Harry Potter and the Half-Blood Prince (2009)

«Harry Potter and the Half-Blood Prince» (2009)

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sobre narrativa espacial

Quien haya visto y siga vendo el franchise Harry Potter y piense un poco en ello sabe para donde todo se está encamiñando (o donde se supone). El franchise es invulgarmente longo, para filmes que trabajan una única línea narrativa, aún más cuando la evolución de la edad de los personajes interesa. Empezó hace 8 años, y va a terminar en 2 años (supongo). Asi, tendremos una década con los mismos personajes. Pero más, una década con los mismos espectadores. Ese es el truco, cada filme no intenta cautivar nuevas audiencias, al invés intenta recuperar las que habían visto los filmes anteriores. Claro que nuevos públicos son bien venidos, pero recuperar los regulares (que habían ya empiezado con los libros) parece ser el objectivo principal. Es por eso que cada nuevo filme es más «negro» que el anterior, porque si el primero debería ser apetecible para alguién con, digamos, 10 años, el último deberá cautivar a alguiém con 20. Es una idea interesante, que aparentemente ha permitido que todos los nuevos filmes fueron rentables, a pesar de la longa duración de los personajes. También, supongo, es por eso que Chris Columbus salió después del tercero filme, él tiene una imaginación más calibrada para llegar a los niños, y las «famílias» en el proceso. Cuando Columbus salió, ellos han tenido problemas para sustituilo, y creo que los dos filmes antes de este son desastres absolutos. Especificamente el último, es una desgracia total en todos los temas. Bueno, Yates lo habrá mirado muchas veces, y compensó parcialmente las cosas aqui.
Lo que tenemos en este nuevo episódio mejor de lo que teníamos en los últimos dos es una cierta construcción de la tensión entre cada escena. Ellos han comprendido bien que no tienen drama poderoso entre sus manos, los libros son demonstraciones curiosas de pedazos de mitologia atractivos, pero estan enraizados en la aventura y fantasia adolescentes, y eso no puede cambiarse. Asi, han escrito el filme de acuerdo con las posibilidades que tenían. Eso lo hace tolerable en esos temas. Bueno, la forma más ampla simplesmente no existe. El filme es una colección de capítulos sueltos, las conexiones ténues que el libro (supongo) da no están aqui y por eso el filme funciona simplesmente como ilustración de ciertos momentos en la história. Pero en general, cada episódio está hecho de forma competente.

Pero hay algo que realmente está muy bien. Es una exibición de espacio a través de la elección del encuadramiento. Lo que quiero decir es que el espacio está presente, es utilizado como un importante (lo más importante) manipulador de las dinámicas dramáticas, y eso significa que cada escena tiene una vida própria por la forma como está encuadrada, En el espacio. Yo colecciono ejemplos de como el espacio es utilizado en cine y este es un bueno ejemplo, que utiliza el espacio de una forma rara, a través del encuadramiento. La magia está en la posición exacta en primero y último plano de elementos (objectos, elementos de arquitectura como paredes o puertas) asi como en la forma como los personajes surgen en el espacio (y donde). El filme está suficientemente bueno. La verdadera tensión en las escenas está en la forma como el escenario es utilizado espacialmente. Como espectadores, somos llevados a creer que es la historia, los diálogos entre los personajes que nos hacen sentir poco cómodos, o arrebatados, pero es el espacio, aqui manipulado por el encuadramiento.

Asi, en las 6 películas que tenemos hasta ahora, hay 2 que interesan por la forma como usan el espacio: el Azkaban de Cuarón y este. Cuarón es un tipo que permanentemente se muevo en el espacio y a través del espacio, pendurado en personajes o sin raízes, simplesmente por el espacio en si. Esta versión depende de la encenación del espacio, de encontrar en encuadre significativo (en este caso en un espacio que puede y fue previamente pensado). Personalmente, yo prefiero lo que Cuarón hace, pero me gustó bastante esta versión, y me sorprendió por la positiva. (Orson Welles domina los dos tipos de exploración, y puede hacer los dos en la misma película, cambiando el modo! eso es único).

Mi opinión: 4/5

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Blindness (2008)

«Blindness» (2008)

Fantasporto
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blanco espacial

En determinados puntos de sus vidas, muchos artistas sienten la necesidade de descer hasta los abismos de la degradación humana, de la ausencia de humanidad (o cambios de valores radicales). Son las catacombas de Piranesi, el infierno de Dante. Creo que el intento básico de este tipo de viajes no es tanto imaginar una realidad posible donde podríamos vivir sino espejar nuestra própria realidad, las partes podridas de nuestras existencias tantas veces ridículas. Exagero es un truco que los artistas varias veces utilizan para realzar lo que quieren decir. Blindness, la novella, fue la descida de Saramago, la pieza más negra de un pesimista negro y irónico (o un optimista de una otra humanidad). Meirelles, que había anteriormente hecho 2 películas negras, utiliza el libro para hacer su descida. Por curiosidad, él admitió que quería adaptar el libro y no lo pudo hacer, y luego dirigió Ciudad de Dios. La mezcla de ideas y mentes creativas es muy poderosa aqui, y el efecto realmente es lo que se pretendia. Esto es una representación bien hecha de un infierno posible, de una realidad posible, o de nuestra própria realidad (?).

