Archive for the 'Cine y Arquitectura' Category

Harry Potter and the Half-Blood Prince (2009)

“Harry Potter and the Half-Blood Prince” (2009)

potter

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sobre narrativa espacial

Quien haya visto y siga vendo el franchise Harry Potter y piense un poco en ello sabe para donde todo se está encamiñando (o donde se supone). El franchise es invulgarmente longo, para filmes que trabajan una única línea narrativa, aún más cuando la evolución de la edad de los personajes interesa. Empezó hace 8 años, y va a terminar en 2 años (supongo). Asi, tendremos una década con los mismos personajes. Pero más, una década con los mismos espectadores. Ese es el truco, cada filme no intenta cautivar nuevas audiencias, al invés intenta recuperar las que habían visto los filmes anteriores. Claro que nuevos públicos son bien venidos, pero recuperar los regulares (que habían ya empiezado con los libros) parece ser el objectivo principal. Es por eso que cada nuevo filme es más “negro” que el anterior, porque si el primero debería ser apetecible para alguién con, digamos, 10 años, el último deberá cautivar a alguiém con 20. Es una idea interesante, que aparentemente ha permitido que todos los nuevos filmes fueron rentables, a pesar de la longa duración de los personajes. También, supongo, es por eso que Chris Columbus salió después del tercero filme, él tiene una imaginación más calibrada para llegar a los niños, y las “famílias” en el proceso. Cuando Columbus salió, ellos han tenido problemas para sustituilo, y creo que los dos filmes antes de este son desastres absolutos. Especificamente el último, es una desgracia total en todos los temas. Bueno, Yates lo habrá mirado muchas veces, y compensó parcialmente las cosas aqui.
Lo que tenemos en este nuevo episódio mejor de lo que teníamos en los últimos dos es una cierta construcción de la tensión entre cada escena. Ellos han comprendido bien que no tienen drama poderoso entre sus manos, los libros son demonstraciones curiosas de pedazos de mitologia atractivos, pero estan enraizados en la aventura y fantasia adolescentes, y eso no puede cambiarse. Asi, han escrito el filme de acuerdo con las posibilidades que tenían. Eso lo hace tolerable en esos temas. Bueno, la forma más ampla simplesmente no existe. El filme es una colección de capítulos sueltos, las conexiones ténues que el libro (supongo) da no están aqui y por eso el filme funciona simplesmente como ilustración de ciertos momentos en la história. Pero en general, cada episódio está hecho de forma competente.

Pero hay algo que realmente está muy bien. Es una exibición de espacio a través de la elección del encuadramiento. Lo que quiero decir es que el espacio está presente, es utilizado como un importante (lo más importante) manipulador de las dinámicas dramáticas, y eso significa que cada escena tiene una vida própria por la forma como está encuadrada, En el espacio. Yo colecciono ejemplos de como el espacio es utilizado en cine y este es un bueno ejemplo, que utiliza el espacio de una forma rara, a través del encuadramiento. La magia está en la posición exacta en primero y último plano de elementos (objectos, elementos de arquitectura como paredes o puertas) asi como en la forma como los personajes surgen en el espacio (y donde). El filme está suficientemente bueno. La verdadera tensión en las escenas está en la forma como el escenario es utilizado espacialmente. Como espectadores, somos llevados a creer que es la historia, los diálogos entre los personajes que nos hacen sentir poco cómodos, o arrebatados, pero es el espacio, aqui manipulado por el encuadramiento.

Asi, en las 6 películas que tenemos hasta ahora, hay 2 que interesan por la forma como usan el espacio: el Azkaban de Cuarón y este. Cuarón es un tipo que permanentemente se muevo en el espacio y a través del espacio, pendurado en personajes o sin raízes, simplesmente por el espacio en si. Esta versión depende de la encenación del espacio, de encontrar en encuadre significativo (en este caso en un espacio que puede y fue previamente pensado). Personalmente, yo prefiero lo que Cuarón hace, pero me gustó bastante esta versión, y me sorprendió por la positiva. (Orson Welles domina los dos tipos de exploración, y puede hacer los dos en la misma película, cambiando el modo! eso es único).

