Cape Fear (1962)

«Cape Fear» (1962)

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viejas jarras

Remakes, o películas que son rehechas, son una buena experiencia simplesmente por este facto. Si has visto ambas, puedes mirar 2 filmes en paralelo, y el filme reflexivo que es imaginar como la segunda fue hecha, lo que estaba en la cabeza de los que hicieron la segunda. Asi fue como miré este. Había visto ya el remake de Scorcese, y desde ese momento no podría más mirar este original solo, isolado. Solo puedo imaginar.

Pero imaginé lo que estaría Scorcese pensando. Creo que su intención no era otra sino actualizar, y llenar las pistas que el original abría. Todo es más gráfico en 1991, claro, asi Scorcese actualiza la violencia, y enseña lo que las audiencias en 1962 solo estaban preparadas para suponer. Pero la gran alteración que hace Scorcese es introduzir la tensión sexual entre Max Cady y la hija. Juliette Lewis realmente impresiona. En este original tenemos el deseo sexual del personaje de Mitchum, pero es unilateral, una simples atracción de una mente sucía hacía una niña inocente. Y esa es basicamente la cuestión:

en esta vieja versión todo es una cuestión de bueno-malo. Es un abordaje más pobre (incluso los motivos para la venganza son menos duvidosos que en la versión de Scorcese). Bueno, los actores también son menos flexibles de lo que pedimos hoy de un bueno actor moderno. Peck y Mitchum nacieron ambos artisticamente en un contexto en que el «personaje» era algo que hacía parte de sus personalidades públicas como «estrellas» tanto como de sus personajes. Asi, las actuaciones por si mismas son rígidas, y muy limitadas. Ambos están aqui para exibir sus personajes públicos. Asi, por ejemplo, si consideras el personaje de Mitchum, él no intenta convencer la audiencia de un cierto tipo de maldad sofisticada. Al invés él nos da un perfume de maldade y brutalidade, al mismo tiempo que intenta ser él mismo: el «Hombre» seductor y algo bruto. Peck tiene su vida más facilitada, ya que se supone que nos gusta; solo tiene que ser él mismo.

Este es un filme que perdió las ambiguidades y buscas morales del filme noir original, pero sin llegar a nuevas etapas, que incluyen actuaciones modernas (el efecto Brando no se aplicaba a estes tíos) y nuevas formas de construir narrativa. Asi, para mi, suena bastante desactualizado, y no me dice mucho.

Mi opinión: 2/5

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The Man Who Knew Too Much (1956)

«The Man Who Knew Too Much» (1956)

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música ES cine

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No he visto el original. Solo pequeños pedazos de material que encontré en los extras del DVD de este.

Puedo solo imaginar un motivo porque Hitchcock querría rehacer esta película, y eso es la música. En el original, él no podia contar con Herrmann. Con él, Hitch sabia que podría hacer la secuencia del Albert Hall realmente profunda. Y la escena es realmente poderosa, y totalmente apoyada en la música. Tenemos la tensión de saber lo que va a pasar, o lo que se supone. Seguimos 4 líneas: Doris Day, intentando evitar un crímen, el asesino potencial y lo que hace él, James Stewart que intenta llegar allí, comprendendo todo lo que pasa y más importante, la música en si misma, que es en verdad literalmente filmada en un dado momento (la partitura, que la cámara sigue con el desarollar de la música). Esta cuarta línea, claro, envolve las otras 3, marca el ritmo y se queda en si misma un manipulador de la narrativa ya que todo pasa bajo el sonido de la música. Este es un concepto realmente poderoso que está perfectamente construído aqui, y que es un esfuerzo coordinado de Hitchcock y Herrmann, uno de sus mejores momentos, ellos que tuvieron tantos… Mira especialmente como la música conduce las acciones de Stewart mismo cuando él no está todavia en el Albert Hall. Como la edición ayuda, ya que seguimos Stewart por los pasillos, fuera de la sala de concierto, cuando él habla a las personas y intenta encontrar su camino hasta el asesino; nosotros sentimos lo que la música nos permite sentir. Toda la secuencia es un pedazo perfecto de adecuación entre filme y música, y luego, un pedazo perfecto de creación colectiva. Vale la pena mirarlo solo por eso. Esto es, supongo, donde Coppolla sacó el poderoso final de su trilogia El Padrino, a pesar de él lo hacer allí aún más teatral (literalmente). Bueno, él estaba trabajando con una ópera italiana, de un tipo aún más artificial que otras óperas italianas.

Más adelante, tenemos otro intento de desarollar una escena conduzida por la música. En la embajada, cuando Doris Day canta para que su hijo la acompañe y su padre lo pueda encontrar. Esa escena está preparada desde el inizio, desde el momento en que el suspense era solo una promesa. Probablemente, Day fue elegida para la película precisamente porque era cantora, ya que ella no pertenece al tipo de actriz y presencia física que Hitchcock buscaba en esos días para sus películas. El pedazo «Que será será» no tiene la mitad de la fuerza de la secuencia del Albert Hall, y pierde aún más porque pasa justo después. Logicamente, el Albert Hall podría haber terminado la película, pero creo que Hitch querría que vivieramos un poco en el rescaldo de esa secuencia.