Antes de avanzar para la película, debería decir algo. Hay un pequeño documental brasileño, practicamente desconocido. Se llama «Janela da Alma». Tiene que ver con visión, claro, con observación, sobre lo que significa para un conjunto de artistas mirar, ver. Utilizar los ojos para abrazar el mundo, y expresar sentimientos. Entre otras personas interesantes y artistas que colaboran, hablo de 2: uno es Saramago, él escritor de la novella de esta película. El otro es un fotógrafo ciego (me olvidé su nombre) que fotografa por intuición, obviamente sin se preocupar con el resultado final que él no puede ver, pero haciendo fotografias como un médio de llegar hasta el mundo. Es un concepto formidable, se piensas en ello. Recomendo que mires ese documental, antes o despues de este film. Podrás encontrar cosas interesantes en ello. Hay incluso una escena en este film en que el personaje de Ruffalo fotografa, por «intuición de ciego» como él mismo dice.

(posible spoiler)

Los arcos dramáticos aqui son semellantes a lo que tenemos en Irreversible. Aterrisamos directamente en el infierno, tan negro cuanto posible, desde el inizio, y subimos las escaleras en dirección a la luz. Por eso en este film no tenemos un prelúdio de lo que va a pasar. Es un truco poderos porque no nos permite ser racionales, como espectadores sentimonos tan en las oscuras como alguién que de repente pierde su capacidad de ver.

Basicamente, la película es un estudio de como la civilización seria sin uno de sus pilares básicos, la visión. «que pasaría si…?». Es simples y eficiente y, porque lida con visión, y el juego de sacarla, es puramente cinematográfica, literalmente visual. Meirelles obviamente lo comprendió, y por eso quizo adaptarlo desde el inizio. Todo lo que pasa es la consequencia de no ver. Várias cosas pueden sacarse de aqui: después de el choque inicial de la pierda de visión, las personas se adaptan, y crean conflictos, hierarquias, nuevos conflictos y nuevas hierarquias, pero se supone que nos identificamos con lo que vemos (y si tienes consciencia lo harás). Nuevos grupos son formados, nuevas amistades, nuevas «famílias».

Meirelles es un director muy bisual. Aqui, él es muy más alguién que «encuadra» que en sus películas anteriores, donde sus capacidades estaban más en el ritmo (edición). Bueno, aqui tenemos trozos muy buenos de edición, luego desde el inizio. Pero es muy más arquitectónico en su abordaje. Al final, el tema de pierda de visión y relación consequente con el mundo es puramente espacial. Es una cuestión de relacionarnos con un mundo hecho para verlo. Sendo un arquitecto ello mismo, ciertamente Meirells lo aprecia más y mejor que otros directores.

Asi, el juego visual que el juega es espacio, y colores (n&b). La fotografia es muy depurada, contrastando cuando tiene que contrastar, pero sobretodo desarrollada al redor de imagenes super expuestas, casi blancas, y la oscuridad total, que realmente tenemos durante unos 30 segundos en una escena específica, cuando Julianne Moore busca comida en un sótano.

Las actuaciones son buenas, Julianne Moore está en el topo del juego en la forma como es intensa sin explodir demasiado, y en como nos enseña una superfície mientre sugere que hay otras faces en su personaje. Asi, ella lidera, literalmente en la história, ya que es la única que puede ver. Todos los otros juegan el juego, excepto McKellen, que suena simplesmente arrogante como actor, el tipo que cree que el film (y todos los films) son sobre actores. Extraño, ya que él también fue un argumentista en esta película. El personaje de Glover fue interpretado por Meirelles como un alter-ego de Saramago. Su actuación es muy buena, a pesar de limitada en tiempo, y la voz off tiene el tono cierto. Una curiosidad interesante es que cuando lo vemos por primera vez, él escucha un rádio, y lo que escucha es portugués europeu. La voz off de Glover y ese radio son los detalles que Meirelles utiliza para decirnos quien es su narrador designado, la presencia de Saramago en la pantalla.

Meirelles dice que versiones anteriores de la película tenian un efecto más repulsivo, más negro y chocante, pero por influencia del estudo, él suavizó la versión final. Creo que podría haber sido más duro en ese punto. La história toda tenía también que ver con eso.

Mi opinión: 4/5 esto no cambió mi vida, pero ciertamente creó una marca en ella que durará.

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Number Seventeen (1932)

«Number Seventeen» (1932)

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3 visiones

Si esta hubiera sido la última película de Hitchcock, tendría solo un pequeño interes historico hoy. Pero como él siguió y dirigió otros films como Rope o Rear Window, esta pequeña pieza (y otras) quedan muy importantes para que uno pueda comprender donde su cámara curiosa empiezó.