Mi opinión: 4/5

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Blindness (2008)

“Blindness” (2008)

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Fantasporto
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blanco espacial

En determinados puntos de sus vidas, muchos artistas sienten la necesidade de descer hasta los abismos de la degradación humana, de la ausencia de humanidad (o cambios de valores radicales). Son las catacombas de Piranesi, el infierno de Dante. Creo que el intento básico de este tipo de viajes no es tanto imaginar una realidad posible donde podríamos vivir sino espejar nuestra própria realidad, las partes podridas de nuestras existencias tantas veces ridículas. Exagero es un truco que los artistas varias veces utilizan para realzar lo que quieren decir. Blindness, la novella, fue la descida de Saramago, la pieza más negra de un pesimista negro y irónico (o un optimista de una otra humanidad). Meirelles, que había anteriormente hecho 2 películas negras, utiliza el libro para hacer su descida. Por curiosidad, él admitió que quería adaptar el libro y no lo pudo hacer, y luego dirigió Ciudad de Dios. La mezcla de ideas y mentes creativas es muy poderosa aqui, y el efecto realmente es lo que se pretendia. Esto es una representación bien hecha de un infierno posible, de una realidad posible, o de nuestra própria realidad (?).

Antes de avanzar para la película, debería decir algo. Hay un pequeño documental brasileño, practicamente desconocido. Se llama “Janela da Alma”. Tiene que ver con visión, claro, con observación, sobre lo que significa para un conjunto de artistas mirar, ver. Utilizar los ojos para abrazar el mundo, y expresar sentimientos. Entre otras personas interesantes y artistas que colaboran, hablo de 2: uno es Saramago, él escritor de la novella de esta película. El otro es un fotógrafo ciego (me olvidé su nombre) que fotografa por intuición, obviamente sin se preocupar con el resultado final que él no puede ver, pero haciendo fotografias como un médio de llegar hasta el mundo. Es un concepto formidable, se piensas en ello. Recomendo que mires ese documental, antes o despues de este film. Podrás encontrar cosas interesantes en ello. Hay incluso una escena en este film en que el personaje de Ruffalo fotografa, por “intuición de ciego” como él mismo dice.

(posible spoiler)

Los arcos dramáticos aqui son semellantes a lo que tenemos en Irreversible. Aterrisamos directamente en el infierno, tan negro cuanto posible, desde el inizio, y subimos las escaleras en dirección a la luz. Por eso en este film no tenemos un prelúdio de lo que va a pasar. Es un truco poderos porque no nos permite ser racionales, como espectadores sentimonos tan en las oscuras como alguién que de repente pierde su capacidad de ver.

Basicamente, la película es un estudio de como la civilización seria sin uno de sus pilares básicos, la visión. “que pasaría si…?”. Es simples y eficiente y, porque lida con visión, y el juego de sacarla, es puramente cinematográfica, literalmente visual. Meirelles obviamente lo comprendió, y por eso quizo adaptarlo desde el inizio. Todo lo que pasa es la consequencia de no ver. Várias cosas pueden sacarse de aqui: después de el choque inicial de la pierda de visión, las personas se adaptan, y crean conflictos, hierarquias, nuevos conflictos y nuevas hierarquias, pero se supone que nos identificamos con lo que vemos (y si tienes consciencia lo harás). Nuevos grupos son formados, nuevas amistades, nuevas “famílias”.

Meirelles es un director muy bisual. Aqui, él es muy más alguién que “encuadra” que en sus películas anteriores, donde sus capacidades estaban más en el ritmo (edición). Bueno, aqui tenemos trozos muy buenos de edición, luego desde el inizio. Pero es muy más arquitectónico en su abordaje. Al final, el tema de pierda de visión y relación consequente con el mundo es puramente espacial. Es una cuestión de relacionarnos con un mundo hecho para verlo. Sendo un arquitecto ello mismo, ciertamente Meirells lo aprecia más y mejor que otros directores.