De todas formas, el resto del filme construye de forma competente el contexto del Albert Hall, si uno puede evitar preguntarse demasiadas cuestiones sobre lo que no está bien con la historia. Excepto por la escena, esto está bajo la média de Hitchcock, para mi. Pero miralo.

Mi opinión: 3/5

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Slumdog Millionaire (2008)

«Slumdog Millionaire» (2008)

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cine transatlantico

Creo que hay dos niveles de observación que podemos considerar en este filme.

Uno consiste en mirarlo como una pequeña parte de algo más grande. Esa otra cosa seria la posibilidad de hacer de este experimento una cierta regla en los filmes. La cresciente proximidad entre Bolly y Hollywood, la posibilidade de que empiezemos a tener filmes conectados financeramente, tematicamente (y culturalmente) por esta proximidad. Si consideramos esta abordaje, entonces el hecho de esta película haya sido tan celebrada por los agentes llave de promoción de las películas americanas (premios) seria un sinal de esta nueva era. Creo que el otro nivel de aproximación que propongo podrá, en parte, confirmar este:

este es un filme que catalogo como «ascendente», que basicamente significa que empiezamos en el infierno, y subimos las escaleras de sufrimiento en el curso de la película, hasta llegarmos al cielo. Una espécie de dinámica invertida, que hemos visto ya en Cidade de Deus, Blindness o Irreversible (donde el arco está literalmente invertido). Aqui, Danny Boyle coge los experimentos de Meirelles en las favelas de Brasil, y produz su própria versión. Boyle confia más en encuadramientos y trabajo/posición de cámara. Las películas de Meirelles son, antes de más, pedazos brillantes de edición. Asi, por el lado visual, tenemos diferentes abordajes pero que intentan llegar al mismo objectivo, que es ponernos en la favela, explorando, con una mirada frenética la oscuridad de esas vidas diárias. Este filme es genial en ese respecto. A pesar de eso, con su progresión, sale de la favela, y las opciones cinematográficas contestan a esto, asi que el ritmo baja, y poco a poco llegamos al final romantico de Bollywood. El amor es la recompensa por el sufrimiento, en este mundo que sabemos, ahora, que era una fantasia. Asi, Bollywood se encuentra con ciertas ideas de cine oscuro. Te acuerdas de mi primera aproximación?

Mi opinión: 4/5

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The Shoes of the Fisherman (1968)

«The Shoes of the Fisherman» (1968)

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propaganda y vida real

Uno tiene que admirar la forma inteligente como esta historia antecipa la realidad. La comprensión que un «infiltrado» del otro lado de la cortina, en la posición y con el poder ciertos podría hacer la diferencia en la conclusión de la guerra fria.

Bueno, mucho de lo que vemos es lavaje cerebral romántica. El cliché del hombre bueno, con buenas intenciones y humilde que, a pesar de estar en el topo del mundo y del liderazgo político, aún se mantiene como un faro del amor y de las vidas de los desfavorecidos. Por eso tenemos trozos con el papa vivindo una vida normal, en la ciudad «real» y sobretodo, tenemos la escena final, que imita «el gran dictador». Pero con Chaplin, teníamos Realmente un artista comprometido, alguién que, en ese momento, se preocupaba bastante con lo que defendia, que arriesgó lo que era como celebridad y incluso como artista solo para pasar su mensaje, de verdadera humanidad. Aqui, tenemos una maquinación preversa de la historia (no he leído el libro, esto se refiere solo a la película). Asi, el discurso final debería sonar, y quizás suene, como el grito de rebelión de un hombre que intenta y quebra las cadenas de los intereses superiores, en favor de los desfavorecidos. Pero en si mismo esto es parte de un esquema que permite el lavaje cerebral de esos desfavorecidos, y la colocación de la Iglesia como el líder superior, espiritual. Bueno, los intereses de la iglesia en lo que toca a la guerra fria y después eran políticos, mundanos, no altruístas. No allí ni en alguna situación en sus 2000 años de historia.

Pero es notable (y supongo que esto va para el escritor) la precisión de la predicción. Como ha él assumido que un papa saldría de las cadenas de sufrimiento de la unión soviética? Sabría algo? Como pudo él crear la biografia de un hombre que realmente acuerda a Juan Pablo II? Eso es notable.

Las opciones cinematográficas son buenas. El filme es muy texturado, muchas cosas fueron grabadas en locales reales, y realmente juega con los colores, y las texturas de los espacios interiores del Vaticano, me sorprendió las preocupaciones visuales allí. Também me interesó el uso de imagenes reales repetidamente, siempre que (supongo) había la necessidad de enseñar personas «reales» en la plaza de S.Pedro. Si eso fue una necessidad de presupuesto o una opción pensada, no lo se, pero el hecho es que esos momentos con imagenes reales hicieron toda la construcción deslizar hasta una sensación deliciosa de documental que, si uno le sobrepone los últimos 30 años de historia, harán esto un trabajo mucho más fuerte. Para realzar esto, tenemos un contador de historias designado, un reporter que literalmente nos cuenta los factos, desde un punto de vista público. Ese reporter tiene también una historia personal, que seguimos, y que se mezcla con la historia del papa en un cierto momento. Eso no es inocente.