Quiero mirar otras películas de Hitch de esta fase, pero ahora mismo, para mis ojos, en este momento él estaba muy conectado a dos concepcions visuales existentes, y intentando crear su própria.

Asi tenemos contrastes fuertes, donde las sombras dibujan acciones, o objectos o mismo personajes y eso define el ambiente de lo que pasa, seguindo el expresionismo alemán (que más tarde sería el suporte perfecto para las construcciones narrativas del film noir). En este campo, Hitch no es un génio, pero dominó bastante bien las herramientas. Esto existe en la primera parte del film, en la casa.

Él también sigue Eisenstein, y la sección de tren es una montaje muy buena. Él utiliza los modelos muy bien, y la edición tiene buen ritmo y equilíbrio. También aqui él es competente.

Pero lo mejor es lo que tenemos en la primera parte de la peli: el movimiento de cámara. Creo que él elegió esa casa con ese pozo de escalera para poder jugar con lo que le interesaba más. La cámara muevese y explora espacio, la escena donde el detective (y nosotros) entra en la casa por la primera vez es una demonstración adelantada de lo que la ‘fase Rope’ hiba a traer. La primera tercera parte del film es basicamente subir y bajar escaleras, descubrindo cosas, y explorarlas con la cámara.

Su estratégia ‘McGuffin’ es una confusión aqui, él aún no era capaz de hacer un enredo suficientemente simples y eficiente para hacernos olvidarlo y concentrar en lo que él hacía en el ojo. Es confuso, y tan complejo (tantos personajes desnecesários!) que nos puede hacer intentar encontrar un significado para todo. Bueno, yo no lo hice, y lo miré por la manipulación visual que Hitch hace.

Este film está quebrado en pedazos (empiezando con el enredo) y dividido por tendencias cinematográficas. Cada pedazo es competente, pero el resultado final es bastante confuso. Bueno, él estaba experimentando.

Mi opinión: 2/5

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Batman Begins (2005)

«Batman Begins» (2005)

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Entrar en la película

Nolan y Bale son unos de los directores-actores que más me interesa seguir estos dias. Ahora mismo ellos hacen una buena pareja, y para allá de los dos Batman renovados (de los cuales yo solo he visto este), han hecho el muy bueno Prestige. Esta pareja por si solo hace este proyecto interesante para mi.

Lo que hiciron aqui fue ambicioso, sério y sin tantos fallos. Aparentemente Nolan realmente queria entrar en esto, y fue ello quien abordó Warner Bros. para tener el trabajo. Él sabia que podia traer algo nuevo a la película de superheroes, y probablemente Batman era el mejor personaje para hacer esto. Esto porque es un heroi que se hizo a si mismo, no fue creado por accidente, y en el proceso de creación de su máscara (que es Batman o Wayne?) hay una cuestión de procura de uno mismo, al contrário de, por ejemplo, IronMan, que juega a la ciencia con su proprio cuerpo. Asi, en la visión de Nolan, necesitamos un actor que pueda actuar, y necesitamos vários trucos cinematográficos y de concepción para hacerlo funcionar. Los tenemos todos apuntados aqui, a pesar de no con sucesso total. Se miramos el top 250 de IMDb, que, mientras escribo, pone Dark Knight en cuarto lugar, él probablemente solucionó los problemas. Pero por otro lado, Shawshank Redemption está en primero puesto.

ciudad: la concepción de esto tiene mucho que ver con la ciudad en si. Hay claramente la intención de crear algo diferente de las películas anteriores – «realista», en las palabras de Nolan. Asi, esto está hecho sobre Chicago, algo que podemos reconocer, y tiene un manto negro sobre eso, de decadencia, falencia social, corrupción. Los espacios so bien explorados, y utilizados para el truco cinematográfico de que hablaré.

Una queja: Gothan City costumbraba ser El Mundo, en Batman. No sentíamos siquiera que había un mundo fuera de ella, era auto suficiente, y equilibrada, como un mundo cierrado donde todo nace. Lamento que no pudieran conservarla asi.

cine: si excluímos las secuencias hollywoodenses de Wayne entrenando, Wayne aprendiendo, Wayne creando ropa y encontrando lugares, hay algo muy bueno por el lado cinematográfico. El enredo principal juega alredor de una «liga de las sombras» que intenta distribuir un gás alucinogénico por la ciudad. Ese veneno hace que las personas vean todo volverse sus peores miedos. Ellos pierden el sentido de la realidad, y empiezan a fraccionar su propria visión, y a no comprender/exagerar lo que miran. La edición y ritmo del film están hechos para suportar esto, asi que en los trozos más actives, sentimos la película como las personas de Gotham probablemente sentian lo que miraban. Tornamonos espectadores activos, y eso es formidable. Solo se siente en algunos pedazos, y eso es un fallo. La mayoria del tiempo pasa construyendo el mundo del murciélago, y aprofundizando la personalidad de Wayne. Me gustaría haber tenido más de los trozos alucinogénicos, pero elijo algunas secuencias de esta película para mirar várias veces. Christian Bale está en esto viaje, él sabe lo que pasa, y permite que eso pase. Muy bueno trabajo. Esto es lo que el cine está haciendo de nuevo hoy. Hacernos parte del juego.