Asi, el juego visual que el juega es espacio, y colores (n&b). La fotografia es muy depurada, contrastando cuando tiene que contrastar, pero sobretodo desarrollada al redor de imagenes super expuestas, casi blancas, y la oscuridad total, que realmente tenemos durante unos 30 segundos en una escena específica, cuando Julianne Moore busca comida en un sótano.

Las actuaciones son buenas, Julianne Moore está en el topo del juego en la forma como es intensa sin explodir demasiado, y en como nos enseña una superfície mientre sugere que hay otras faces en su personaje. Asi, ella lidera, literalmente en la história, ya que es la única que puede ver. Todos los otros juegan el juego, excepto McKellen, que suena simplesmente arrogante como actor, el tipo que cree que el film (y todos los films) son sobre actores. Extraño, ya que él también fue un argumentista en esta película. El personaje de Glover fue interpretado por Meirelles como un alter-ego de Saramago. Su actuación es muy buena, a pesar de limitada en tiempo, y la voz off tiene el tono cierto. Una curiosidad interesante es que cuando lo vemos por primera vez, él escucha un rádio, y lo que escucha es portugués europeu. La voz off de Glover y ese radio son los detalles que Meirelles utiliza para decirnos quien es su narrador designado, la presencia de Saramago en la pantalla.

Meirelles dice que versiones anteriores de la película tenian un efecto más repulsivo, más negro y chocante, pero por influencia del estudo, él suavizó la versión final. Creo que podría haber sido más duro en ese punto. La história toda tenía también que ver con eso.

Mi opinión: 4/5 esto no cambió mi vida, pero ciertamente creó una marca en ella que durará.

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Number Seventeen (1932)

“Number Seventeen” (1932)

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3 visiones

Si esta hubiera sido la última película de Hitchcock, tendría solo un pequeño interes historico hoy. Pero como él siguió y dirigió otros films como Rope o Rear Window, esta pequeña pieza (y otras) quedan muy importantes para que uno pueda comprender donde su cámara curiosa empiezó.

Quiero mirar otras películas de Hitch de esta fase, pero ahora mismo, para mis ojos, en este momento él estaba muy conectado a dos concepcions visuales existentes, y intentando crear su própria.

Asi tenemos contrastes fuertes, donde las sombras dibujan acciones, o objectos o mismo personajes y eso define el ambiente de lo que pasa, seguindo el expresionismo alemán (que más tarde sería el suporte perfecto para las construcciones narrativas del film noir). En este campo, Hitch no es un génio, pero dominó bastante bien las herramientas. Esto existe en la primera parte del film, en la casa.

Él también sigue Eisenstein, y la sección de tren es una montaje muy buena. Él utiliza los modelos muy bien, y la edición tiene buen ritmo y equilíbrio. También aqui él es competente.

Pero lo mejor es lo que tenemos en la primera parte de la peli: el movimiento de cámara. Creo que él elegió esa casa con ese pozo de escalera para poder jugar con lo que le interesaba más. La cámara muevese y explora espacio, la escena donde el detective (y nosotros) entra en la casa por la primera vez es una demonstración adelantada de lo que la ‘fase Rope’ hiba a traer. La primera tercera parte del film es basicamente subir y bajar escaleras, descubrindo cosas, y explorarlas con la cámara.

Su estratégia ‘McGuffin’ es una confusión aqui, él aún no era capaz de hacer un enredo suficientemente simples y eficiente para hacernos olvidarlo y concentrar en lo que él hacía en el ojo. Es confuso, y tan complejo (tantos personajes desnecesários!) que nos puede hacer intentar encontrar un significado para todo. Bueno, yo no lo hice, y lo miré por la manipulación visual que Hitch hace.

Este film está quebrado en pedazos (empiezando con el enredo) y dividido por tendencias cinematográficas. Cada pedazo es competente, pero el resultado final es bastante confuso. Bueno, él estaba experimentando.

