor) o podrá ser un malo pedazo de tiempo estar dientro de la realidade del autor. En este caso, estes personajes mórbidos, que observan el mar hacian parte de un mundo interesante de mirar, pero me hace mas cansado 9 minutos de esto que 2 horas de un film con personajes de carne y hueso. Me interesa comprender porque pasa eso. Esta película me hice revivir mi relación con la animación, al menos en este nivele de que hable.

Mi opinión: 3/5 puede que no te pase a ti lo que pasó conmigo, pero en cualquier caso este tiene algunos elementos interesantes.

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