Mi opinión: 4/5

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Das Leben der Anderen (2006)

«Das Leben der Anderen» (2006)

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motivos para ser Humano

Uno de los pensadores vivos que más admiro es George Steiner. Él es un hombre de gran inteligencia porque sabe porque el conocimiento es importante, y porque es importante Conocer. Entre los muchos temas que han sido una constante en su vida, uno está comigo todo el tiempo desde que Steiner me lo enseñó: la brutal contradicción entre las acciones humanas, o como él lo pondría, como puede alguién llorar comovido por la noche, tocado por una sonata de Schubert, y la mañana seguinte ordenar friamente el asasínio de millares de personas.

Este tema fundamental estuvo vivo en mi mente todo el tiempo, en esta película feliz y deprimente. Incluso hay una referencia directa a esta cuestión en ella. Asi, el tema aqui es como los significados de la arte, o la simples referencia a ella puede influenciar una mente entrenada para No se influenciada y mecanicamente No se comportar de forma humana. Mentes entrenadas para confiar en lo que les enseñan.

La forma como esto está montado es una de las construcciones cinematográficas más sutiles que he visto. El enfoque está en los artistas, reprimidos, subjugados por un regimen represivo. En el mundo encuadrado en la película todo pasa alredor de ellos. Esos artistas son observados, constantemente. Nosotros los miramos, y al mirarlos tenemos la compañia de alguién cuyo trabajo es literalmente mirar. Él empieza con una fria inhumanidad (la primera escena lo asegura), observación obsessiva, que él regimen de entonces probablemente consideraria simplesmente ‘profesional’.

En el proceso, él se involve con el sujeto de su observación (vidas modeladas por la arte). Várias cosas subrayan esto: la Arte cambia su mente hasta que él juega duplo y empieza a escribir una história inventada para proteger la história real que el escritor está escribindo; él roba un libro de la casa que está observando, y lo le en segredo en su casa; él pide a una prostituta para quedarse más tiempo con él de lo que el acuerdo suponia, basicamente para tener más que sexo. Por fin, él cambia el final de toda la história cuando esconde un objecto prohibido (una máquina de escribir!) y asi secretamente entra y cambia la vida del artista.

Esto es una expresión perfecta del peligro que el verdadero compromiso con la verdadera arte, la que abarca ideas que interesan.

La cámara es sutil, muevese casi todo el tiempo, su movimiento no concentra atenciones, pero siempre adiciona algo a la tensión del momento, sobretodo con travelings sutiles. Y mira el uso del espacio. Mira como el interior del apartamento es utilizado, como la cinematografia cuidadosamente captura todas las nuances y como ellas aumentan y diminuen el espacio, de acuerdo con lo que los personajes sienten. Despues mira como la humanidad de ese ambiente colorido contrasta con el atico donde el observador está, y como el reconstruye abstractamente el espacio de abajo, por sus sonidos.

Ulrich Mühe realmente tuvo una actuación comovedora y inteligente. Es muy triste que nos haya dejado tan temprano, aqui realmente vale la pena mirarlo, y él actua en el campo que más me impresiona: él de la sutileza, él tipo de actuación que saca mucha expresión con movimientos imperceptibles. Mucho de eso está en su face, tantas veces cuidadosamente encuadrada.

La conclusión de esto pasa cuando el artista escribe un libro, supuestamente sobre la historia que hemos visto. Como si la película hubiera sido hecha através de ese libro. Tuve suerte en mirar esta película. Que privilégio.

La mayoria de las veces, aprecio un film por sus cualidades como un veículo para nuevas/interesantes formas de pasar una história, o por como su cualidad/presentación visual me dá temas para mis sueños. Esta funciona en estos dos aspectos, pero hazlo en un tema que interesa. Eso es tan raro.

Mi opinión: 5/5 mirala, si quieres sentirte más humano.

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Uncovered (1994)

«Uncovered» (1994)

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Kate y Barcelona

Esta es una experiencia que compensa, a pesar de los muchos fallos de la película. Es un trabajo débil en casi todas las características que se puedan pensar, relacionados con técnica cinematográfica, y expresión:

Las actuaciones son infantiles, esto aplicase a practicamente todos los participantes, con la excepción de Beckinsale, ella se mueve de una forma ingénua y algo masculina, pero desprende sensualidad, ella concientra atenciones, sin tener excesiva consciencia de eso. Ella lo hace bien. El resto es muy flojo. La edición tampoco ayuda. Lo necesário para la montagen en una película como esta no es muy difícil de conseguir. Solo tienen que contar acciones físicas, lineares y comunes. A pesar de eso hay transiciones, problemas de continuidade básicos que no son bien resueltos, expresiones de cara que cambian, y por allí. La música tampoco está bien colocada, es una mala banda sonora en su próprio valor musical, pero sobretodo en el ambiente que transcurre. Las referencias tribales no eran necesárias, y con este tipo de história, de influencia noir, estaria bien una música que pudiera conectar los escenários y las evoluciones de la história.