Mi opinión: 2/5

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Batman Begins (2005)

“Batman Begins” (2005)

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Entrar en la película

Nolan y Bale son unos de los directores-actores que más me interesa seguir estos dias. Ahora mismo ellos hacen una buena pareja, y para allá de los dos Batman renovados (de los cuales yo solo he visto este), han hecho el muy bueno Prestige. Esta pareja por si solo hace este proyecto interesante para mi.

Lo que hiciron aqui fue ambicioso, sério y sin tantos fallos. Aparentemente Nolan realmente queria entrar en esto, y fue ello quien abordó Warner Bros. para tener el trabajo. Él sabia que podia traer algo nuevo a la película de superheroes, y probablemente Batman era el mejor personaje para hacer esto. Esto porque es un heroi que se hizo a si mismo, no fue creado por accidente, y en el proceso de creación de su máscara (que es Batman o Wayne?) hay una cuestión de procura de uno mismo, al contrário de, por ejemplo, IronMan, que juega a la ciencia con su proprio cuerpo. Asi, en la visión de Nolan, necesitamos un actor que pueda actuar, y necesitamos vários trucos cinematográficos y de concepción para hacerlo funcionar. Los tenemos todos apuntados aqui, a pesar de no con sucesso total. Se miramos el top 250 de IMDb, que, mientras escribo, pone Dark Knight en cuarto lugar, él probablemente solucionó los problemas. Pero por otro lado, Shawshank Redemption está en primero puesto.

ciudad: la concepción de esto tiene mucho que ver con la ciudad en si. Hay claramente la intención de crear algo diferente de las películas anteriores – “realista”, en las palabras de Nolan. Asi, esto está hecho sobre Chicago, algo que podemos reconocer, y tiene un manto negro sobre eso, de decadencia, falencia social, corrupción. Los espacios so bien explorados, y utilizados para el truco cinematográfico de que hablaré.

Una queja: Gothan City costumbraba ser El Mundo, en Batman. No sentíamos siquiera que había un mundo fuera de ella, era auto suficiente, y equilibrada, como un mundo cierrado donde todo nace. Lamento que no pudieran conservarla asi.

cine: si excluímos las secuencias hollywoodenses de Wayne entrenando, Wayne aprendiendo, Wayne creando ropa y encontrando lugares, hay algo muy bueno por el lado cinematográfico. El enredo principal juega alredor de una “liga de las sombras” que intenta distribuir un gás alucinogénico por la ciudad. Ese veneno hace que las personas vean todo volverse sus peores miedos. Ellos pierden el sentido de la realidad, y empiezan a fraccionar su propria visión, y a no comprender/exagerar lo que miran. La edición y ritmo del film están hechos para suportar esto, asi que en los trozos más actives, sentimos la película como las personas de Gotham probablemente sentian lo que miraban. Tornamonos espectadores activos, y eso es formidable. Solo se siente en algunos pedazos, y eso es un fallo. La mayoria del tiempo pasa construyendo el mundo del murciélago, y aprofundizando la personalidad de Wayne. Me gustaría haber tenido más de los trozos alucinogénicos, pero elijo algunas secuencias de esta película para mirar várias veces. Christian Bale está en esto viaje, él sabe lo que pasa, y permite que eso pase. Muy bueno trabajo. Esto es lo que el cine está haciendo de nuevo hoy. Hacernos parte del juego.

Mi opinión: 4/5

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Das Leben der Anderen (2006)

“Das Leben der Anderen” (2006)

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motivos para ser Humano

Uno de los pensadores vivos que más admiro es George Steiner. Él es un hombre de gran inteligencia porque sabe porque el conocimiento es importante, y porque es importante Conocer. Entre los muchos temas que han sido una constante en su vida, uno está comigo todo el tiempo desde que Steiner me lo enseñó: la brutal contradicción entre las acciones humanas, o como él lo pondría, como puede alguién llorar comovido por la noche, tocado por una sonata de Schubert, y la mañana seguinte ordenar friamente el asasínio de millares de personas.