Bueno, uno puede elegir realzar la cualidad de la construcción cinematográfica, y como es probablemente más poderosa hoy que era en sus dia, por los factos que conocemos hoy. O uno puede simplesmente quedarse con el hecho que filmes como este son propaganda disfrazada, y que intentan moldar las opiniones de las personas sin se assumiren como propaganda. Yo he sacado esa nota, pero me gustó la experiencia.

Mi opinión: 3/5

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«Equador» (#1.15) (2009)

«Equador» Episodio #1.15 (2009)

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exílio

Estoy comentando este episódio y pedazos de algunos otros.

Esto es triste. Triste de mirar, miserablemente malo en todo, desde el enredo básico, hasta la mediocridade básica a que esto intenta llegar y que ayuda a moldar.

Esto es un conjunto de postales que ilustran situaciones vulgares, historias formatadas. No hay ninguno tipo de questiones levantadas sobre cualquier tema, visual, narrativo, «historico».  Los escenarios son vistosos y malas ilusiones de «historia», pero lo que vemos es en verdad millares de series de tv anteriores, y mala literatura, con elementos pseudo multi-culturales. Esto es televisión cega, y eso dice mucho. Es un género formatado que es produzido veces sin cuenta, tantas como los libros inutiles como aquel en que se basa esta série.

Todo esto es triste, la inutilidad de la producción média para televisión estos días, almenos en Portugal. Más triste aún es considerar que estas producciones estúpidas reflejan las mentes del espectador médio. Bueno, alguns si, refleja.

Pero algo más es realmente triste. Tenemos 3 nombres en esta producción, 3 personas valiosas, que deberían estar haciendo cosas grandes con sus vidas, y al invés se arrastran en esta pobreza mental. Nicolau Breyner podría haver sido grande, si hubiera tenido una indústria de cine donde se inserir, en Portugal o afuera. Él es bueno, comprende el tono y la energia, y como ponerse un actor. Luego tenemos Filipe Duarte, que en verdade Está teniendo una carrera, actuando por lo menos en un filme al año. Él tiene talento, probablemente es el mejor actor portugués «joven» que tenemos, pero debería estar creciendo en los desafios que tiene, al invés de tener que deslizar hasta esta inutilidade de estas producciones estúpidas. Por fin, es triste escuchar la música ambiental y que crea ambientes de Rodrigo Leão, mezclada com las iluminaciones y escenarios falsos en este mundo falso. Él es seguramente uno de los mejores compositores de cine que No hemos tenido.

Estos 3 nombres son lo que hay de malo en esta serie, No porque estan aqui, sino porque Deberían estar haciendo otras cosas. Cosas mayores. Es como si hubieron sido deportados para una isla infernal caliente, como incidentalmente una de las ilustraciones en la serie es forzada a hacer.

Mi opinión: 1/5

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Ischeznuvshaya imperiya (2008)

«Ischeznuvshaya imperiya» (2008)

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exorcismo

Soy portugués asi que, a pesar de nascido en los años 80, conozco algunas cosas sobre lo que es un país que intenta ultrapasar su propria memoria. Para los que no saben, Portugal fue el último continuador en Europa de un concepto fascista de «império», una idea retro que congeló la vida cultural y la evolución verdadera durante décadas en algunos países. Terminó para nosotros en mediados de los 70, pero lidar con un cambio tan radical de la definición colectiva es algo que se arrastra hasta hoy, atenazada por un incremento general de las condiciones de vida de los portugueses, pero que siempre está allí.

Ahora, yo pienso que el experimento soviético fue más radical y fundamentalista para sus poblaciones que los fascismos europeus latinos. Y duró más. Asi, tener que lidar con los cambios radicales hacia una «democracia occidental» forzada es probablemente un proceso muy doloroso en los ex territórios de la unión soviética, sobretodo el ruso. Eso es el encuadramiento en que pongo este film específico. Lo miro como un exorcismo de fantasmas pasados, pero también una mirada melancólica a esos días.

Los factos en la história, que es casual (está aqui como un caso «típico» y repetitivo en esos dias) todos hablan contra lo que pasaba en ese regimen en eso contexto, pero aún asi evita moralizar. Nadie es juzgado (al contrario, por ejemplo, de lo que tenemos en «las vidas de los otros») y nadie es inocente. Es un tipo de aproximación que asume de debemos sentir lo que pasaba independientemente de las políticas superiores o de los contextos de poder que moldaran lo que vemos. Acepto esa visión, la aprecio. Las opciones cinematográficas fueron totalmente coerentes con lo que vemos, y de vez en cuando, he visto Tarkovsky aqui, que tiene bastante que ver con el como el cine submete la memória. Es bueno ver un cierto contexto social, una cierta juventud que nunca he conocido yo, y un cierto tipo de cine que es dulce y por veces (no aqui) profundo y transcendente.

Mi opinión: 3/5

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