Pero hay 3 cosas que hacen merecer la experiencia. Una es la estructura narrativa, como la história se desarrolla. El film está basado en un libro de Pérez-Reverte, el hombre que escribió Ninth Gate. Asi tenemos una fusión de arte y vida, la história delante de nosotros fue «escrita» o determinada muchos años antes, por un artista, aqui un pintor. La primera escena es de maestro en la forma como transmite esto, realmente fue una de las primeras escenas más significantes y económicas que ya he visto. Basicamente empieza con un gran plano de una mano en una pintura (la mano como sinónimo de poder, capacidade para hacer cosas), y allí la cámara recua (se mueve, no es un zoom out) y obtenemos la sensación de la borda de la pintura, mezclada completamente con el ambiente «real» que la rodea. Esta ilusión de mezcla perfecta funciona por algunos momentos, despues de los cuales entramos en el ambiente y olvidamos por momentos la pintura. Esto funciona muy bien.

Otra cosa que va bien es el uso de la casa Batlló, de Gaudi. Es interesante como la cámara (y la edición) menten con relación al edifício, para realzar sus cualidades. No es una utilización especialmente brillante del espacio, pero es muy competente: lo que pasa es, tenemos Beckinsale subindo las escaleras que llevan al primero piso, y se queda delante de esa puerta del primero piso. Estas escaleras son muy bonitas, curvan como la espalda de un animal, tenemos una sensación de elevación, al invés de subir unas escaleras. Despues esto es editado, y el espacio interior que obtenemos es del interior del ático, que está construído con arcos que recuerdan las costillas de un animal. Más adelante en el film, tenemos un plano que denuncia la casa por el exterior, y desde el exterior la cámara nos conduce hasta el ático. Aqui se asume que el personaje vive en el ático, no en el primero piso. Esto fue interesante y demonstró un interese específico en jugar con la casa. Una nota paralela es que la película es una buena oportunidad para mirarmos el piso de entrada de la casa, que hoy está contaminado con los hierros que conduzen los turistas, y con los turistas que también llenan el pasillo al redor. Pena… Tengo la teoria que el turismo excesivo está matando y sugando la vida de nuestros mejores sítios del mundo, pero esto es otra discusión.

De cualquer forma, la mirada turística también puede ser observada en los planos que utilizan la ciudad. Aqui también tenemos mentiras, normalmente relacionadas con la intención de obtener planos que denuncien. Esto está mal hecho, creo. No era necesário mirarmos todos los sítios conocidos todo el tiempo. Hay sítios fantásticos y relativamente escondidos en la ciudad que muestran su modo de vida muy mejor que los monumentos. Uno de eses sítios es en verdad utilizado, el mercado St.Antoni (la protagonista vive delante de el). Ese sítio tiene vida, y es bien utilizado en algunas escenas. Pero despues ellos menten sobre la ciudad, asi que tenemos la protagonista caminando desde Batló, hasta la Rambla, la Sagrada Família, el mercado, como si fueran suficientemente cerca unos de los otros para se ir caminando, por la secuencia que he dicho. Es una mentira, y no tengo nada contra eso, pero si tengo contra hacer un postal turístico de la ciudad sin sacar nada útil de eso. Un bueno uso de arquitectura comun es lo que es hecho con la casa de Beckinsale, sus escaleras centrales, y ascensor. El uso del Parque Guëll no es especialmente interesante, excepto por algunos movimientos entre colunas, pero solo eso. Y en ese movimiento, están algunas parejas enrollados, y que estan actuando. Muy pobre, muy artificial, no era necesário, el parque tiene una vida interesante en si mismo.

Mi opinión: 3/5

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Tekon kinkurîto (2006)

«Tekon kinkurîto» (2006)

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He mirado dos películas aqui. Una me interesó mucho, la otra me aburrió.

la ciudad:
Hay ideas visuales muy fuertes detrás de las buenas animaciones japonesas. Esta es una película con dos fuentes, según mi interpretación: una es la própria noción de imagen en la arte y cultura japonesas. La arte japonesa produz ahora y desde hace muchos siglos imagenes que son tan complejas como agradables, tienen conceptos abstracto, pero son viscerales en la forma como conectan con los que las miran. Asi, la arte en Japón (cuando muy buena, y cuando verdaderamente japonesa) tiene esta dupla característica, de ser muy intelectual y muy conectada con el público a que apunta, independientemente de quien es (o donde viene) ese público. Por eso fue relativamente fácil el proceso de universalización de la cultura japonesa (almenos de la ‘imagen’ de esa cultura). Lo que me fascina es como creadores japoneses tan diferentes, de áreas y formas de expresión diferente, consiguen ser tan coerentes entre si, mismo si no están directamente relacionados. La otra fuente aqui viene de una certa forma de expresión que, en el pasado, el cine exploró. Hablo aqui del expresionismo, y la influencia directa que las películas alemanas de los años 20 tuviran en tantas creaciones posteriores. Metropolis es la face mas visible de esta influencia, pero películas como Der Golem tienen hoy aún un fuerte impacto. Esta película es basicamente un producto de estas dos (principales) influencias. Tenemos una ciudad, que es magnífica, colorida pero oscura (y, como los dos personajes principales, ‘negra’ y ‘blanca’). Esta ciudad merece exploración. Es poderosa, y es viusal. Es visual según una perspectiva bidimensional falsa. Eso es porque las imagenes son más basadas en textura, color, y encuadramento, que en distancias tridimensionales, punto de vista, o perspectiva. Asi, esto es más Metropolis que Blade Runner. Pero es falso porque los japoneses son muy fuertes en reduzir los médios sin perder contenido. Es como decir, la profundidad está toda allí, aunque la imagen es aparentemente plana. Asi, esta es una ciudad que merece visita y, sin duda, el punto más fuerte en esta película.