Este tema fundamental estuvo vivo en mi mente todo el tiempo, en esta película feliz y deprimente. Incluso hay una referencia directa a esta cuestión en ella. Asi, el tema aqui es como los significados de la arte, o la simples referencia a ella puede influenciar una mente entrenada para No se influenciada y mecanicamente No se comportar de forma humana. Mentes entrenadas para confiar en lo que les enseñan.

La forma como esto está montado es una de las construcciones cinematográficas más sutiles que he visto. El enfoque está en los artistas, reprimidos, subjugados por un regimen represivo. En el mundo encuadrado en la película todo pasa alredor de ellos. Esos artistas son observados, constantemente. Nosotros los miramos, y al mirarlos tenemos la compañia de alguién cuyo trabajo es literalmente mirar. Él empieza con una fria inhumanidad (la primera escena lo asegura), observación obsessiva, que él regimen de entonces probablemente consideraria simplesmente ‘profesional’.

En el proceso, él se involve con el sujeto de su observación (vidas modeladas por la arte). Várias cosas subrayan esto: la Arte cambia su mente hasta que él juega duplo y empieza a escribir una história inventada para proteger la história real que el escritor está escribindo; él roba un libro de la casa que está observando, y lo le en segredo en su casa; él pide a una prostituta para quedarse más tiempo con él de lo que el acuerdo suponia, basicamente para tener más que sexo. Por fin, él cambia el final de toda la história cuando esconde un objecto prohibido (una máquina de escribir!) y asi secretamente entra y cambia la vida del artista.

Esto es una expresión perfecta del peligro que el verdadero compromiso con la verdadera arte, la que abarca ideas que interesan.

La cámara es sutil, muevese casi todo el tiempo, su movimiento no concentra atenciones, pero siempre adiciona algo a la tensión del momento, sobretodo con travelings sutiles. Y mira el uso del espacio. Mira como el interior del apartamento es utilizado, como la cinematografia cuidadosamente captura todas las nuances y como ellas aumentan y diminuen el espacio, de acuerdo con lo que los personajes sienten. Despues mira como la humanidad de ese ambiente colorido contrasta con el atico donde el observador está, y como el reconstruye abstractamente el espacio de abajo, por sus sonidos.

Ulrich Mühe realmente tuvo una actuación comovedora y inteligente. Es muy triste que nos haya dejado tan temprano, aqui realmente vale la pena mirarlo, y él actua en el campo que más me impresiona: él de la sutileza, él tipo de actuación que saca mucha expresión con movimientos imperceptibles. Mucho de eso está en su face, tantas veces cuidadosamente encuadrada.

La conclusión de esto pasa cuando el artista escribe un libro, supuestamente sobre la historia que hemos visto. Como si la película hubiera sido hecha através de ese libro. Tuve suerte en mirar esta película. Que privilégio.

La mayoria de las veces, aprecio un film por sus cualidades como un veículo para nuevas/interesantes formas de pasar una história, o por como su cualidad/presentación visual me dá temas para mis sueños. Esta funciona en estos dos aspectos, pero hazlo en un tema que interesa. Eso es tan raro.

Mi opinión: 5/5 mirala, si quieres sentirte más humano.

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Uncovered (1994)

“Uncovered” (1994)

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Kate y Barcelona

Esta es una experiencia que compensa, a pesar de los muchos fallos de la película. Es un trabajo débil en casi todas las características que se puedan pensar, relacionados con técnica cinematográfica, y expresión:

Las actuaciones son infantiles, esto aplicase a practicamente todos los participantes, con la excepción de Beckinsale, ella se mueve de una forma ingénua y algo masculina, pero desprende sensualidad, ella concientra atenciones, sin tener excesiva consciencia de eso. Ella lo hace bien. El resto es muy flojo. La edición tampoco ayuda. Lo necesário para la montagen en una película como esta no es muy difícil de conseguir. Solo tienen que contar acciones físicas, lineares y comunes. A pesar de eso hay transiciones, problemas de continuidade básicos que no son bien resueltos, expresiones de cara que cambian, y por allí. La música tampoco está bien colocada, es una mala banda sonora en su próprio valor musical, pero sobretodo en el ambiente que transcurre. Las referencias tribales no eran necesárias, y con este tipo de história, de influencia noir, estaria bien una música que pudiera conectar los escenários y las evoluciones de la história.

Pero hay 3 cosas que hacen merecer la experiencia. Una es la estructura narrativa, como la história se desarrolla. El film está basado en un libro de Pérez-Reverte, el hombre que escribió Ninth Gate. Asi tenemos una fusión de arte y vida, la história delante de nosotros fue “escrita” o determinada muchos años antes, por un artista, aqui un pintor. La primera escena es de maestro en la forma como transmite esto, realmente fue una de las primeras escenas más significantes y económicas que ya he visto. Basicamente empieza con un gran plano de una mano en una pintura (la mano como sinónimo de poder, capacidade para hacer cosas), y allí la cámara recua (se mueve, no es un zoom out) y obtenemos la sensación de la borda de la pintura, mezclada completamente con el ambiente “real” que la rodea. Esta ilusión de mezcla perfecta funciona por algunos momentos, despues de los cuales entramos en el ambiente y olvidamos por momentos la pintura. Esto funciona muy bien.

Otra cosa que va bien es el uso de la casa Batlló, de Gaudi. Es interesante como la cámara (y la edición) menten con relación al edifício, para realzar sus cualidades. No es una utilización especialmente brillante del espacio, pero es muy competente: lo que pasa es, tenemos Beckinsale subindo las escaleras que llevan al primero piso, y se queda delante de esa puerta del primero piso. Estas escaleras son muy bonitas, curvan como la espalda de un animal, tenemos una sensación de elevación, al invés de subir unas escaleras. Despues esto es editado, y el espacio interior que obtenemos es del interior del ático, que está construído con arcos que recuerdan las costillas de un animal. Más adelante en el film, tenemos un plano que denuncia la casa por el exterior, y desde el exterior la cámara nos conduce hasta el ático. Aqui se asume que el personaje vive en el ático, no en el primero piso. Esto fue interesante y demonstró un interese específico en jugar con la casa. Una nota paralela es que la película es una buena oportunidad para mirarmos el piso de entrada de la casa, que hoy está contaminado con los hierros que conduzen los turistas, y con los turistas que también llenan el pasillo al redor. Pena… Tengo la teoria que el turismo excesivo está matando y sugando la vida de nuestros mejores sítios del mundo, pero esto es otra discusión.

De cualquer forma, la mirada turística también puede ser observada en los planos que utilizan la ciudad. Aqui también tenemos mentiras, normalmente relacionadas con la intención de obtener planos que denuncien. Esto está mal hecho, creo. No era necesário mirarmos todos los sítios conocidos todo el tiempo. Hay sítios fantásticos y relativamente escondidos en la ciudad que muestran su modo de vida muy mejor que los monumentos. Uno de eses sítios es en verdad utilizado, el mercado St.Antoni (la protagonista vive delante de el). Ese sítio tiene vida, y es bien utilizado en algunas escenas. Pero despues ellos menten sobre la ciudad, asi que tenemos la protagonista caminando desde Batló, hasta la Rambla, la Sagrada Família, el mercado, como si fueran suficientemente cerca unos de los otros para se ir caminando, por la secuencia que he dicho. Es una mentira, y no tengo nada contra eso, pero si tengo contra hacer un postal turístico de la ciudad sin sacar nada útil de eso. Un bueno uso de arquitectura comun es lo que es hecho con la casa de Beckinsale, sus escaleras centrales, y ascensor. El uso del Parque Guëll no es especialmente interesante, excepto por algunos movimientos entre colunas, pero solo eso. Y en ese movimiento, están algunas parejas enrollados, y que estan actuando. Muy pobre, muy artificial, no era necesário, el parque tiene una vida interesante en si mismo.