desarrollo narrativo:
Aqui me quedé, por otro lado, muy desapontado. Me aburrió seguir las líneas narrativas aqui. Black y White, la película gira en torna de la conexión entre ellos, y tenemos otras líneas para seguir. El viejo gangster con moralidad, su casi hijo que es forzado a matarlo, y las fuerzas superiores (aquellos que viven en la esfera, sobre tudo y todos). El concepto es muy sencillo, un tipo de ying-yang (como en verdad se muestra en la camiseta de Black), intentando comprender como los opuestos se atraen (y se rejectan) y como la conexión entre eses opuestos crea la relación ‘perfecta’. Pero hube mucho ruído aqui. El tipo de ‘ruído silencioso’, la ciudad oscura pero colorida, no existe en lo que toca a los trucos narrativos y a las histórias. Solo hay un punto de interes, y tiene interes porque es visual y trabaja las posibilidades del médio. Las visiones de White, que el dibuja, se quedan várias veces animaciones, con una expresión totalmente diferente del resto, permitindonos tomarla como algo realmente dibujado por la mano. Esos fuiran momentos poderosos. Pero el resto no fue agradable o interesante para seguir, y en los minutos finales son un lío, precisamente cuando la ciudad desaparece de nuestra mirada, y toda la expresión gráfica cambia para algo que no va bien con todo el resto.

Mi opinión: 3/, miralo por la ciudad…
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Tout va bien (1972)

«Tout va bien» (1972)

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esbozo estructural

Godard siempre me hace pensar. Casi nunca soy indiferente a lo que el hace, con algunas excepciones. Pero muchas veces, la excitación con una película de Godard viene unos dias despues de mirarla. Esta es una de esas situaciones.

El punto de partida es simples, el esta trabajando en la (re)invención estructural de sus films. Con gran probabilidad, en ese momento el seria suficientemente arrogante para creer que estaba reinventando todo el cine (recuerdas el «jean luc cinema godard» de Bande a part?). Bueno, hay conclusiones que han afectado los trabajos de otros autores, pero ni siempre.Creo que este es importante como un marco en el trabajo de Godard, en el cuadro mayor de sus trabajos y es importante mirar en el contexto histórico del cine de entonces. Mucho pasaba en el inizio de los años 70, y la cuestión principal seria, tal vez, clarificar el significado de cine y sus conexiones a la vida real, la cuestión principal que la nouvelle vague llevantó, pero nunca contestó satisfactoriamente. Asi, hay un conjunto de trabajos de este período que creo deberian ser mirados porque representan diferentes abordajes de diferentes contextos a un tema común. Piensa en «F for Fake» de Welles, «The conversation» de Coppola, «La nuit américaine» de Truffaut, o unos años antes, en el «Blow Up» de Antonioni. En la basis de todos estes proyectos (y algunos otros) está, para mi, la preocupación cinematográfica de comprender si el cine representa vida, escenifica vida, o si es pura ficción que puede influenciar la vida. De todos los proyectos que mencioné, este es, tal vez, el menos interesante, pero interesa mirarlo.

El motivo porque creo que este recompensa menos quien lo mira do que los otros de que hablé es porque Godard, en este punto de sua vida, costumbraba arruinar parcialmente sus filme al aburrir el espectador con sus concepciones infatiles y crudas de ideologias políticas. Asi, el no se concentra tanto en el cine como se concentra en la política. Me gusta creer que mismo entonces, el tenia noción de la poca profundidad de las ideas que defendia, pero escogió mantener esa postura para motivar ciertos aspectos estéticos. Asi, en lo que toca al cine:

La película es en si misma una estructura cruda, que contiene várias estructuras crudas en el interior. El resultado es que somos capazes de comprender los mecanismos de todas las cuestiones que miramos: films, política y relaciones personales. De estas 3, la única que importa es la que toca a la creación cinematográfica. Todo es denunciado aqui asi que, en el inizio, tenemos un plano en que alguién firma cheques para pagar servicios que tienen que ver con cine (fotografia, film, guión, etc.), seguido por un diálogo off que traduz, de forma estilizada, el inizio del proceso de realización. Despues tenemos toda una sequencia muy bonita al interior de una fábrica. Tenemos la fábrica en sección, asi que podemos mirar al mismo tiempo al interior de todos los compartimientos (esta denúncia estructural seria utilizada, en diferente contexto, por Lars von Trier en Dogville). Mismo antes de que comprendamos que estamos mirando a un escenário, nunca por un momento nos creemos en la autenticidad de lo que miramos (los colores son los de la bandera francesa). Las actuaciones de los trabajadores son asumidamente teatrales, asi no suspectamos nunca que estamos mirando la vida real capturada. Asi, ficción es anunciada. Como Truffaut en «La nuit américaine», Godard por fin asume que el cine tiene dinámicas próprias que no tienen tanto que ver con la vida, y el papel del cine no es el de capturar la vida, pero crear una vida própria, con conexiones al mundo real, pero también con leyes internas próprias.

Despues, Godard arruina parcialmente la experiencia. El asume el discurso político. El pone, aún en el contexto de la fábrica, vários trabajadores (actores que representan trabajadores, hay que lembrarlo) que sueltan monólogos terriblemente aburridos (al menos para mi, yo no soy un tio del Mayo de 68, los mas viejos que hablen aqui) que tienen que ver con sus derechos y sus quejas. El pone los actores hablando directamente para la cámara, y asume una vez más que se está haciendo una película. Más tarde, el asume que podremos hacer nuestra própria película, cuando pone Montand hablando lado a lado con una cámara apontada a nosotros.

La tercera y de lejos menos desarollado tema es la relación personal entre Fonda y Montand. Esta también es contada tenendo en cuenta la estructura de todo. Asi todo es estilizado, cliché, pero se supone que seya asi. Terminamos la película con várias posibilidades de como una relación como la suya podrá terminar.

Esto es un esbozo cinematográfico, como una demonstración de un film. Me gusta esa actitud, el aspecto «inacabado», la crudeza, el aspecto temporário de la película. Es como si fuiramos parte del proceso. Y en verdad lo somos.

Ah, y hay un plano que, solo, hace la experiencia valer: el plano relativamente famoso del supermercado. Tenemos la cámara moviendose según una línea recta por cerca de 15 minutos, miramos la vida normal del supermercado, cosas que pasan, una pelea «ideológica» escenificada. Solo eso. La cámara va y viene, la línea que sigue es paralela a la línea de las cajas que registran las compras de los clientes. Miramos todo en el nivele de los ojos de los trabajadores de las cajas. Es muy bonito. Es cine, tal vez no cinema de la verdad, pero verdadero cine.

Mi opinión: 4/5

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Una Giornata Particolare (1977)

«Una Giornata Particolare» (1977)

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contención y cine bailante

*** Este comentário puede contenter spoilers ***

Esto está muy bien hecho, una lección en muchos aspectos de encenación en ciney economia de recursos. Scola es alguién que miro como uno querido amigo, por los grandes momentos que ya me dió siempre que descubro los mundos que el crea con sus films. Aqui tenemos una de sus más genuinas composiciones, algo compleja en la forma como las cosas estan hechas para nos llegaren como la cosa simples que en verdade es.

La idea básica es contención. Pocos personajes, uno solo escenário (un patio de un edifício de habitación, con gran probabilidad construido por los fascistas, almenos tiene ese aire monumental). La primera sequencia es esencial: tenemos muchas imagenes reales y narraciones de un dia histórico, el dia en que Hitler visitó a Mussolini en Roma. Miramos paradas militares, cerimónias, toda la descrición, esto lleva unos 5 o 6 minutos, todos con material documental. Asi tenemos un contexto, importante por el aspecto social (más que por el aspecto político) para lo que viene despues.

Despues tenemos nuestros dos personajes, solos y preparados para quedaren. Ellos son, por cierto, personajes tipo, la ama de casa, lavada de cerebro por el fascismo en su pensamiento machista e chauvinista, a pesar de sufrir todos los dias con ese pensamiento. Mastroianni es el librepensador, homosexual y politicamente contra el fascismo. El drama funciona en la perfección, todo es muy intenso, hay muchas cosas que son dichas (y sobretodo sentidas) por nosotros cuando llegamos cerca del final, que es por cierto uno de los más tristes en la história del cine, no tanto por la inevitable conclusión que después de un dia de sueño, todo queda igual, pero por la forma como esto pasa visualmente. Asi, intenté verificar los mecanismos:

. siempre tenemos el rádio al fondo. Este es la voz de la autoridad, la voz del régimen (de notar que el personaje de Mastroianni es una voz de la rádio silenciada por sus ideas políticas y sexuales). El rádio siempre pasa como una sombra del montaje inicial, del mondo negro de entonces;

. tenemos la portera, el resultado cristalizado de la ignorancia asociada a un régimen que manipula (como en verdad todos los régimenes son, seyan totalitários o «democráticos»). Ella siempre recuerda a nuestra pareja donde ellos viven, la «verdad» del mundo, ella es la voz de la ignorancia manipulada.

Estes dos aspectos representan la opresión  y el contexto/mundo cruel y inhumano.

Sobre eso tenemos nuestros heroes, y la interacción entre ellos. Esto no es explicable por palabras: uno tiene que verificarlo. Pero la magia aqui (si, hube verdadera magia de cine aqui) tuve con probabilidad que ver con dos cosas:

. las actuaciones, por Loren y Mastroianni, que fuiran, en mi punto de vista, ideales en lo que representación en cine significa: fuiran intensos como pocas veces miré, y contidos. Muchíssimo pocas veces miré algo asi. Tenemos faces que cambian con sutileza, movimientos tímidos, la coreografia dientro de los apartamentos cuando la interacción ocurre es perfecta.
. la cámara: con esta película, comprendi que Ettore Scola es uno de los mejores herderos (y uno de los que más me gustan) de aquella dulce y bailante cámara que talvez Hitchcock haya inventado y que Godard, Polanski, dePalma y, si, Scola, adoptaran. Verifiquese cada momento. Verifiquese como el patio es explorado, como la mirada voyeur para el apartamento de cada personaje está hecha y, sobretodo, como la cámara se mueve dientro de los apartamentos. Los movimientos tienen que ver con respiración y los sentimientos de los personajes, en una forma próxima talvez a lo que Lumet hice en «12 angry men» (pero aún más significativo aqui, para mi). El abordaje vive de aproximar la representación a la cámara. No hay mecanismos separados. Lo que el actor hace y lo que la cámara hace están conectados en una forma que uno no puede decir quien es más actor: los actores o la cámara. Godard intentó algo asi en su escena en el apartamento de Le Mépria, pero aqui es más emocional y efectiva…

. también es importante hablar de la base estructural. Alguién que comentaba en IMDb referió la relación con las tragédias griegas (en que el rádio hace las veces de coro). Me gustó esa observación. Concordo con ella pero al invés de la contención y racionalidad que las tragédias griegas siempre tienen, creo que hay algo muy más visceral y italiano aqui, que es la influencia de la ópera, en la forma como la história se desarolla, con todo pasando rapidamente, concentrando acciones que en verdad llevan mucho más tiempo a pasar en pequeñas unidades de tiempo. Los italianos saben algo sobre como hacer las emociones surgir. No es esto un homenaje muy más bella al que la Itália tiene para ofrecer que la visión congelada de resurrección romana que Mussolini inventó y intentó esparcir? tu harás tu escoja, yo hice mi escoja.

Mi opinión: 5/5 se quieres experienciar todo lo que el cine ya pude ofrecer, tendrás que mirar a esta.
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Disclosure (1994)

«Disclosure» (1994)

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Malo juego

Hay tres elementos de que voy hablar aqui.

El primero tiene que ver con la escoja de los actores. Michael Douglas está aqui para representar Nick Curran otra vez. Demi Moore se supone que hará de Sharon Stone: mujer atractiva (bueno, Moore solo pretende serlo pero no tiene ninguna de las cualidades de la personalidade que Stone demonstra), a quien le gusta liderar el juego. Douglas puede representar el «hombre en la oscuridad que es manipulado» bien (el es casi el detective noir); Moore es toda sobre pechos, piernas y lingeria, no mucho más. Asi, desde este punto de vista, tenemos soluciones ya utilizadas, que pretendem obtener sucesso comercial con fórmulas ya demasiado miradas.

En segundo lugar, tenemos el dispositivo narrativo. Nos e dicho que la história se desarollará como un juego, que várias partes intentan controlar (Moore, los tios de la corporación, y Douglas que corre intentando alcanzar los otros). Este juego de la «vida real» se desarolla en paralelo con un otro juego virtual, el Arcamax, un juego de realidad virtudal que al final se queda la llave del juego de la «realidad». Esto es un tema comun en la narrativa para cine, pero esta muy mal hecho e denunciado aqui. Y no es muy inteligente, ya que las soluciones para los problemas siempre llegan de pequenõs trucos informáticos (el «vosotros tienem backups?») o coincidencias (el «el telefono estuve conectado todo el tiempo»). No hay ninguna complejidad o inteligencia en toda la construcción.

En tercero lugar, tenemos la «cola» cinematográfica, que es como decir, como todos estes elementos dispersos se quedan juntos. Aqui hablo sobretodo de dirección y algunas otras opciones. Esto es el mejor de la película. Tenemos el elemento interesante de localizar la acción principal en una isla, eso crea la idea de un campo de juego, cuando se entra alli, todo que se hace es parte del juego (al final, hay prémios que son atribuídos). El espacio arquitectónico es interesante, al menos de un punto de vista de la exploración por la cámara. La dirección es firma, Levinson consigue cubrir algunos de los (muchos) fallos que hay aqui. Tenemos un aumento de tensión en algunos puntos, y la escena de semi-sexo está bien hecha. Pero eso es justo lo bueno que tenemos aqui.

Mi puntuación: 2/5 muy pocos elementos interesantes.

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