Mi opinión: 3/5

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Tekon kinkurîto (2006)

“Tekon kinkurîto” (2006)

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He mirado dos películas aqui. Una me interesó mucho, la otra me aburrió.

la ciudad:
Hay ideas visuales muy fuertes detrás de las buenas animaciones japonesas. Esta es una película con dos fuentes, según mi interpretación: una es la própria noción de imagen en la arte y cultura japonesas. La arte japonesa produz ahora y desde hace muchos siglos imagenes que son tan complejas como agradables, tienen conceptos abstracto, pero son viscerales en la forma como conectan con los que las miran. Asi, la arte en Japón (cuando muy buena, y cuando verdaderamente japonesa) tiene esta dupla característica, de ser muy intelectual y muy conectada con el público a que apunta, independientemente de quien es (o donde viene) ese público. Por eso fue relativamente fácil el proceso de universalización de la cultura japonesa (almenos de la ‘imagen’ de esa cultura). Lo que me fascina es como creadores japoneses tan diferentes, de áreas y formas de expresión diferente, consiguen ser tan coerentes entre si, mismo si no están directamente relacionados. La otra fuente aqui viene de una certa forma de expresión que, en el pasado, el cine exploró. Hablo aqui del expresionismo, y la influencia directa que las películas alemanas de los años 20 tuviran en tantas creaciones posteriores. Metropolis es la face mas visible de esta influencia, pero películas como Der Golem tienen hoy aún un fuerte impacto. Esta película es basicamente un producto de estas dos (principales) influencias. Tenemos una ciudad, que es magnífica, colorida pero oscura (y, como los dos personajes principales, ‘negra’ y ‘blanca’). Esta ciudad merece exploración. Es poderosa, y es viusal. Es visual según una perspectiva bidimensional falsa. Eso es porque las imagenes son más basadas en textura, color, y encuadramento, que en distancias tridimensionales, punto de vista, o perspectiva. Asi, esto es más Metropolis que Blade Runner. Pero es falso porque los japoneses son muy fuertes en reduzir los médios sin perder contenido. Es como decir, la profundidad está toda allí, aunque la imagen es aparentemente plana. Asi, esta es una ciudad que merece visita y, sin duda, el punto más fuerte en esta película.

desarrollo narrativo:
Aqui me quedé, por otro lado, muy desapontado. Me aburrió seguir las líneas narrativas aqui. Black y White, la película gira en torna de la conexión entre ellos, y tenemos otras líneas para seguir. El viejo gangster con moralidad, su casi hijo que es forzado a matarlo, y las fuerzas superiores (aquellos que viven en la esfera, sobre tudo y todos). El concepto es muy sencillo, un tipo de ying-yang (como en verdad se muestra en la camiseta de Black), intentando comprender como los opuestos se atraen (y se rejectan) y como la conexión entre eses opuestos crea la relación ‘perfecta’. Pero hube mucho ruído aqui. El tipo de ‘ruído silencioso’, la ciudad oscura pero colorida, no existe en lo que toca a los trucos narrativos y a las histórias. Solo hay un punto de interes, y tiene interes porque es visual y trabaja las posibilidades del médio. Las visiones de White, que el dibuja, se quedan várias veces animaciones, con una expresión totalmente diferente del resto, permitindonos tomarla como algo realmente dibujado por la mano. Esos fuiran momentos poderosos. Pero el resto no fue agradable o interesante para seguir, y en los minutos finales son un lío, precisamente cuando la ciudad desaparece de nuestra mirada, y toda la expresión gráfica cambia para algo que no va bien con todo el resto.

Mi opinión: 3/, miralo por la ciudad…
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Destaques

Una de las películas que mas espero; sobre un libro de Saramago, dirigido por Meirelles, con Julianne Moore. Mira Diário de Blindness, mantenido por Meirelles (en portugués)